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Même lorsqu’ils se concentrent sur l’expérience des enfants, les cinq films nominés pour les courts métrages d’animation aux Oscars sont résolument destinés aux adultes. Dans ces courts métrages émotionnellement complexes et visuellement distinctifs, le traumatisme de la guerre, les salaires de la répression politique et la peur de la mort sont tous mis à l’honneur.
« Lettre à un cochon »
Dans « Lettre à un cochon » de Tal Kantor, originaire de France et d’Israël, un vieux survivant de l’Holocauste rend visite à une classe d’adolescents et raconte l’histoire improbable d’un cochon qui lui a sauvé la vie. Son traumatisme se répercute en dehors de la classe de manière imprévisible, conduisant une jeune fille à faire un rêve inoubliable. Le mélange d’histoire et de surréalisme du film découle des souvenirs d’enfance du réalisateur.
« Il était important pour moi de montrer les couches et la complexité de l’âme humaine face à un sujet aussi profond », explique Kantor. « Ainsi, le langage cinématographique et visuel du film mélange constamment des éléments réalistes avec le monde insaisissable et surréaliste de la mémoire et de l’imagination, donnant ainsi un aperçu des profondeurs de la nature humaine. »
« La guerre est finie! Inspiré par la musique de John & Yoko » partage un message de paix.
(Courts TV)
‘La guerre est finie! Inspiré par la musique de John & Yoko’
S’inspirant de l’hymne de protestation de John Lennon et Yoko Ono de 1971 devenu un standard des fêtes « Happy Xmas (War Is Over) », le court métrage de 11 minutes de Dave Mullins, ancien de Pixar, se déroule dans une Première Guerre mondiale en réalité alternative, où une partie d’échecs se déroule. joué à travers les lignes ennemies avec l’aide d’un pigeon voyageur.
L’idée est née du fils de John et Yoko, Sean, et de ses tentatives de réintroduire le message de paix de ses parents à une nouvelle génération. Une introduction fortuite à Mullins a conduit à une percée narrative et a poussé le concept bien au-delà d’un clip vidéo.
Selon le producteur Brad Booker, « il était crucial que le public s’identifie aux soldats des deux côtés, les incitant à dire : « Cela pourrait être moi ». À la fin du film, nous avions pour objectif de passer d’un état d’esprit « nous contre eux » à un « nous » collectif.
« Pachyderme » utilise une narration poétique et une palette de couleurs évolutive pour dépeindre la visite tour à tour douce et obsédante d’une fillette de 9 ans chez ses grands-parents ruraux.
(Courts TV)
‘Pachyderme’
Dans « Pachyderme », serein mais qui donne la chair de poule, la réalisatrice française Stéphanie Clément utilise une narration poétique et une palette de couleurs évolutive pour dépeindre la visite tour à tour douce et obsédante d’une fillette de 9 ans chez ses grands-parents ruraux. C’est une histoire mélancolique et discrète de passage à l’âge adulte imprégnée de mémoire sensorielle.
La composition et les choix de cadrage du réalisateur introduisent un sentiment d’inquiétude dans chaque image, compliquant tout sentiment de nostalgie. Selon Clément, « Le ciel, par exemple, est quasiment inexistant dans le film. Lorsque le ciel est présent, il est obstrué par un élément — la maison des grands-parents, un arbre, etc. — pour évoquer l’absence d’évasion du personnage.
La vision de Clément est également géolocalisée. « Le sud de la France est à l’origine des couleurs vives du film : le jaune de l’herbe sèche, le turquoise de l’eau, le vert foncé des cyprès et le rouge orangé de la tomettes, les petites tuiles en terre cuite typiques des demeures provençales. Mais la palette évolue progressivement à mesure que la narratrice prend conscience de sa propre histoire, pour finir sur une note pâle et terreuse.
« Our Uniform » considère les différentes couches du hijab et la manière dont un code vestimentaire permet et désactive l’expression de soi.
(Courts TV)
« Notre uniforme »
Dans le court métrage le plus visuellement distinctif de la cohorte de cette année, la réalisatrice Yegane Moghaddam coud ses souvenirs de ses années d’école en Iran dans le tissu d’un uniforme scolaire. Avec un style ludique et digressif, Moghaddam considère les différentes couches du hijab et la manière dont un code vestimentaire permet et désactive l’expression de soi.
Selon Moghaddam, « les images ont été composées sur le tissu à l’aide d’un ordinateur » et le processus ne semblait pas contraignant. « Au lieu de cela, j’ai pu découvrir de nombreuses possibilités visuelles en combinant l’image et le tissu. »
«J’ai choisi de travailler avec des tissus parce que je voulais associer style et sujet», ajoute Moghaddam. « Je crois que le mariage entre le médium et la narration permet de communiquer plus facilement avec le public. Plus vous alignez votre média sur votre histoire, plus vous aurez de cohérence dans la pièce finale.
Alors qu’un condamné à mort fait ses adieux à ses sens, « Ninety-Five Sense » explore une série de questions existentielles importantes.
(Courts TV)
« Quatre-vingt-quinze sens »
Réalisé par Jared et Jerusha Hess (« Napoléon Dynamite ») et exprimé par Tim Blake Nelson, « Ninety-Five Senses » offre une ode au corps humain du point de vue d’un condamné à mort. Alors que son protagoniste fait ses adieux à ses sens, le film explore un éventail de questions existentielles importantes.
Selon le producteur Miles Romney, « MAST, notre accélérateur à but non lucratif, comptait six animateurs aux styles distinctifs, gagnants d’un concours d’animation mondial. Le but du film était de mettre en valeur chaque style tout en les entrelaçant de manière fluide, non pas dans une vitrine visuelle, mais dans une histoire.
Les scénaristes Chris Bowman et Hubbel Palmer ont relevé ce défi, dit Romney, et « ont donné aux réalisateurs et à nos animateurs un incroyable spectre de couleurs émotionnelles avec lesquelles travailler ».
Romney ajoute que le film ne fonctionnerait pas sans Nelson dans le rôle principal. « Dans notre personnage Coy, nous avons un philosophe folk, quelqu’un qui oscille entre nostalgie, regret, nostalgie, espoir, résignation, en un laps de temps très court. Il réclame un acteur doté d’une profondeur émotionnelle et philosophique, dont la performance est également accessible et incontestablement authentique. Qui d’autre que Tim Blake Nelson ?