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Quand je lis ou entends le mot « redingote », mon cœur se serre et mes poils se soulèvent : quand la mode sera-t-elle prise au sérieux ? En tant que forme de communication non verbale la plus puissante, les vêtements nous en disent beaucoup sur les gens – de leur profession à leur religion, en passant par leur héritage autochtone. La discipline académique désormais florissante des études de mode est issue des écoles d’anthropologie, d’ethnographie, de sociologie, de philosophie, de conservation et d’histoire de l’art. Le premier cours de troisième cycle en histoire de la robe a été créé en 1965 au Courtauld Institute – un bastion de l’establishment artistique – pour permettre aux conservateurs et aux historiens de l’art de dater les peintures et de décrire avec précision les vêtements qui y sont représentés. Malheureusement, beaucoup d’entre eux continuent de se tromper.
La critique de Jonathan Jones sur l’exposition Sargent à la Tate Britain (Sargent and Fashion review – tragi-comic travesty is a frock horror, 20 février) était typique de l’attitude snob et dédaigneuse souvent adoptée à l’égard de tout ce qui touche à la mode, y compris l’industrie de la mode qui pèse plusieurs milliards de dollars. qui, pour le meilleur ou pour le pire, se classe parmi les plus importantes de l’économie mondiale, un fait rarement reconnu. Si on l’appelait « fabrication de vêtements » au lieu de « mode », un mot compliqué chargé de connotations négatives, ce serait peut-être le cas.
Des musées comme le V&A et la Tate connaissent bien le pouvoir d’attraction des expositions de mode et on ne peut guère leur reprocher, dans leurs circonstances actuelles difficiles, de vouloir en tirer profit : jeudi dernier, l’exposition de la Tate était pleine à craquer, démontrant le niveau d’intérêt public. Cependant, l’exposition est bien plus qu’un simple exercice de vente de billets. Sargent était un grand peintre qui avait une affinité avec les vêtements et les tissus, comme Dürer, Holbein, Van Dyck, Rembrandt, Velázquez, Gainsborough et Lawrence avant lui, et les traces de leur influence résonnent dans son œuvre.
Quelle que soit la détresse causée à Jones par l’éclairage, les couleurs des murs et les vitrines mal placées, il est en effet très rare de voir des vêtements exposés à côté des tableaux dans lesquels ils sont représentés, et une joie particulière de voir ces mêmes vêtements interprétés. sur la toile avec l’habileté consommée et le jugement esthétique de Sargent. Certaines des robes exposées sont signées Charles Worth, le couturier le plus prestigieux de Paris (et non « designer » – le mot n’avait pas encore été inventé à l’époque). Comparé à ceux-ci, le costume de scène de Lady Macbeth orné d’ailes de scarabée d’Ellen Terry (« costume » est le terme désignant les vêtements portés pour la performance, et non pour les vêtements portés dans la vie quotidienne) avait l’air terne et sans vie, mais scintillait dans les couleurs radieuses et éclatantes du film de Sargent. portrait, témoignage de sa qualité d’artiste.
Oui, certains des objets exposés pour accompagner un tableau semblaient arbitrairement héliportés, comme le haut-de-forme que Jones mentionne dans sa critique, mais il ne s’agit pas d’une exposition sur la « chapellerie historique » comme il le dit, mais d’une exposition qui propose une nouvelle approche. à un artiste brillant et prolifique, tout comme l’exposition Sargent: Portraits of Artists and Friends de la National Portrait Gallery en 2015. Cet ensemble généreux et somptueux de l’œuvre de Sargent nous en dit long sur les classes sociales, la société et la mode à la fin du XIXe siècle, une époque de grands privilèges pour certains, avant la rupture imminente de la guerre. Comme l’écrivait l’historien et philosophe Thomas Carlyle dans son livre Sartor Resartus (1831), l’un des premiers à aborder l’importance de la tenue vestimentaire avec un certain sérieux : « Les vêtements, aussi méprisables que nous les pensons, sont d’une importance indescriptible. »
Cally Blackman
Londres