Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 wordsjeEn 2018, le cinéaste Paul Schrader a fait des remarques controversées sur l’évolution du secteur depuis son apogée dans les années 1970, lorsqu’il a écrit Taxi Driver et Raging Bull. « Il y a des gens qui parlent du cinéma américain des années 70 comme d’une période de calme », a déclaré Schrader lors d’un événement Bafta Screenwriters à Londres. « Il y a probablement plus de cinéastes talentueux aujourd’hui que dans les années 70. Ce qu’il y avait dans les années 70, c’était de meilleures audiences. Le réalisateur a ajouté : « Nous avons désormais un public qui ne prend pas les films au sérieux, il est donc difficile de faire un film sérieux pour eux. »Cinq ans plus tard, les paroles de Schrader semblent être le sinistre présage d’une époque où les films d’art et les drames axés sur les personnages peinent à trouver leur public dans les cinémas. Bien qu’une grande partie de la faute en incombe aux grands studios et sociétés de divertissement, qui ont pratiquement éliminé le risque et l’originalité des sorties en salles, la pandémie a également rendu les téléspectateurs accros au streaming plutôt qu’au cinéma.J’ai pensé aux propos du réalisateur Premier Réformé récemment, à la sortie d’un rapport de la Cour des Comptes appelant à une « réforme en profondeur des aides » au cinéma français. Les statistiques du rapport dressent un tableau sombre de l’état du cinéma d’art et d’essai européen – et du cinéma français en particulier. Selon la commission, un tiers des films français sortis en 2019 ont attiré moins de 20 000 spectateurs en salles. Plus triste encore, le rapport constate que seulement 2 % des films français sont rentables lors de leur sortie en salles.Ses conclusions pourraient mettre en péril le système d’« exception culturelle » française – l’idée selon laquelle le cinéma et les autres arts doivent être protégés des forces du capitalisme de marché – qui fournit depuis longtemps des subventions publiques à l’industrie cinématographique française – s’élevant à près de 700 millions d’euros par an (un somme modeste dans le grand schéma des choses). Le tribunal met en garde contre « un nombre toujours croissant de productions financées », soulevant le spectre de la rentabilité qui deviendra un facteur dans la détermination des projets à financer.Nouveaux modes de subjectivité… Emmanuelle Riva joue dans Hiroshima Mon Amour (1959), réalisé par Alain Resnais. Photographie : Everett Collection Inc/AlayQue le cinéma français soit sacrifié sur l’autel des forces du marché serait une perte incalculable. L’immense influence du cinéma d’art français au cours du dernier siècle de l’histoire du cinéma ne peut être réduite aux chiffres du box-office. En regardant l’ère du muet, l’épopée historique moderne n’existerait pas sans l’étonnant Napoléon (1927) de cinq heures d’Abel Gance, tandis que les cinéastes surréalistes (et le groupe de rock les Pixies) doivent beaucoup à l’effrayant Un Chien de Luis Buñuel. Andalou (1929).L’émergence de la Nouvelle Vague française à la fin des années 1950 et au début des années 1960 n’a pas seulement donné lieu à des chefs-d’œuvre comme Hiroshima Mon Amour (1959) et Jules et Jim (1962). Il a transformé le vocabulaire visuel du cinéma, laissant place aux sauts de montage, aux arrêts sur image et aux nouveaux modes de subjectivité, des techniques qui ont influencé tout le monde, de Martin Scorsese à Noah Baumbach, et qui ont été largement intégrées dans les films grand public de tous genres. Les réalisateurs de la Nouvelle Vague ont également perfectionné l’art de travailler avec de petits budgets, créant une alternative au système des studios et jetant les bases des mouvements cinématographiques indépendants à venir.Oui, mais c’était il y a 60 ans, rétorqueront les critiques. L’importance du cinéma français est démontrée par des films remarquables et audacieux de la dernière décennie qui abordent des sujets tabous rarement explorés dans les productions hollywoodiennes. Il s’agit notamment du désir lesbien (Blue Is the Warmest Colour de 2013), de la résilience du militantisme contre le sida (120 battements par minute de 2017), de la mécanophilie (Titane de 2021) et de la sexualité homoérotique explicite (Passages, le nouveau film français à la mode réalisé par le cinéaste américain. Ira Sachs).Si le soutien culturel de la France venait à s’éroder, l’état actuel du cinéma aux États-Unis devrait servir d’avertissement. Essayez de visiter un multiplexe en dehors des principaux marchés comme New York ou Los Angeles, et les films en franchise moulés par les entreprises sont souvent votre seule option. C’est un problème non pas parce que ces films sont unanimement mauvais (même s’ils le sont souvent), mais parce que, comme l’a soutenu Martin Scorsese en 2019, ce sont des « produits parfaits fabriqués pour une consommation immédiate », dépourvus de « la vision unificatrice d’un artiste individuel ». Ce qui a disparu, c’est l’excitation, le risque de voir quelque chose de nouveau. Le cinéma devient un parc à thème plutôt qu’un lieu de découverte.Au cours des quatre dernières années, la situation s’est aggravée. En 2022, le New York Times a rapporté que les films intellectuels et axés sur les personnages – du étrange et ambigu Tár de Todd Field au très personnel Les Fabelmans de Steven Spielberg – avaient du mal à récupérer leur budget au box-office. Il semble que trop de cinéphiles se soient habitués à regarder du streaming depuis leur canapé pendant le confinement et ne s’aventurent désormais au cinéma que pour un film « événement » – par exemple un film Marvel, une suite d’Avatar ou un phénomène culturel de niveau Barbenheimer. Les films d’art et d’essai et les drames à petit budget sont négligés.Il serait réconfortant de penser que le streaming peut récupérer ce qui est perdu. Mais les grands films, qu’ils soient réalisés par Claire Denis ou par un inconnu, méritent d’être vus sur grand écran.En outre, la plupart des services de streaming sont tout simplement trop redevables au tout-puissant algorithme. Au printemps dernier, par exemple, le cinéaste britannique Dexter Fletcher a déclaré qu’il souhaitait que son film Apple TV+ Ghosted comporte une longue séquence d’ouverture du personnage principal traversant une montagne. Mais les dirigeants d’Apple TV+ ont rejeté l’idée car « les données montrent que les gens vont simplement se tourner vers Apple TV+ ». [it] désactivé ».Dans un monde où la culture a été ravagée par le capitalisme et le « contenu » diffusé à la chaîne, cela reste la promesse de l’image européenne de l’art et essai : des films régis par la curiosité et le talent artistique plutôt que par les données. C’est le moins que le public mérite.
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