Critique: le film de braquage décalé « Four Samosas » se délecte de la communauté amérindienne d’Artesia

« Quatre Samoussas »

Se déroulant dans la petite Inde d’Artesia, la comédie de braquage « Four Samosas » suit la fière tradition cinématographique indépendante américaine des communautés sous-représentées utilisant l’humour, les conventions de genre et le flair stylistique pour conquérir un public plus large – tout en partageant une partie de ce qui fait leur propre coin du spécial pays. Écrit et réalisé par l’acteur vétéran Ravi Kapoor (qui a déjà réalisé la comédie « Miss India America » ​​en 2015), le film atteint son rythme à peu près à mi-chemin de sa durée avant de s’effondrer. Mais pour la plupart, c’est assez vif.

Venk Potula joue Vinny, un rappeur en herbe qui est tellement dérangé par les fiançailles de son ex-petite amie avec un riche snob (Karan Soni) qu’il met sur pied une équipe pour voler la dot de son ex dans un supermarché appartenant à son père. Une grande partie de la première moitié de « Four Samosas » présente les complices et ennemis éclectiques de Vinny dans de petites vignettes originales, tournées dans des couleurs pastel avec un cadrage précis – rappelant fortement Wes Anderson. Nous rencontrons le fan de Bollywood, le génie scientifique intense, la bande de réactionnaires culturels, les cosplayers du folklore indien, etc.

Après le braquage, le film fait tourner ses roues, luttant pour avancer avec des personnages censés représenter, à grands traits, des aspects de l’expérience amérindienne. (Contrairement aux films de Wes Anderson, les contours caricaturaux n’obtiennent jamais l’ombrage dont ils ont besoin pour ajouter de la profondeur.) Mais l’amour de Kapoor pour ces excentriques et leurs environs est toujours contagieux. Son intrigue peut manquer de gaz, mais « Four Samosas » ne cesse d’être sympathique.

‘Quatre Samoussas.’ PG-13, pour un langage et un geste grossier. 1h20. Disponible en VOD ; jouant également en salle, Laemmle Noho 7, North Hollywood; Cerritos Harkins

« Un faon blessé »

Dans la courte carrière de Travis Stevens en tant que scénariste-réalisateur (« Girl on the Third Floor », « Jakob’s Wife ») et sa longue carrière de producteur (« Cheap Thrills », « We Are Still Here »), son nom dans le générique d’un film d’horreur a généralement été le signe de quelque chose de spécial. C’est encore le cas avec son troisième long métrage, « A Wounded Fawn », un thriller de tueur en série marqué par de solides performances, une intrigue sinueuse et une photographie 16 mm accrocheuse. Tout au long, Stevens et ses collaborateurs – dont le co-scénariste Nathan Faudree, le directeur de la photographie Ksusha Genenfeld et le concepteur sonore/compositeur Vaaal – prennent des idées et des images familières et leur donnent une nouvelle pop.

Difficile d’en dire long sur « A Wounded Fawn » sans dévoiler ses surprises ; mais l’histoire parle principalement de Bruce (Josh Ruben), un gars apparemment gentil poussé par des impulsions démoniaques pour détruire de belles femmes. Lorsque Bruce s’approche de trop près d’un puissant et ancien artefact grec, il fait face à un jugement divin – qui, à tout le moins, ruine le week-end d’escapade romantique qu’il avait prévu avec sa prochaine victime potentielle, Meredith (Sarah Lind).

Une grande partie du dernier tiers de « A Wounded Fawn » est un cauchemar surréaliste, chargé de métaphores, qui peut rebuter ceux qui apprécient la section médiane plus étroitement contrôlée du film, qui consiste en un dîner de plus en plus tendu entre Bruce et Meredith. Mais le film est vraiment d’une seule pièce dans la façon dont il joue avec les attentes, ce qui déséquilibre les téléspectateurs. Stevens et compagnie mettent le public à la fois à la place du prédateur et de la proie. Ils ont construit une petite machine génératrice d’anxiété intelligente.

‘Un faon blessé.’ Non classé. 1h31. Disponible sur Frisson

« Parents de sang »

Il y a un relâchement attrayant dans « Blood Relatives » du scénariste-réalisateur-star Noah Segan, une comédie dramatique vampire sur une créature morte-vivante centenaire découvrant qu’il a une fille adolescente à moitié humaine. Segan joue le monstre doux, Francis, un Juif européen qui s’est faufilé en Amérique après la Seconde Guerre mondiale et vit depuis comme un solitaire nomade. Victoria Moroles joue Jane, qui part à la recherche de son père dans l’espoir de découvrir pourquoi elle ne peut pas sortir au soleil sans se badigeonner de lotion.

Segan ne construit pas beaucoup d’intrigue pour ses deux héros suceurs de sang. Le film ressemble à quelques épisodes d’une sitcom télévisée par câble alors que Francis et Jane vivent des aventures à travers l’Amérique : dans un motel funky, dans une ville agricole morne, dans un hôpital et finalement en Californie, où papa essaie de s’installer pour donner son enfant une chance de terminer l’école.

Mais le manque d’urgence envers les « parents de sang » est, dans l’ensemble, plus un argument de vente qu’un handicap. Segan ne force rien. Il prend chaque situation et imagine ce qui pourrait arriver de manière réaliste – puis ce qui pourrait arriver ensuite. Il construit un monde qui semble réel et l’ancre dans une relation si saine qu’il est facile de comprendre pourquoi un vampire solitaire bouleverserait toute son existence pour la préserver.

« Parents de sang. Non classé. 1 heure 28 minutes. Disponible sur Frisson

‘Chasse’

Le matériel publicitaire du thriller politique sud-coréen « Hunt » montre clairement que bien que le film soit fictif, il est enraciné dans l’histoire réelle, avec une pertinence contemporaine. C’est en fait ce qui donne son impulsion au film du réalisateur-star Lee Jung-jae. Même lorsque cette histoire de complots d’assassinat et de querelles entre les forces de l’ordre commence à se sentir alambiquée – et elle est indéniablement alambiquée – sa véritable signification reste claire.

La star de « Squid Game », Lee, fait ses débuts en tant que réalisateur et incarne Park Pyong-ho, chef de l’unité étrangère de l’Agence centrale de renseignement coréenne. Jung Woo-sung joue Kim Jung-do, le chef de l’unité domestique de la KCIA. Lorsque le gouvernement apprend l’existence d’un complot visant à assassiner le président sud-coréen – et l’implication présumée d’un espion nord-coréen profondément infiltré au sein de la KCIA – les deux unités finissent par enquêter sur la taupe séparément, car aucune ne fait entièrement confiance à l’autre.

« Hunt » se déroule dans les années 1980, à une époque où la Corée du Sud était plus autoritaire. Entre toutes les poursuites et les explosions bien mises en scène, Lee concentre beaucoup d’attention sur la paranoïa de l’époque alors que certains citoyens s’examinent constamment, cherchant à se protéger en sacrifiant leurs voisins. « Hunt » fonctionne bien comme un film d’action slam-bang ; mais au fond, c’est plus un récit édifiant.

‘Chasse.’ En coréen avec sous-titres anglais. Non classé. 2 heures, 5 minutes. Disponible en VOD ; jouant également en salle, Alamo Drafthouse Cinema, centre-ville de Los Angeles; CGV Cinémas Buena Park

‘Se précipiter’

La comédie dramatique « Dash » du scénariste-réalisateur Sean Perry est l’un des nombreux films réalisés au cours des dernières années qui suivent les aventures parfois étranges, parfois drôles, souvent choquantes des chauffeurs de covoiturage. « Dash » a été tourné en une seule prise, couvrant plus de 90 minutes mouvementées dans la vie de Milly (Alexander Molina), un arnaqueur malheureux jonglant avec une femme et plusieurs copines. Cette nuit-là, Milly commence son stratagème le plus stupide « ça va tout arranger » à ce jour, en prenant un sac de poudre blanche à l’un de ses amants et en devenant un trafiquant de drogue amateur.

Perry structure « Dash » comme une série de croquis étendus, dont certains sont plus amusants que d’autres. Les personnages qui réservent des trajets avec Milly appartiennent à de larges « types », tels que les touristes maladroits, un frère macho et deux Gen Z qui roulent des yeux; et leur dialogue semble souvent plus raide et « écrit » qu’intelligent. Mais Molina donne une bonne performance en tant que louche Milly. Lui et Perry essaient d’enfiler une aiguille étroite, transformant un doofus égoïste et myope en un anti-héros tragi-comique. Et bien que leur film ne soit peut-être pas si original – en fait, il contient en fait quelques hommages flagrants à Quentin Tarantino qui frôlent le vol – il est étrangement absorbant de voir toutes les erreurs que Milly a commises s’accumuler dans une énorme catastrophe.

‘Se précipiter.’ Non classé. 1h46. Disponible en VOD

« Dio : les rêveurs ne meurent jamais »

Au moment où Ronnie James Dio a lancé son groupe de heavy metal Dio au début des années 1980, il avait déjà la quarantaine et avait été le leader d’une demi-douzaine de tournées et d’enregistrements, remontant à la fin des années 1950. Avec une voix oscillant entre le crooning, le bluesy et l’opéra, Dio était capable de chanter à peu près n’importe quel type de rock ‘n’ roll. Mais lui-même avait un faible pour les récits épiques de héros et de méchants, inspirés de mythes anciens, de musique classique et de bombes qui remplissent l’arène.

Dio est décédé d’un cancer en 2010, à l’âge de 67 ans, ce qui signifie que le documentaire « Dio: Dreamers Never Die » de Don Argott et Demian Fenton manque son point de vue sur sa longue et parfois tumultueuse carrière – en dehors de sa voix dans certaines vieilles interviews. Mais Argott et Fenton ont la contribution des nombreux camarades de groupe de Dio, ainsi que de sa femme Wendy (une productrice du film) et de fans célèbres comme Jack Black, Rob Halford et Sebastian Bach. Ajoutez quelques clips vintage et des recréations dramatiques à l’allure cool – tournées pour ressembler à de vieux films familiaux fanés – et « Dreamers Never Die » devient un regard honnête, évocateur et parfois viscéralement excitant sur l’un des titres les plus entêtants et les plus créatifs du heavy metal. époques.

« Dio : les rêveurs ne meurent jamais. » Non classé. 2 heures, 7 minutes. Disponible sur Showtime à tout moment

Aussi en VOD

« Mon soi-disant classement au lycée » est un documentaire qui adopte une approche inhabituelle du sujet des préjugés culturels dans les admissions à l’université. Les réalisateurs Ricki Stern et Annie Sundberg suivent la popularité grandissante d’une nouvelle production de théâtre musical appelée « Ranked » avec des chansons et des histoires sur la pression académique sur les adolescents américains ; et alors qu’ils vérifient les répétitions dans les écoles à travers le pays, ils entendent les enfants eux-mêmes parler des obstacles qu’ils doivent franchir ces jours-ci pour entrer dans une université de premier plan. Disponible sur HBO Max

Disponible maintenant sur DVD et Blu-ray

« Voix d’Ukraine » rassemble quatre films de la dernière décennie – « Bad Roads », « Donbass », « Reflection » et « The Earth Is Blue As An Orange » – qui dépeignent la vie en Ukraine à la frontière russe, avant la récente invasion à grande échelle. Les films offrent un document éclairant, astucieux et souvent étonnamment plein d’esprit sur la situation périlleuse entre les deux pays, avant que leur conflit n’attire l’attention du monde entier. Mouvement cinématographique