Customize this title in frenchCritique : Keith Haring : L’art est pour tout le monde’ au Broad

Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 words Au printemps 1989, juste après avoir eu 31 ans et environ 10 mois avant sa mort, Keith Haring a dessiné un autoportrait à l’encre noire sur du papier blanc. Cela en dit long sur la façon dont il a abordé son travail – à la fois comme motivation et comme sujet.Sauf en T-shirt, le dessin d’autoportrait d’un artiste gay emblématique d’une décennie englouti dans une virulente guerre des cultures conservatrices n’est pas inclus dans «Keith Haring: Art Is for Everybody», la grande enquête (quelque 120 œuvres) récemment ouvert au centre-ville au Broad et arrivant juste à temps pour la célébration du mois de la fierté LGBTQ +. Mais l’une des nombreuses versions apparaît au début du grand catalogue d’exposition – et largement utile. L’image est rendue avec une grande économie de ligne, à peu près deux douzaines de traits rapides. Haring a limé sa tête ovale, le nœud supérieur au-dessus d’une racine des cheveux fuyante, une paire d’oreilles et d’yeux proéminents regardant derrière des lunettes à monture noire.Juste sous les verres se trouvent deux marques simples qui se combinent pour animer à merveille l’ensemble du visage. L’une est une courbe ascendante, l’autre juste en dessous est un point. Le dessin d’autoportrait de 1989 de Keith Haring est dans le catalogue de l’exposition pour son exposition d’enquête au Broad(Christopher Knight/Los Angeles Times) Visuellement, ces deux marques faciales se lisent de deux manières différentes : comme un nez au-dessus d’une bouche faisant une expression surprise, comme s’il prononçait un « Oh ! » inattendu ; ou, vu d’une autre manière, comme un sourire qui a éclaté au-dessus d’un menton proéminent à fossettes. Le résultat est en partie une caricature carnavalesque et en partie un smiley générique. Un Haring aux yeux écarquillés se représente à la fois émerveillé et heureux.Ce qui le rend heureux, c’est d’être un artiste, j’imagine. Cela pourrait aussi l’étonner.La biographie de Haring est bien connue. Élevé dans le petit Kutztown, un arrondissement rural de Pennsylvanie à environ 100 miles à l’ouest de New York, il s’est inscrit dans une école d’arts commerciaux de Pittsburgh à 18 ans. Bientôt fatigué des exigences mercantiles conventionnelles en matière de créativité, il a démissionné. À peine 20 ans lorsqu’il arrive à Manhattan, l’inscription à l’école des arts visuels en roue libre et le fait de jouer dans une vie nocturne florissante du centre-ville l’ont mis sur une nouvelle voie. Il est sorti du placard, a participé à des spectacles sur la scène artistique alternative florissante (y compris dans des clubs de danse) et s’est lié d’amitié avec des artistes partageant les mêmes idées que Jean-Michel Basquiat et Kenny Scharf.Une percée s’est produite en 1980 – un « Oh! » moment, le premier d’une longue série.Habitué des usagers du métro, Haring a remarqué les grandes feuilles vierges de papier noir mat utilisées pour couvrir temporairement les panneaux publicitaires inutilisés. Au cours de ses voyages dans le sous-sol urbain, il commence à dessiner dessus à la craie blanche, transformant les couloirs du métro en une sorte de galerie publique gratuite. Bien qu’éloignés des salles d’exposition brillantes des établissements de la 57e rue, de Madison Avenue ou de Soho, les dessins occupaient également l’espace commercial. Mais ils ne colportaient rien d’autre que leurs propres images exubérantes.Appelez les dessins du métro une appropriation éclairée – une appropriation qui a réconcilié ses diverses expériences à Pittsburgh, à SVA et au Club 57 sur la place Saint-Marc, dirigée par l’artiste et actrice Ann Magnuson. Keith Haring, « Sans titre », 1982, acrylique sur vinyle(Le large) L’autre « Oh ! » les moments ont à voir avec le sujet – des halètements de joie, de fureur, de déception, de prudence et plus encore en ce qui concerne les conditions sociales des années 1980 au pays et à l’étranger. Certains ont mis l’accent sur le plaisir agréable, comme l’utilisation de peintures Day-Glo bruyantes qui interrompraient le calme contemplatif d’une galerie d’art typiquement feutrée avec l’exubérance vive trouvée sur la piste de danse libératrice d’un bar gay bondé. D’autres étaient sobres – images liées à la répression politique, à la menace perpétuelle d’anéantissement nucléaire, à la cruauté de l’apartheid, à la cupidité de l’ère Reagan, à la guerre culturelle incitée par la haine de la droite religieuse, à l’apathie face à l’explosion de la crise du sida, etc.Un certain nombre de ces sujets — trop nombreux — sont encore pressants aujourd’hui. Le VIH, le virus qui cause le SIDA, par exemple, a été identifié il y a 40 ans le mois dernier ; mais il n’y a toujours pas de vaccin. (Une peinture de Haring de 1989 explicitement inachevée est une déclaration émouvante de perte imminente.) Une pertinence d’actualité notable caractérise l’exposition, bien que l’art ait été réalisé il y a quatre décennies.Au Broad, la conservatrice Sarah Loyer a regroupé les œuvres par thème, tapissant pratiquement plusieurs des 10 galeries, du sol au plafond. L’exposition se concentre sur environ sept années productives, de 1982 à 1989. Lors d’un aperçu de la presse, aucune des œuvres n’était encore étiquetée (elle l’est maintenant), ce qui rendait les références croisées pratiquement impossibles. Mais l’actualité, associée à une carrière dont la brièveté tragique n’a pas permis un développement formel substantiel, crée une distorsion temporelle qui résonne avec l’esthétique de Haring. Son travail associe à plusieurs reprises l’histoire ancienne à un style pop durable.Haring a réalisé des dessins linéaires non fléchis presque exclusivement de glyphes et de pictogrammes, comme l’art rupestre paléolithique avec une bordure urbaine agitée. Le dessin décrit presque tout dans l’exposition, qu’il soit exécuté à l’encre ou à la peinture sur papier, des bâches de quincaillerie, de la toile occasionnelle ou même de quelques pots d’argile. Haring était un graphiste de bout en bout.Même bon nombre de ses sculptures, généralement les œuvres les plus faibles de son œuvre prolifique, sont composées de plans plats et bidimensionnels de bois ou d’acier qui se croisent de manière à pouvoir se tenir debout en trois dimensions – la plus rudimentaire des structures. D’autres sont dessinés sur des objets trouvés produits dans le commerce, comme des imitations en fibre de verre ringard de la Statue de la Liberté ou une colonne corinthienne, convenant comme décor de restaurant grec ou italien à petit budget. Le dessin est le médium le plus immédiat sur le plan conceptuel, passant directement du cerveau à la main et à la feuille ; mais les formes sculpturales souvent encombrantes de Haring ralentissent visuellement la propulsion qui fait monter en flèche ses meilleures œuvres. La cupidité est le sujet de « Untitled », 1988, à gauche, jumelé au Broad avec divers articles proposés au magasin de Keith Haring, le Pop Shop (Dania Maxwell/Los Angeles Times) Certaines d’entre elles sont sournoisement drôles, bien que minces, comme les invocations occasionnelles du pouvoir pyramidal New Age. Une peinture astucieuse montre une paire de triangles bleu cobalt adjacents vibrant visuellement sur un fond mandarine, couronnés par une explosion de marques de pinceau rayonnantes. La forme de diamant, peinte sur un dessus de table rond en formica, oscille entre la description d’une pyramide et une serviette poliment pliée. Un autre travail ajoute des soucoupes volantes planant à proximité, un clin d’œil satirique au shtick pseudoscientifique d’un ancien empire égyptien construit non pas par des êtres humains réduits en esclavage mais par des extraterrestres arrivant dans des ovnis.Les images de Haring, comme son autoportrait, embrassent souvent de manière productive des contradictions internes. Prenez son célèbre chien qui aboie. Le dessin de contour rapide d’un torse carré, d’un museau et de membres surmontés d’une paire d’oreilles pointues enregistre un animal qui est à la fois le meilleur ami de l’homme et un symbole menaçant du pouvoir autoritaire.L’un des deux panneaux ressemblant à des dessins animés dans une grande œuvre à l’encre sur parchemin montre des personnages s’éloignant d’un chien qui jappe sur leurs talons. L’autre panneau montre des personnages sautant énergiquement par-dessus la bête qui aboie, sa menace grognante s’avérant inefficace. Les chiens qui aboient mordent rarement, comme le dit le dicton, et Haring décrit la vertu d’une résistance robuste à l’intimidation.Une œuvre comme celle-ci reflète les deux artistes sans doute les plus importants pour Haring. Walt Disney a porté la maison de fous des dessins animés à un niveau élevé pour la consommation de masse. Et les chiens d’attaque hargneux rappellent les photographies d’actualité choquantes de Birmingham, prises par…

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