Customize this title in french critique de Theodora – une interprétation fulgurante de l’oratorio préféré de Haendel | Musique classique

HAndel’s Theodora est l’un des rappels de la musique classique que les goûts du public changent – parfois radicalement. L’oratorio a été considéré comme un échec lors de sa première à Covent Garden en 1750 et a été retiré après seulement trois représentations. Même l’austérité théâtrale du Carême n’avait pas réussi à convaincre les amateurs d’opéra qu’une œuvre sur le martyre chrétien était une bonne soirée. Ces jours-ci, cependant, il existe une multitude d’enregistrements et l’oratorio Haendel apparemment considéré comme son meilleur (déplacez-vous, Messiah !) a bénéficié de mises en scène très médiatisées par Peter Sellars à Glyndebourne, Christof Loy à Salzbourg et, plus récemment, Katie Mitchell au Royal Opéra.

Cette sortie au Barbican de la centrale de performance d’époque Arcangelo et de leur directeur artistique Jonathan Cohen était résolument sans mise en scène – bien qu’avec des sièges « sur » et « hors scène » pour les solistes. En fait, il est remarquable que la performance communique de manière si saisissante lorsque les dernières secondes fracassantes de divers numéros impliquaient un autre chanteur rampant au milieu de la scène pour la scène suivante, et lorsqu’il y avait toujours trop de chaises mais jamais assez de pupitres. Qu’on le veuille ou non, même les concerts ont un élément visuel.

Pourtant, c’était brûlant, malgré ces distractions. Dès les mesures d’ouverture de l’ouverture, le son d’Arcangelo était alternativement musclé et souple, le son dur des cordes mi ouvertes des violons ajoutant périodiquement un délicieux mordant. Ailleurs, l’ensemble a fourni un sol gelé pour certains des airs les plus poignants de Haendel. De son siège au clavecin – une paire de mains supplémentaire dans la section continue tremblante d’Arcangelo – Cohen était sans cesse énergique, conservant un sentiment général d’élan à travers même les plus douces répétitions de da capo et dessinant un mélange sonore de luxe (et une classe de maître en diction) du petit chœur.

Les solistes étaient en grande partie à l’extrémité de l’eau minérale chère du spectre vocal : pure, subtile et extrêmement de bon goût. Irene d’Anna Stéphany était douce et légère, tandis que Stuart Jackson (Septimius) rendait les lignes de Haendel aussi inévitables que la respiration, son phrasé exquis. Le baryton-basse plus lourd et épais d’Adam Plachetka offrait un contraste efficace tandis que le Didymus cuivré de Valens et Tim Mead était dramatiquement convaincant. La Théodora de Louise Alder était tour à tour posée, puissante, toute intérieure. Parfois, elle semblait à peine chanter – et le public respirait à peine.