Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 wordsjeLors du tremblement de terre du Sichuan en 2008, de nombreux enfants sont morts, souvent à cause de la mauvaise construction de leurs écoles. Ils sont commémorés dans Making Sense, la nouvelle exposition d’Ai Weiwei au Design Museum de Londres : les noms de 5 197 d’entre eux sont imprimés en rouge sur des feuilles de papier encadrées, à l’aide de tampons de jade sculptés à la main et fabriqués individuellement pour chacun. Il y a aussi Barre d’armature et boîtierun agencement de sièges en forme de cercueil autour d’une représentation en marbre, fragile et fantomatique, des barres d’armature en acier dont l’installation défectueuse ou insuffisante a contribué à l’effondrement des bâtiments scolaires.La colère comprimée de ces pièces, et leur évocation de vies disparues et invisibles, imprègne l’exposition. Les gens ne sont pour la plupart pas visibles dans l’émission, sauf dans les vidéos et les photographies d’Ai de Pékin il y a 20 ans ou plus – une bagarre dans un marché aux puces ; une visite de 150 heures à partir de 2003 des rues et ruelles étroites qui étaient sur le point d’être balayées par le réaménagement. Au lieu de cela, il y a des centaines de milliers d’artefacts, dont chacun rappelle les mains qui les ont fabriqués, les mains qui les ont utilisés et les corps percés, nourris et autrement servis par les objets de guerre, de travail, d’hygiène et de plaisir exposés.« Une interaction entre les vivants et les morts » : Still Life, 1993-2000 (détail) par Ai Weiwei, une installation d’environ 4 000 têtes de hache en pierre de la Chine de l’âge de pierre.Il est juste de se demander pourquoi Ai, avant tout un artiste, devrait exposer dans un musée de design – de graphisme, de mobilier et d’objets pratiques – mais la question est résolue par l’installation : son sujet est la signification humaine des choses fabriquées et de leur utilisation, ce qui est certainement pertinent pour la conception. Une multitude de vies sont présentes dans la pièce, mais la plupart de ce que vous voyez sont des choses. Et à côté des aperçus d’horreur, il y a aussi l’espièglerie et le plaisir.L’étalage occupe un grand espace unique, les cloisons qui le subdivisent habituellement ayant été supprimées, dont le sol est majoritairement occupé par cinq champs rectangulaires d’étoffes. L’un est constitué de 4 000 outils en pierre de la période néolithique, l’autre de 250 000 becs cassés de théières et d’aiguières jugées imparfaites dans les manufactures de porcelaine de la dynastie Song, il y a environ un millénaire. Viennent ensuite 200 000 boules de porcelaine artisanales de la même époque, utilisées comme munitions dans l’artillerie de l’époque.Water Lilies # 1 (2022), fabriqué à l’aide de 650 000 briques Lego. Photographie : David Levene/The GuardianCes installations manifestent des prouesses prodigieuses de collecte et de stockage par Ai, qui a découvert un grand nombre d’objets antiques bon marché sur les marchés aux puces, et a autrement accumulé des trésors de fragments oubliés. À côté des boules se trouve un rectangle de gros éclats de porcelaine émaillée bleue, les restes de ses propres sculptures qui ont été détruites lorsque l’État chinois a démoli son studio de Pékin en 2018. Le dernier champ est fait de briques Lego, envoyées par des membres du public lorsque la société Lego a brièvement cessé de les vendre à Ai, qui les utilisait pour faire des portraits de prisonniers politiques.Pris ensemble, ces cinq champs matérialisent les questions de valeur et d’usage. Les outils en pierre, vieux de milliers d’années, occupent le même espace que les briques de construction pour enfants produites en série. Ce qui était autrefois des déchets, les becs verseurs, est devenu vénérable au fil du temps, mais pas tant qu’on leur accorde les niveaux habituels de respect muséologique. Leur disposition non surveillée sur le sol rend probable que certains soient déplacés par des pieds errants, les visiteurs étant un autre type de présence humaine que les objets apportent dans l’espace.Pendant (Toilet Paper), 2021 devant le Design Museum. Photographie: Ed ReeveD’autres couches de compréhension sont offertes par les autres expositions de la salle. Les vitrines contiennent des œuvres d’art d’Ai, comme des rouleaux de papier toilette magnifiquement représentés en marbre et en verre, destinés à commenter la valeur fluctuante de ce produit ordinaire – soudain précieux pendant Covid, quand il était rare, et un luxe dans l’enfance d’Ai, quand il était aussi difficile à obtenir. Il y a un jouet sexuel rendu en jade, inconfortablement rigide, et un casque en verre, inutilement fragile. Il existe des répliques en porcelaine de fragments de crâne et d’os d’un camp de travail des années 1950 du genre où le père poète d’Ai a été envoyé.L’utile mais l’humble côtoie l’inutile mais le précieux, et l’on passe de l’un à l’autre. Il y a des transmutations de matériaux et de formes – les choses sont transformées en quelque chose qu’elles ne sont pas. Les connexions sont suggérées et les choses mortes animées. Ai transforme quelques-uns des becs en sculptures, par exemple, qui vous aident à remarquer leur ressemblance, de couleur chair et curieusement incurvée, avec des parties du corps et des os, ce qui les associe aux reliques du camp de travail.Casque de verre, 2022. © Courtesy Ai Weiwei StudioDans son ensemble, le spectacle parle de fabrication, à la main et à la machine. Il s’agit de création et de destruction, de l’humanité et de la persistance des choses. C’est en partie élégiaque, rendant hommage aux savoir-faire et aux mémoires que les projets de construction industrialisés à grande échelle (représentés par des photographies sur les murs) menacent de détruire, mais c’est aussi affirmatif. Il associe la fabrication dans le présent à la fabrication dans le passé, à travers des durées vertigineuses de plusieurs millénaires, une interaction entre les vivants et les morts médiatisée par un nombre vertigineux d’artefacts. L’apparente désinvolture avec laquelle les objets anciens sont présentés contribue à cette fin : elle maintient l’ancien en jeu.Enfin, un cri à deux des expositions les plus mémorables. L’atrium du Design Museum, un vide quelque peu rébarbatif, est habité comme jamais auparavant par la charpente en bois d’une maison de la dynastie Qing sauvée par Ai de la destruction complète. Il l’a fait peindre avec une gamme de confiseries aux couleurs industrielles modernes qui, si elles ne sont pas entièrement respectueuses du patrimoine, lui donnent vie. Et il y a un rendu mural en briques Lego d’une des peintures de nénuphars de Monet, une méditation sur les thèmes de l’exposition de l’artifice et de l’artisanat. Un rectangle sombre interrompt l’idylle potentielle, représentant le portail de la maison souterraine du désert où Ai et son père ont été forcés de vivre dans les années 1960. Cela vous ramène à un esprit de résilience dans des circonstances extrêmes, ce qui donne toute son autorité à ce spectacle. Making Sense est au Design Museum de Londres jusqu’au 30 juillet
Source link -57