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Eepuis que Beyoncé – pour citer la dame elle-même – « a changé la donne avec ce drop numérique » via son cinquième album éponyme, sorti sans prévenir en 2013, elle est devenue le point fixe autour duquel oscille la culture populaire. Des réflexions gourmandes en bande passante, un décodage détaillé de chaque parole et une Amérique de droite de plus en plus contrariée ont gardé son nom sur toutes les lèvres. Elle n’était pas exactement une préoccupation culte auparavant, mais la dernière décennie l’a vue dépasser le simple statut de superstar, aidée par l’opus de 2016 sur l’infidélité sur Internet qui facilite les détectives. Limonade et la soirée dansante libérée post-confinement de 2022, Renaissance.
Ce dernier album était présenté de manière taquine comme l’acte I, et arrive maintenant la deuxième partie d’une trilogie évoquée. Alors que Renaissanceavec sa célébration de l’influence souvent ignorée des pionniers de la danse queer noire, a facilité de nombreux débats, vous pourriez concocter un gros livre sur le discours qui tourbillonne déjà Cowboy Carter. Inspiré par une réaction peu bienvenue à la performance de la Texane de son single country Daddy Lessons aux Country Music Awards 2016 – où elle a été rejetée comme une « artiste pop », apparemment code pour « Black woman » – c’est un album qui prend la musique country par son col de chemise à carreaux, met en lumière son statut (essentiellement) masculin, pâle et fade et y met le feu.
L’ouverture passionnante Ameriican Requiem – un opéra country-rock à combustion lente – fait directement référence à la controverse de la CMA (« J’avais l’habitude de dire que je parlais trop country / Et le rejet est venu, j’ai dit que je n’étais pas assez country »), avant de faire des déclarations plus larges. sur qui peut se qualifier de « vrai Américain » (« Une jolie maison dans laquelle nous ne nous sommes jamais installés »). Il est suivi d’une reprise du folk-y Blackbird des Beatles (ici rebaptisé Blackbiird, un motif constant utilisé tout au long de l’album pour indiquer qu’il s’agit de l’acte II), une chanson inspirée par les expériences de neuf adolescentes noires assistant à un concert. -école blanche après la ségrégation en 1957, avec les voix des prochains chanteurs country noirs Brittney Spencer, Reyna Roberts, Tanner Adell et Tiera Kennedy. C’est une salve d’ouverture mûre pour que les spécialistes de la musique puissent la découvrir.
Mais Cowboy Carter n’est jamais qu’une seule chose. Ses détails érudits ne l’alourdissent pas non plus. Tout comme il utilise la musique country comme toile de fond pour explorer d’autres genres, il utilise également la colère et l’injustice comme nuances d’un tableau plus vaste. Il y a du plaisir à avoir via le single Texas Hold ‘Em, ludique et frappant sur les cuisses, qui a plus de sens précédé d’une introduction d’un Willie Nelson défoncé. Le déséquilibré Ya Ya est un sprint en roue libre à travers les disparités sociales et économiques qui canalise l’esprit électrisant de Tina Turner et échantillonne Nancy Sinatra et les Beach Boys.
Alors que la version de Beyoncé de Jolene par Dolly Parton (ou Dolly P comme elle est refondue ici) perd une partie du désespoir de l’original en se transformant en un avertissement aux yeux brillants, c’est toujours amusant de l’entendre cracher des lignes comme « Jolene, je sais que je suis une reine, Jolene / Je suis toujours une salope de banjee créole de Louisiane. Daughter est un fantasme délicieusement vengeur de camp qui fait soudainement irruption – et c’est l’une des nombreuses flexions vocales de Beyoncé sur l’album – un extrait de l’air du XVIIIe siècle Caro Mio Ben, chanté en italien.
En échangeant la programmation serrée du synthétiseur et de la batterie de Renaissance pour l’instrumentation live (y compris les percussions faites à partir du clic-clac des ongles de Beyoncé), Cowboy Carter a une sensation plus ample et plus ample que son prédécesseur. L’excellent et adoré Bodyguard se déroule comme un classique perdu de Fleetwood Mac, toutes des mélodies soft-rock ondulantes des années 70, tandis que la douce Protector, dédiée à sa fille Rumi Carter, sonne comme si elle avait été éteinte autour d’un feu de camp. II Most Wanted, quant à lui, trouve Beyoncé et la star de la pop-country Miley Cyrus échangeant des odes à leur balade ou mourant comme si elles partageaient le même micro.
Si tout cela semble décidément mi-rythmé, Cowboy Carter il ne s’agit pas uniquement de mélanges rustiques. Spaghettii, qui met en vedette Linda Martell, la première star country noire à se produire sur la scène du Grand Ole Opry, est un casse-tête infusé de pièges ; II Hands II Heaven chevauche une douce impulsion électronique et échantillonne Underworld ; tandis que le Tyrant, pointant du doigt, fusionne les filigranes du violon avec la basse qui fait claquer les côtes, parfait pour une biche trempée de sueur au Club Renaissance.
Cowboy CarterLa portée et l’ampleur de peuvent être écrasantes, tout comme sa durée d’exécution de 27 pistes – les intermèdes plus courts en tant que chansons provoquent une baisse d’excitation à mi-chemin – mais il y a quelque chose dans sa construction qui vous supplie de le consommer dans son ensemble ; un voyage non seulement à travers et au-delà de la musique traditionnelle américaine, mais à travers diverses ambiances, nuances et émotions qui se fondent comme une célébration. On se croirait dans une fête à l’heure où la pop offre des restes. Comme elle l’a mentionné elle-même en annonçant l’album dans un mélange de colère, d’intrigue et de confusion : « Ce n’est pas un album country. C’est un album de « Beyoncé ». C’est aussi son quatrième classique consécutif.