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10. À première vue
Jodie Comer a fait des débuts sensationnels dans le West End dans la pièce percutante de Suzie Miller, qui est destinée à Broadway au printemps. Mieux connue pour son rôle à la télévision dans Killing Eve, Comer a prouvé qu’elle pouvait être tout aussi charismatique et autoritaire sur scène, incarnant une avocate qui se retrouve à la barre des témoins après une agression sexuelle. Lire la critique complète
9. Deux Palestiniens font du dogging
À la Royal Court de Londres, le drame de Sami Ibrahim a saisi le conflit palestino-israélien à travers le prisme d’une famille dans un village à l’est de Jérusalem. Cela a commencé comme un acte de stand-up et a joué la brutalité du conflit avec des scènes brûlantes placées à côté de la fantaisie, puis s’est retiré pour décrocher un coup de poing. Exactement ce qu’un théâtre de nouvelle écriture devrait présenter. Lire la critique complète
8. Notre génération
À près de quatre heures, le drame d’Alecky Blythe sur une douzaine de jeunes nous laissait encore en vouloir. Dirigé énergiquement par Daniel Evans pour une coproduction de théâtre du Festival de Chichester et du Théâtre national, il a duré cinq ans et a capturé leurs rêves et leurs déceptions, les expériences des migrants, les affrontements parentaux, les problèmes corporels, les notes scolaires et les plaisanteries de Snapchat. Théâtre verbatim à son plus vigoureux. Lire la critique complète
7. Fou de toi
Ce ne sont pas seulement les numéros de danse époustouflants qui ont rendu cette production de Chichester si joyeuse, bien que la performance sublimement agile de Charlie Stemp ait été proche de la perfection. La comédie musicale de 1992 – dirigée par sa chorégraphe originale Susan Stroman – combinait de l’esprit physique, des plaisanteries zingantes et une partition irrésistible de George et Ira Gershwin. Ceux qui l’ont raté pourront le retrouver à Londres l’été prochain. Lire la critique complète
6. Oklahoma !
Au cours d’une année qui a apporté une surabondance de reprises réussies mais sûres, ce remaniement de la comédie musicale de Rodgers et Hammerstein au Young Vic, à Londres, nous a montré comment un spectacle bien connu et bien-aimé peut être refait et devenir nouveau et fraîchement dangereux. Réalisé par Daniel Fish et Jordan Fein, c’était sexy et troublant avec beaucoup d’expérimentalisme et un chant étonnant. Lire la critique complète
5. Qui a tué mon père
Toujours au Young Vic, l’adaptation par le réalisateur Ivo van Hove du roman autobiographique d’Édouard Louis a été mise en scène comme un monologue éviscérant avec Hans Kesting jouant à la fois un fils gay éloigné et un père homophobe malade. Dévastateur et tendre, il a canalisé son histoire de masculinité en camisole de force et les effets écrasants de la pauvreté à travers l’empathie et l’amour. Une performance époustouflante. Lire la critique complète
4. Belles choses maléfiques
Cette année a été remplie de récits de tragédies grecques antiques. Une production en tournée co-créée par Deborah Pugh et George Mann d’Ad Infinitum, Beautiful Evil Things était électrisante à gauche. Racontée par la tête décapitée de Méduse et contenant une qualité épique bien qu’elle ait été mise en scène à lui seul par Pugh, son histoire a été livrée autant par le mouvement et le son que par le scénario. Lire la critique complète
3. Le docteur
Cette reprise du drame de Robert Icke sur l’identité, la foi et l’éthique médicale ressemblait à l’une des pièces les plus chargées de notre époque. S’attaquant aux guerres culturelles avec une audace cérébrale, il a été transféré de l’Almeida au West End avec une autre performance éclatante de Juliet Stevenson. Cela nous a poussés hors de nos zones de confort et nous a fait remettre en question non seulement nos croyances, mais la certitude elle-même. Lire la critique complète
2. Les chaises
Le drame absurde d’Eugène Ionesco de 1952 sur une paire d’artistes jouant à faire semblant dans leur salon est devenu le spectacle de théâtre physique le plus virtuose entre les mains du duo mari et femme Marcello Magni et Kathryn Hunter, dans la production d’Omar Elerian à l’Almeida. Magni, décédé plus tard dans l’année, nous a laissé ce cadeau d’adieu magique. Lire la critique complète
1. Iphigénie chez Splott
Une reprise incandescente du monologue de Gary Owen, mis en scène par Rachel O’Riordan au Lyric Hammersmith sept ans après sa mise en scène au théâtre Sherman de Cardiff. C’était à la fois une tragédie grecque antique et une pièce sur l’état de la nation. Sophie Melville a été un tour de force en tant que femme de la classe ouvrière dans un coin appauvri du Pays de Galles qui ne montre aucun signe de nivellement. Elle parlait dans un démotique magnifiquement surrénalisé et possédait chaque centimètre de la scène alors qu’elle racontait son histoire bouleversante d’amour, de perte et d’héroïsme silencieux. Drame politique puissant et urgent, surtout pour ceux qui pensaient que le théâtre ne leur parlait pas – ni pour – eux. Lire la critique complète Arifa Akbar
« Passionnant, déchirant, époustouflant » : les choix des critiques
Médée
Debout au pied d’une passerelle, le public devient un chœur témoin de la rivalité fatale de Médée et de Kréon. Utilisant la version riche et robuste de Liz Lochhead, la production du National Theatre of Scotland de Michael Boyd au festival international d’Édimbourg a présenté une Adura Onashile inflexible en tant qu’épouse lésée qui était tout à fait à la hauteur du suave Jason de Robert Jack. Intense et plus vrai que nature. Marc Fisher
Bren. Calon. Fi
Un monologue avec des chansons, Brên. Calon. Fi (Brain. Heart. Me) de Bethan Marlow semblait bien plus important que sa courte durée. Interprété par Lowri Izzard et mis en scène par Izzy Rabey lors du National Eisteddfod à Tregaron, c’était une expression pleine d’esprit, décomplexée et d’une douceur séduisante – en gallois, enfin – du désir lesbien et des premiers élans de l’amour. Gareth Llŷr Evans
Choses cachées depuis la fondation du monde
À la maison à Manchester, le nouveau spectacle de Javaad Alipoor était la pièce de théâtre la plus époustouflante que j’ai vue de toute l’année. Il prend des choses que vous pensez connaître – Internet, la musique pop, les podcasts de meurtres mystérieux – et les transforme à l’envers. L’idée même de la connaissance instantanée telle que promise par des sites comme Wikipédia est déconstruite dans cette performance, qui réussit à être éblouissante d’intelligence et glorieusement théâtrale. Catherine Amour
Sing Yer Heart Out for the Lads
C’est une tragédie que la pièce de 2002 de Roy Williams soit aussi effrayante aujourd’hui qu’elle l’était il y a 20 ans. Mais ce drame décryptant le racisme venimeux d’un groupe de supporters anglais dans un ivrogne du sud de Londres donne l’impression qu’il aurait pu être écrit prêt pour le tournoi de cette année. Magnifiquement déchirant, dans la production de Nicole Charles au Minerva de Chichester, son insidieux est resté avec vous bien au-delà de la partition finale. Anya Ryan
Le retour à la maison
Chaque élément de la renaissance de la tournée de Jamie Glover, qui mettait en vedette Keith Allen, Mathew Horne et Shanaya Rafaat, a capturé l’horreur sordide et la comédie sauvage du chef-d’œuvre de Harold Pinter en 1965. Rien de plus que le décor de Liz Ascroft, qui donnait l’impression que le salon sombrement tapissé du nord de Londres, une sorte de boîte de Pétri pour la misogynie, était plus grand qu’un haricot géant. Ryan Gilbey
Un concert pour les fantômes
Aucun spectacle n’a rempli mon cœur cette année comme la comédie musicale folk queer de Fran Bushe. Hanora Kamen et Rori Hawthorn étaient parfaites en tant qu’amantes imparfaites, leur histoire douce et drôle soulignée par des blagues idiotes et de belles harmonies. Jouée dans l’espace intime à l’étage du théâtre Soho, cette tendre histoire de deuil et d’amour qui en découle a fait pleurer toute la salle. Kate Wyver
Beaucoup de bruit pour rien
Le réalisateur Robert Hastie a trouvé de nouvelles blagues avec un casting comprenant des acteurs sourds, handicapés et neurodivers à Sheffield Crucible dans une coproduction avec Ramps on the Moon. Si vous êtes critique de théâtre, vous voyez beaucoup de Much Ados. Voir Daneka Etchells alors que Beatrice jouait ses lignes comme un maestro découvrant de nouvelles notes était étonnant. Hero était tout à fait déchirant lorsqu’il a été accusé à tort d’infidélité dans une production qui avait également une abondance de joie. Nick Ahad
Propagande : une nouvelle comédie musicale
Au Lyric de Belfast, la production de théâtre musical palpitante de Conor Mitchell s’est démarquée par l’ambition et l’ampleur de sa toile d’après-Seconde Guerre mondiale. Situé dans Berlin bombardé pendant le blocus soviétique de 1948-49, ses personnages tentent désespérément de survivre. Des performances percutantes, un design audacieux et une partition mêlant jazz, numéros de big band et lyrisme d’opéra fusionnent, créant un drame à plusieurs niveaux qui oppose l’art au populisme, la vérité aux fausses nouvelles. Hélène Meany
Wonder Boy
Pow ! Dans la pièce de théâtre de lycée de Ross Willis, mise en scène par Sally Cookson à Bristol Old Vic, le super-héros Captain Chatter assiste un élève qui bégaie. Pan! Son design était irrésistiblement audacieux, une bande dessinée animée avec une accessibilité inhérente à chaque scène. Ka-boum ! Faisant ses débuts, Raphel Famotibe a mené des performances éclatantes. Pan! Son analyse hilarante de Hamlet a même plaidé pour que le blasphème soit l’âme de l’esprit. Chris Wiegand
Nous tous
Il y a un déficit de compassion dans notre politique, et souvent aussi dans nos médias sociaux. Contre cela, la pièce de Francesca Martinez est arrivée au Théâtre National comme un redémarrage passionnant de l’empathie radicale. Explorant la négligence vicieuse de l’expérience des personnes handicapées, il était sans vergogne émotif et argumentatif. Refusant de se sentir désespéré, il a déclenché ce que Martinez appelle une « rage bancale », un défi pour les cœurs et les esprits. David Jays
Le règne animal
Parfois, ce sont les petits spectacles qui révèlent toute la puissance du théâtre. Dix mois plus tard, je reste hanté par la pièce de Ruby Thomas au théâtre Hampstead, un portrait d’une famille tournant autour d’une chose indescriptible qui s’est produite, dans une série de séances de thérapie. Étaient-ils réels ? Et qui étions-nous, public de théâtre, voyeurs ou spectateurs d’un zoo ? Tout n’était que discours, mais le texte, la mise en scène, le design et la performance ont convergé pour donner aux mots la force des coups corporels. Claire Armitstead
Marcher avec des fantômes
Les monologues peuvent être une option théâtrale bon marché, mais Walking With Ghosts de Gabriel Byrne (à Dublin, Wexford, Édimbourg et Londres) était un spectacle solo avec l’ampleur et l’impact d’une pièce épique. Byrne a passé la première mi-temps dans l’enfance en Irlande, la seconde dans le showbiz à l’âge adulte, le mot images (un barbier chauve avec une liste de toupets pour différentes occasions) réalisant un Irish Under Milk Wood, ce lyrisme rendant encore plus piquantes les horreurs (abus, addiction , deuil) quand ils viennent. Marc Lawson
Billy Elliot
Billy ne danse pas exactement dans la nouvelle production passionnante de la comédie musicale du réalisateur Nikolai Foster à Leicester’s Curve. Il boxe. Coups de pied. Cris. Rugit. Voici un spectacle sur scène avec tout le cœur du film de Stephen Daldry mais avec plus de courage, de danger et de profondeur. Le scénario de Lee Hall était un peu plus net et la musique d’Elton John, douloureusement tendre mais en quelque sorte plus véridique. Et la danse ? Électricité. Miriam Gillinson
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