Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 words
AVERTISSEMENT DE CONTENU : Cette chronique peut inclure des opinions avec lesquelles vous êtes fortement en désaccord, ainsi que des acteurs de renom qui se lancent dans la brèche et, très probablement, une rage ou une réfutation effrénée en dessous de la ligne.
Nous voilà donc de retour ici : le débat sur les avertissements déclencheurs est devenu si persistant et volatile que la discussion pourrait nécessiter son propre avertissement déclencheur ces jours-ci (comme indiqué ci-dessus). Le fait d’alerter un public sur des contenus sensibles, potentiellement déclencheurs, tels que le sexe, la violence et le suicide (et cela ne concerne que Roméo et Juliette) est-il une aide utile à l’accès ou nous infantilise-t-il et neutralise-t-il le pouvoir du théâtre ?
Ian McKellen a rendu son verdict contre de tels avertissements (« ridicules »). Ralph Fiennes a lui aussi parlé de la prérogative du théâtre de choquer et de déranger sans eux. Maintenant, Matt Smith reconnaît que, bien sûr, l’éclairage stroboscopique et d’autres effets devraient être mentionnés à l’avance pour les personnes souffrant de problèmes de santé, mais tout ce qui va au-delà sape la surprise et le danger inhérents aux drames en direct.
En théorie, les avertissements déclencheurs sont discrets et peuvent facilement être ignorés. Ils constituent désormais un protocole commun à de nombreux théâtres, placés dans les programmes, sur les sites Web et sur les portes des auditoriums. Ils sont à peine criés par les systèmes de sonorisation – alors pourquoi tant d’indignation et d’offense dans certains milieux ?
Parce qu’il est clair que le sujet a été récupéré dans les guerres culturelles et est devenu le symbole d’une plus grande division. Ceux qui les approuvent sont qualifiés de « réveillés » et de « flocons de neige ». Ceux qui voulaient leur suppression sont des dinosaures de l’establishment. « Nous n’en avions pas à mon époque », répétait Fiennes, se désignant ainsi dans cette dernière catégorie. Lui et Smith ont été damnés par le camp opposé pour avoir utilisé leur renommée pour dénoncer à nouveau ce non-sujet plutôt que des problèmes plus urgents dans le domaine des arts, tels que les réductions de financement, les difficultés post-pandémiques et les prix exorbitants des billets.
Mais si l’on dépasse la politique du débat entre Punch et Judy, l’argument de Smith selon lequel les avertissements déclencheurs sapent le but du théâtre – nous surprendre, nous alarmer et peut-être même nous « déclencher » – a de sérieuses connotations : « Je crains parfois que nous soyons nous nous dirigeons vers une sorte de version aseptisée de tout et nous éliminons le danger, l’invention et l’ingéniosité de tout », dit-il.
Le théâtre doit absolument nous sortir de notre complaisance. En fait, il a pour moi le devoir de provoquer, d’arrêter, de piquer et de repousser les limites. La meilleure pièce, pour moi, est celle qui s’enfonce dans votre cerveau, qui ébouriffe les plumes, refusant d’être rejetée après le rappel. Ce genre de drame difficile semble plus important que jamais.
Les meilleurs dramaturges ont utilisé le théâtre pour explorer le côté obscur de la condition humaine, d’Harold Pinter à Samuel Beckett. Leur travail n’est pas confortable à regarder. Des écrivains tels que Sarah Kane, dont les sujets vont de la mutilation au cannibalisme, ou Martin McDonagh, dont les pièces sont remplies d’une violence époustouflante, pourraient affirmer qu’ils écrivent les drames macabres qu’ils font pour nous réveiller. Devrait leur le travail contient-il un avertissement de contenu ? Et si c’est le cas, cela deviendra-t-il plus anodin ou plus sûr ?
Bien sûr que non. Suggérer que cela pourrait être le cas revient à confondre les avertissements de contenu avec le contenu lui-même. Rien n’a changé dans la pièce s’il y a un avertissement dans le programme ou dans le foyer. Il y aura encore un bain de sang à la fin d’Hamlet ; le viol et le suicide restent dans Blasted. Gloucester aura les yeux arrachés dans Le Roi Lear. L’avertissement de déclenchement permet simplement à certaines personnes d’y aller les yeux ouverts, pour ainsi dire.
La vraie question est donc de savoir si les avertissements déclencheurs pourraient aider certains d’entre nous à se préparer à ce choc et à cette provocation. Nous avons certainement tous le droit de nous engager dans le théâtre selon des conditions avec lesquelles nous nous sentons à l’aise. Si un avertissement profite à certains d’entre nous, il ne fait aucun mal aux autres. Nous vivons à une époque où il n’y a plus de tabous néfastes autour de questions telles que la santé mentale, ni de sensibilités plus vives à la différence en général, et les avertissements déclencheurs en sont le reflet. Rien de tout cela ne constitue une menace pour le « contenu » sur scène, ni une tentative de l’assainir.
Tout ce qu’ils font, c’est nous aider à décider si nous sommes prêts à voir une pièce sur la dépression si nous en souffrons, ou sur la misogynie lorsque nous avons passé le mois dernier à l’éprouver au travail, ou qu’un spectacle utilise de la brume et des lumières clignotantes lorsque nous sommes épileptiques. Est-ce vraiment pour cela que nous choisissons de mener notre guerre culturelle ?
Ce que les avertissements ne peuvent pas faire, à mon avis, c’est nous protéger du choc, de la détresse ou de toute autre émotion extrême et inattendue à l’intérieur de l’auditorium. Je ne pense pas non plus qu’on veuille nécessairement éviter de telles émotions au théâtre, même si l’on salue l’avertissement préalable. Le drame est construit sur le conflit et il nous offre une soupape de sécurité pour toutes les émotions difficiles de la vie, dans les limites sûres d’une pièce sombre, de notre suspension d’incrédulité et d’acteurs jouant une fiction devant nous.
Les drames qui m’ont le plus bouleversé ces derniers temps ne sont pas liés à mon expérience ou contiennent des thèmes qui, je « pense », vont me déclencher. L’un de ces spectacles bouleversants, Rewind, présenté ce mois-ci au théâtre New Diorama à Londres, portait sur les violations des droits humains commises par les régimes autoritaires en Amérique du Sud et utilisait la musique et les marionnettes pour raconter l’histoire d’une mère en deuil et de sa fille disparue, dont les restes ont été retrouvés dans une fosse commune.
J’étais en morceaux après l’avoir regardé. Même si j’avais tenu compte des avertissements déclencheurs, je n’aurais pas pu prédire la force de ma réaction émotionnelle. J’ai été entraîné dans le monde de la pièce, l’empathie brouillant la frontière entre mon expérience et celle des personnages sur scène, ce qui la rendait passionnante, dangereusement et émouvante. C’est ce que fait tout bon théâtre, avec ou sans avertissement.