Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 wordsJe hall d’entrée de la Art Gallery of New South Wales est bordé de portraits de femmes des Premières Nations. Aucune explication n’est donnée sur la plaque pour Naabami (tu verras) de Brenda L Croft : Barangaroo (armée de moi) (2019-22). Il n’en a besoin d’aucun. Accrochées à côté des entrées des Grand Courts de l’AGNSW – une série de galeries qui abritent depuis longtemps l’art européen et australien « élevé », les photographies de Croft sont des témoignages saisissants de la présence des Premières Nations.Si l’on a besoin d’une directive plus pointue, il suffit de tourner la tête vers le mur opposé et de voir le tableau Decisions (2022) d’Abdul Abdullah, qui diffuse les mots « Have a think about it ».C’est le moyen idéal pour encadrer la quatrième itération de l’enquête biennale sur l’art australien, The National, qui cherche clairement à élargir notre compréhension des protagonistes de l’art à travers 48 nouveaux projets, impliquant plus de 80 artistes. L’exposition s’est ouverte jeudi dans quatre des institutions culturelles de Sydney : AGNSW, Carriageworks, le Musée d’art contemporain (MCA) et le Centre d’art de Campbelltown.Naabami (tu verras / verras): Barangaroo (armée de moi) (2019-22), à la Art Gallery of NSW. Photographie : Mim StirlingPlus loin dans la présentation de l’AGNSW se trouve Where Are We Now? de Gerry Wedd? (2020-23), qui reprend l’esthétique traditionnelle – presque anodine – des céramiques bleues et blanches et la renverse : au second coup d’œil, les 661 pièces de céramique comprennent des récipients arborant les noms de médicaments – « Lithium », « MDMA », « Xanax » – tandis que ses tuiles contre le mur représentent des images chargées existentiellement : une seringue solitaire, un homme aux yeux bandés, une lame de rasoir. « Le bleu et blanc est un cheval de Troie », dit Wedds à propos d’un travail qu’il pense que beaucoup de gens négligeront. « Ils penseront que la galerie d’art l’a obtenu d’un magasin d’antiquités. »J’aime le travail qui est macro et micro : à distance c’est une chose, mais si vous passez du temps avec, d’autres choses commencent à apparaître. »En entrant dans le niveau trois du MCA, nous sommes accueillis par une catastrophe. Dans Hoda Afshar’s Aura (2020-23), un éventail kaléidoscopique de photographies trouvées en noir et blanc dépeignent des moments des feux de brousse de 2019-2020, Black Lives Matter (BLM), des frappes aériennes américaines contre l’Irak en 2019 et de la pandémie en cours. Il y a des conflits, des tragédies et des schismes ici – mais pour Afshar, ces événements sont liés par la chose la plus fondamentale : le souffle. De la fumée des feux de brousse au cri d’Eric Garner et de BLM « Je ne peux pas respirer » à l’étouffement de la pandémie.’Avons-nous besoin de plus de photographies?’ Pour Aura (2020-2023), au MCA, Hoda Afshar a photographié des portions de photos d’autres personnes. Photographie : Anna KuceraAfshar n’a pas pris les photographies individuelles, qui s’étendent à travers le monde. Au lieu de cela, elle a commencé le travail depuis son domicile à Melbourne pendant le verrouillage, photographiant une partie des photographies d’autres personnes. « Chaque scène que vous voyez est une infime partie d’une image beaucoup plus grande », explique-t-elle. « Des millions de photographies sont enregistrées en ligne chaque minute dans le monde. Avons-nous besoin de plus de photographies ou avons-nous simplement besoin de méditer sur ce qui a déjà été créé ?Cette question – quoi regarder ou quoi montrer – est une question difficile pour une exposition au titre aussi complet que The National. Plutôt que d’entraîner des artistes dans une exposition construite autour d’un thème singulier, la conservatrice principale du MCA, Jane Devery, souhaitait que les artistes maintiennent leurs propres points de référence. Que ce soit dans l’œuvre sonore d’Isabelle Sully, qui revient sur les histoires de la voix des femmes dans les médias à travers une série de bulletins d’information lus par Sandra Sully ; l’installation vidéo immersive d’Allison Chhorn, qui place dans la galerie un fac-similé de l’ombrière végétale de ses parents, méditant sur la mémoire, la migration et les gestes simples du quotidien ; ou les photographies aléatoires de Rudi Williams qui semblent à la fois chargées cinétiquement et complètement immobiles.Skin Shade Night Day (2022) par Allison Chhorn, au MCA. Photographie : Anna Kucera »Je voulais juste élargir l’idée de ce qu’est l’art australien », déclare Devery. « J’ai délibérément choisi des artistes qui frôleraient cette idée de The National. »Celle-ci est mise en avant au Campbelltown Arts Centre, par la présence d’un bateau géant inversé au centre de la galerie : Another Country d’Isabel Aquilizan et Alfredo Aquilizan (2010-2023). Travaillant avec leurs cinq enfants adultes – Miguel, Diego, Amihan, Leon et Aniway – et pratiquant sous le nom collectif Fruitjuice Factori Studio, les artistes prennent un vaisseau de voyage par excellence et l’utilisent pour suggérer le processus de fabrication à la maison. »Nous venons des Philippines, nous avons 7 107 îles, nous utilisons donc le bateau comme une signification pour le voyage, le voyage, la dislocation et le mouvement », explique Alfredo Aquilizan. « En l’inversant, on pense à l’aube de l’architecture, quand quelqu’un arrive sur une île et que la première chose qu’il fait est d’inverser son bateau, qui devient son toit. »Another Country (2010-2023) d’Isabel et Alfredo Aquilizan avec le Fruitjuice Factori Studio, au Campbelltown Art Centre. De nombreuses pièces utilisées pour construire le bateau provenaient de sous la maison familiale. Photographie : Mim StirlingCette idée de chez-soi trouve également une expression matérielle dans l’œuvre : de nombreuses pièces que les Aquilizans ont utilisées pour construire le bateau, y compris le terne lui-même, proviennent de sous leur maison, collectées au cours des 17 dernières années. D’autres objets de l’œuvre proviennent de magasins d’exploitation locaux autour de Campbelltown, de sorte que l’on a l’impression que chaque pièce du bateau, jusqu’à son grain même, semble porter des histoires.Chez Carriageworks – le quatrième site du National – les co-commissaires Freja Carmichael et Aarna Fitzgerald Hanley sont revenues à plusieurs reprises sur la question « Qu’est-ce qui est le plus proche de nous ? ». Le duo a trouvé une réponse dans 11 nouvelles œuvres qui parlaient au local et au familier, et fonctionnaient comme des sites de partage de la culture.Dans The Circadian Cul-de-sac (2023) d’Erika Scott, le familier est arrêté dans un état de méconnaissance presque absurde : un sablier imposant de quatre mètres de haut est assis dans une piscine bouillonnante – mais vous ne le sauriez pas immédiatement . Un déluge d’objets éclectiques consacre la structure, y compris des boules de zorb gonflables, des lumières LED, des bijoux, des touches de clavier d’ordinateur, des pneus de voiture, des câbles de démarrage et des dépliants d’information sur les tampons. L’assemblage met en scène une confrontation entre des consommables reconnaissables et un état de désordre total, parlant silencieusement d’un monde étranger pas si différent du nôtre.Le cul-de-sac circadien (2023) d’Erika Scott chez Carriageworks. Photographie : Zan WimberleyEntourée d’œuvres d’art visuellement saisissantes de Naminapu Maymuru-White et Elizabeth Day, l’installation de l’artiste Yindjibarndi Katie West, Les femmes ont arraché les piquets d’étoiles du sol et les ont transformés en wana (bâtons à creuser) (2023), présente une installation subtile mais tout aussi puissante, qui attire les sons et les matériaux de Country dans les couloirs de Carriageworks.L’installation de Katie West à Carriageworks comprend des radios vintage suspendues sur des piquets en étoile en acier, qui résonnent avec le son des enregistrements sur le terrain de la ferme de l’artiste. Photographie : Zan WimberleyTrois radios vintage sont suspendues à des piquets en étoile en acier, que vous pouvez entendre résonner lorsqu’ils transmettent des enregistrements sur le terrain de la ferme familiale de West. Penchez-vous plus près du travail et vous sentirez presque que le son commence à changer. Et c’est parce que c’est le cas. « Notre propre présence physique dans la galerie, du fait de la précarité de ces vieilles radios, change [the sound] », dit Hanley. « Notre lien littéral avec le travail affecte [its] l’auralité.C’est une synecdoque presque trop soignée pour la quatrième itération du National : que les œuvres d’art nous changent, et sont changées par nous, alors que nous nous penchons pour entendre une partie de leur histoire. Le National 4 est exposé jusqu’en juin et juillet à Carriageworks, à la Art Gallery of NSW, au Campbelltown Art Center et au Museum of Contemporary Art. L’entrée est gratuite
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