Customize this title in french Revue Yentl – Le théâtre australien est si rarement aussi complexe, ou aussi émouvant | Théâtre australien

Tle théâtre est un rituel ; son but est la transformation. Il semble donc approprié qu’une adaptation scénique de la nouvelle Yentl the Yeshiva Boy d’Isaac Bashevis Singer aborde les thèmes de la métamorphose, de la transfiguration et du défi des genres binaires. Que le théâtre yiddish Kadimah puisse également le transformer en un plaidoyer en faveur de l’identité trans – passionné et persuasif, enraciné dans la théologie – semble plus significatif.

L’histoire de Singer, celle d’une fille qui se déguise en garçon pour étudier la Torah, est devenue indélébile associée à Barbra Streisand, qui l’a elle-même adaptée pour le film musical de 1983. Il n’est pas difficile de comprendre ce qui a séduit la star dans le matériel source : un conte farouchement féministe, il célèbre le droit d’une femme à l’autodétermination dans un monde agressivement masculin. Mais cette nouvelle version, doctrinale astucieuse et subrepticement contemporaine, va encore plus loin : Yentl ne se contente pas ici de renverser les attentes de genre, elle les transcende.

Yentl (Amy Hack) est une jeune femme désespérée de connaissances, celles qui lui sont interdites par les restrictions de sa société. Son père satisfait ce besoin en étudiant la Torah avec elle à huis clos, bien qu’il soit moins enthousiasmé par sa tendance à s’habiller avec ses vêtements, à fumer sa pipe. Il sait qu’« il y a un pouvoir étrange dans les vêtements », après tout. À sa mort, Yentl décide d’embrasser pleinement son identité masculine, quittant sa ville natale et se transformant en Anshl, une jeune érudite.

Sous cette nouvelle forme, il se lie d’amitié avec Avigdor (Nicholas Jaquinot), un jeune homme intense et mélancolique au passé douloureux. Une fois fiancé à la belle et ardente Hodes (Geneviève Kingsford), Avigdor a été chassé en raison de questions de caractère familial. Toujours follement amoureux d’elle, il encourage néanmoins Anshl à l’épouser. Mieux vaut qu’elle soit fiancée à un ami bon et fiable plutôt qu’à un étranger.

Hodes se sent attirée par ce nouveau venu. Sa peau est si douce et il ne sent pas comme les autres garçons qu’elle connaît. S’il refuse de se baigner devant les autres et semble réticent à l’embrasser, et alors ? L’amour peut grandir et les voies des hommes sont mystérieuses. Anshl accepte le mariage à contrecœur, autant pour garder Avigdor proche – dont il est tombé amoureux – que pour cimenter son déguisement dans la communauté. C’est un triangle amoureux soutenu par un mensonge et qui ne peut aboutir.

Autour et à l’intérieur de ce récit parabolique se tisse une figure étrange et subversive, la yeytser ho’re (Evelyn Krape). Les noms sont importants (bien qu’Avigdor affirme que « les noms ne signifient rien ») et en hébreu, celui-ci peut être interprété comme le mauvais penchant, l’envie de perturber ou d’entraver les meilleurs anges de notre nature. Krape est donc une sorte de maîtresse du chaos, poussant Yentl/Anshl à se livrer à de plus en plus de tromperies, tout en les poussant vers la réalisation d’eux-mêmes d’un grand pouvoir. Elle est également hilarante, chaque rire et chaque cri étant calibré pour un effet maximal. C’est un personnage qu’on ne retrouve pas dans l’original de Singer, et pourtant il semble totalement indispensable, un superbe coup théâtral.

Le réalisateur Gary Abrahams, qui a également co-écrit l’adaptation avec Elise Esther Hearst et Galit Klas, corrige les détournements sauvages de l’histoire avec clarté et un contrôle magistral du ton et du rythme. Il y a quelque chose de music-hall dans la production, un expressionnisme vaudevillien qui se voit dans les visages blancs et les joues rouges des acteurs – sans parler des interpolations diaboliques de Krape qui ponctuent l’action comme des chocs de cymbales. Mais il y a aussi un réalisme psychologique admirable, un dévouement à la vérité émotionnelle sous un style de jeu exacerbé.

Le décor de Dann Barber, un shtetl d’Europe de l’Est effrayant et évocateur, est simple mais brillamment réalisé, et l’éclairage de Rachel Burke est onirique et surnaturel. Il s’agit d’un monde imprégné de traditions et d’enseignements anciens, mais aussi surréaliste et kabbalistique, et l’espace de jeu semble à la fois ancré dans l’histoire et étrangement illusoire.

Essentiellement une reprise d’une production de 2022, Yentl n’a qu’un seul changement de casting, mais c’est le clé. Si elle n’est pas aussi éblouissante que Jana Zvedeniuk l’était dans le rôle éponyme, Hack apporte une ferveur et un sentiment de dignité palpables au rôle, traitant la comédie là où elle le peut mais s’engageant également pleinement dans le dilemme central. Jaquinot revient de manière plus convaincante, mercuriel et torturé, et Kingsford est à nouveau excellent dans le rôle de Hodes compromis. Krape transperce comme l’esprit du pandémonium, ses vastes morceaux de yiddish rebondissant mélodiquement dans l’auditorium, son espièglerie faisant avancer l’action. C’est un excellent rappel des dons uniques de cet acteur.

Yentl revient à un moment difficile, mais d’une manière ou d’une autre, cela le rend plus nécessaire, plus pertinent. La pensée religieuse devient si facilement intraitable, mais cette production – avec la pure beauté de son yiddish parlé, son combat profond et respectueux avec l’idéologie, la primauté qu’elle accorde à l’identité trans – pointe vers un point de vue différent. Il imagine la religion non seulement comme coexistant au progrès culturel, mais comme un catalyseur de celui-ci.

Le théâtre dans ce pays est si rarement animé par des idées aussi complexes et contestées, et rarement aussi émouvantes. Comme un rituel significatif, c’est vivifiant et transformateur.