Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 wordsjeJe suis en avance, mais la réceptionniste de la galerie me dit que Stanley va arriver tout de suite. Juste en bas d’où, je me demande. L’artiste, Stanley Whitney, a une exposition de nouvelles œuvres qui s’ouvre cette semaine à Gagosian à Londres et passera les deux prochains mois à Paris avec sa femme Marina Adams, qui est également artiste. Alors, me voici à l’élégant avant-poste de la galerie sur les Champs-Élysées. Whitney apparaît et dit: «Nous restons dans l’appartement de Larry à l’étage», souriant en entendant les mots à haute voix, puis riant à quel point ils sonnent inconcevables. C’est Larry comme dans Larry Gagosian, titan du monde de l’art, propriétaire de la chaîne internationale de galeries.Whitney, 77 ans, est le plus grand artiste abstrait noir d’Amérique, et ses toiles patchwork composées de blocs bancals de couleurs vives sont désormais très demandées. Certaines œuvres sur papier sont exposées au Baltimore Museum of Art depuis novembre dernier, et il travaille à une grande rétrospective au Buffalo AKG Art Museum, prévue l’année prochaine. Qu’est-ce que ça fait de revenir sur sa carrière ? « Affreux! » répond-il en laissant échapper un autre rire, plus fort cette fois. « Je suis excité, mais j’essaie d’aller de l’avant plutôt que de regarder à travers d’anciens travaux et de me demander pourquoi je n’ai pas continué à le faire. Je veux dire, je l’aurais probablement fait si quelqu’un avait été intéressé. La reconnaissance a été longue à venir.’Une fois que j’ai une couleur en bas, ça me dira quelle sera la couleur suivante’ … Walking and Wondering 2 de Stanley Whitney. Photo : Rob McKeever/© Stanley Whitney Courtesy GagosianWhitney a grandi dans une petite communauté afro-américaine à l’extérieur de Philadelphie. Aujourd’hui, lui et Adams vivent et travaillent entre Long Island et Parme en Italie ; ils avaient autrefois un logement à New York, et la vie citadine manque à Stanley, d’où le séjour printanier à Paris. L’art n’a pas fait partie de son enfance – « Je dessinais, mais je n’allais jamais au musée, et mes parents n’étaient pas intéressés » – mais la musique était tout, surtout le jazz. « Au lycée, nous allions à New York pour le week-end et traînions au Village Gate et au Five Spot en écoutant Thelonious Monk et Charles Mingus », dit-il. « Ils sont devenus mes mentors. J’essayais de comprendre qui j’étais, et leur musique me ressemblait. »Je ne correspondais à aucun d’eux » … Stanley Whitney, lors de son spectacle à Gagosian, Grosvenor Hill, Londres. Photographie : David Levene/The GuardianWhitney est amicale et ouverte avec une voix légèrement rauque et rythmée envoûtante. Il porte une veste en cobalt et des lunettes rectangulaires à monture épaisse qui me rappellent ses peintures exubérantes à carreaux. À l’école d’art du Midwest, il a commencé à faire des œuvres figuratives, mais s’est vite rendu compte qu’il n’était pas un conteur. « Je voulais tout peindre, et avec l’abstraction, vous ne peignez rien en particulier, donc cela semblait possible », dit-il.Il passe l’été 1968 au Skidmore College, où il se lie d’amitié avec son professeur Philip Guston. « Je me dirigeais vers l’abstraction, et il se dirigeait vers la figuration », dit Whitney, les bagues en or scintillant alors qu’il fait des gestes avec ses mains. Il attribue à Guston le mérite de lui avoir appris à assembler une peinture et de l’avoir finalement amené à New York – même si Whitney a abandonné le programme pour lequel il l’avait recommandé.Il n’y avait qu’une dizaine de peintres noirs au centre-ville, me dit-il, et ils ne constituaient pas un groupe. « J’ai connu Robert Rauschenberg et la scène pop art. je savais [art critic] Les gens de Clement Greenberg, et ils étaient plus dans le jazz et la couleur, mais je ne pensais pas qu’ils dessinaient très bien », rit Whitney. « Ensuite, il y avait Donald Judd et les autres qui étaient en quelque sorte anti-peinture. Je ne correspondais à aucun d’eux.Whitney a pris un loft à Tribeca et un studio à NoHo, et se promenait entre eux en regardant toutes les galeries. « Je me disais: ‘Eh bien, Stanley, tu vois ce qu’ils aiment, tu peux faire ça, ou tu peux continuer à faire ça. » Et j’ai pensé, je vais continuer à faire ça. C’était juste quelque chose que je devais peindre pour me frayer un chemin.Jardin de Marina. Photo : Rob McKeever/© Stanley Whitney Courtesy GagosianAu cours des années 1970, il a complété un MFA à Yale et a expérimenté différentes techniques et matériaux. « À cette époque, la vie était bon marché et nous pensions que nous avions cinq ou six bonnes années sans école pour commencer », dit-il. Bien sûr, New York était rude : « Vous avez marché au milieu des rues à cause des rats. » Pourtant, lorsqu’il mentionne le coût d’une éducation artistique aujourd’hui, il dit : « Je suis un peu triste que les jeunes artistes n’aient pas beaucoup de temps pour rêver maintenant.À la fin des années 1980, Whitney réalisait des peintures qu’il décrit comme « intéressantes », mais : « Peu importe ce que je faisais, je n’avais pas de répit. » Le véritable tournant s’est produit dans les années 90 lorsque lui et Adams ont passé plusieurs années à Rome. Il avait toujours considéré l’espace et la couleur comme deux choses distinctes, mais quelque chose à propos de l’architecture et de la lumière en Italie lui a ouvert l’esprit sur la possibilité que les deux puissent devenir un. « J’avais supposé que si je mettais les couleurs les unes à côté des autres, je fermerais l’espace », dit-il. Mais en regardant les anciennes façades romaines, les sarcophages, les peintures murales, il s’est rendu compte que l’espace était dans la couleur, qu’il n’avait pas besoin d’espaces entre les deux. « Quand j’ai compris cela, j’ai senti que j’avais la dernière pièce du puzzle. L’espace est dans la couleur – boum, je l’ai.Depuis, Whitney a conservé le même format de grille asymétrique. Il commence chaque peinture dans le coin supérieur gauche et progresse de long en large – comme un maçon, plaisante-t-il, mais à l’envers. Alors qu’il planifie la structure, avec trois ou quatre rangées de dalles richement colorées en forme de frise bordées de bandes horizontales lâches, la palette est intuitive : « Une fois que j’ai une couleur en bas, elle me dira quelle sera la prochaine couleur. ” Il compare cela à la cuisine, lorsque vous mélangez quelque chose dans un bol, et vous pouvez sentir que c’est la bonne consistance. Comme les meilleurs cuisiniers, il n’a pas peur d’improviser, appliquant ses piles de mandarine, bleu azur, rose poudré, citron vert avec différents traits et filets, en fines et opaques. Chaque toile a son propre rythme vital – aidé, sans aucun doute, par Bitches Brew de Miles Davis, jouant toujours en arrière-plan.ignorer la promotion de la newsletterVotre tour d’horizon hebdomadaire du monde de l’art, esquissant toutes les plus grandes histoires, scandales et expositionsAvis de confidentialité: Les newsletters peuvent contenir des informations sur les organisations caritatives, les publicités en ligne et le contenu financé par des tiers. Pour plus d’informations, consultez notre Politique de confidentialité. Nous utilisons Google reCaptcha pour protéger notre site Web et Google Politique de confidentialité et Conditions d’utilisation appliquer.après la promotion de la newsletterIl y aura de la chanson. Photo : Rob McKeever/© Stanley Whitney Courtesy GagosianJe suis curieux de savoir s’il se sent parfois limité par la grille, ou si – comme Piet Mondrian ou Mark Rothko, tous deux de grandes influences – il trouve la liberté de travailler dans des limites qu’il s’impose. Il le décrit comme restrictif dans un sens, mais me rappelle que les couleurs sont à l’opposé, ouvertes et libres. « C’est un grand drame, c’est ce que vous attendez de l’art », dit-il. En regardant ses toiles, je peux sentir leur énergie, comme si les blocs de couleur broussailleux palpitaient et se bousculaient, essayant de se libérer. Souvent, les couleurs sont choquantes. Parfois, ils correspondent aux bandes horizontales, dissolvant entièrement le réseau.Les barreaux et les frontières qui ressemblent à des prisons prennent vie dans des œuvres récentes plus ouvertement politiques comme Always Running From the Police – NYC 2020. « Mes titres sont là pour montrer aux gens qui je suis, d’où je viens, ce qui m’importe », Whitney dit. «Cela a beaucoup à voir avec le fait d’être afro-américain. Quand j’étais enfant, je était…
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