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Sdix-huit ans après sa première apparition sur la scène de Belvoir, l’histoire d’amour dévastatrice de Tommy Murphy, Holding the Man, revient ce mois-ci, marquant le 30e anniversaire de la mort de l’auteur original Timothy Conigrave des suites d’une maladie liée au sida, à l’âge de 34 ans.
Les mémoires de Conigrave, publiés en 1995, occupent une place particulière dans la psyché gay australienne, l’un des premiers portraits – et toujours l’un des plus puissants émotionnellement – de la vie et de la mort à travers la crise du sida dans ce pays. La pièce de Murphy a également eu un impact énorme : dans les 12 mois qui ont suivi sa première au théâtre Griffin de Sydney en 2006, elle a été transférée à l’Opéra de Sydney, puis à Belvoir, pour finalement devenir un film.
L’histoire a la qualité durable d’un conte de fées : deux âmes sœurs se retrouvent, de manière plutôt improbable, dans une école réservée aux garçons dirigée par des jésuites dans les années 1970 à Melbourne – puis meurent ensemble, 15 ans plus tard, à cause d’un virus transmis par l’un d’entre eux. à l’autre en faisant l’amour.
De retour sur scène sous la direction du directeur artistique de Belvoir, Eamon Flack, le conte n’a rien perdu de sa puissance, et en gagne grâce à son interprétation par des acteurs queer – signe d’un progrès durement gagné. Comme nous le rappelle la pièce de Murphy, dans une scène se déroulant au NIDA (où Conigrave a suivi une formation d’acteur), nous ne sommes pas si loin d’une époque où on disait aux acteurs de rester dans le placard s’ils voulaient faire carrière.
Tim et son véritable amour John Caleo sont interprétés par Tom Conroy (Tell Me I’m Here) et Danny Ball (The Italians), tandis qu’un casting de quatre personnes (dont Rebecca Massey, pilier du théâtre de Sydney et la star de Rake, Russell Dykstra) jonglent. une foule de personnages secondaires dans une production qui s’appuie sur l’essence « imaginaire » du théâtre avec des changements sur scène, des costumes sinistres et de grosses perruques.
Massey et Guy Simon (White Fella Yella Tree) risquent de voler chaque scène dans laquelle ils se trouvent, mais c’est finalement le spectacle de Conroy ; il n’a peut-être jamais été mieux interprété que dans le rôle de Conigrave, irrépressible, incorrigible, au charme enfantin mais d’une franchise sans faille.
Le scénario de Murphy semble avoir été rationalisé depuis sa première, avec une exposition réduite à une structure légère de deux heures et deux actes. Avant l’entracte, on voit la relation s’épanouir ; après cela, nous le voyons affronter la maladie, puis la mort.
Si cela semble tragique, c’est vrai – n’oubliez en aucun cas les mouchoirs – mais c’est aussi excitant, drôle et plein de joie. Il s’agit autant du don de l’amour et de la vie que de l’injustice de les perdre.
En transposant l’histoire de page en scène, Murphy abandonne une partie de l’excitation mais accentue la comédie, dont Flack et ses acteurs profitent pleinement. Une longue scène impliquant un adolescent connard était l’une des nombreuses scènes qui ont rendu le public de la soirée d’ouverture hystérique.
Au contraire, la production pourrait probablement renoncer à certains de ces grands rires, ou au moins faire une pause pour laisser respirer certains des rythmes les plus dévastateurs. (Le public a à peine le temps de comprendre un moment puissant du deuxième acte dans lequel Tim et John se débattent avec leur diagnostic de VIH fraîchement délivré comme s’il s’agissait d’une condamnation à mort.)
Il y a suffisamment d’oeufs de Pâques pour les gays, les Sydneysiders et les tragiques du théâtre pour rendre ce spectacle avec un public local particulièrement agréable, mais pas au point d’aliéner un public plus large. Pour nous tous, c’est un rappel encore actuel de l’effet dévastateur de la déshumanisation des plus vulnérables de la société ; négliger nos plus marginaux. Que Tim, John et leurs pairs aient vécu et soient morts à travers une épidémie décimante était tragique ; qu’ils aient dû le faire sans le soutien du gouvernement, de la société et souvent même des parents, des frères et sœurs, est inadmissible – cruel.
La production de Flack laisse place au chagrin que la pièce exploite et invoque le pouvoir salutaire de la joie. La scénographie (par Stephen Curtis) et les sièges en rond, avec une partie du public sur scène, sont une métaphore puissante de l’expérience de Tim et John et des générations de queers passées et présentes : quelque part entre un trou noir de chagrin et une boule disco de bonheur, nous faisons un saut périlleux, entourés de la communauté.