Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 words Quelques minutes après m’avoir accueilli dans son studio de Baldwin Hills, l’artiste Max Hooper Schneider s’est résumé comme « M. Paradoxe. » La plaisanterie est venue en réponse à la table qu’il avait dressée avec du jus vert et des brownies, mais elle s’applique à peu près à tout ce qu’il cuisine dans les pièces au-delà, aux travaux en cours et aux matériaux dans divers états de changement et de décomposition : un cuivre -plaqué orange, ses restes desséchés cliquetant dans la coquille nouée ; la carcasse accidentée d’un hélicoptère suspendue au plafond, balançant un jet de rayons divins à tube fluorescent; une table parsemée de fragments de signalisation au néon vintage, comme un éparpillement de poésie trouvée ; un tas de frites McDonald’s à cent dollars, vieilles de cinq mois. « Je considère le studio comme un boyau », déclare Hooper Schneider, « et je suis comme une enzyme digestive qui circule à travers lui. » Un détail de figurines fondues de la pièce « Route 666 » de Hooper Schneider.(Gary Coronado / Los Angeles Times) Coureur dévoué qui dit que le sport le laisse constamment affamé, Hooper Schneider cherche souvent des métaphores métaboliques. La rencontre du spectateur avec ses sculptures et ses installations, écrit-il, est un échange dynamique entre les corps « qui s’apparente davantage au processus de transformation mutuelle de l’alimentation qu’à la qualité de spectateur ». Et pas seulement une alimentation ordinaire, mais une sorte de festin chargé et complexe. Gourmandise sensorielle qui donne une nourriture dense à l’esprit. « Falling Angels », une vaste exposition des expériences récentes de l’artiste basé à Los Angeles sur la dévastation et la régénération des biomes, ouvre le 6 mai chez François Ghebaly. Les salles de la galerie du centre-ville seront assombries et les « perspectives désorientantes » de Hooper Schneider, des scénarios microcosmiques faisant allusion à des phénomènes macrocosmiques de détresse écologique, biologique, anthropologique et sociologique, seront illuminés de façon spectaculaire à l’intérieur. «Nous vivons à une époque de crise», dit-il. « Nous vivons dans les effets mortels de siècles de destruction gratuite. Mon travail regarde les crises, mais il séduit. C’est un intoxicant. Maximalisme, horreur, tragédie – j’en fais le trafic, mais seulement comme des outils pour accéder à des choses qui sont radicalement pleines d’espoir, de joie et d’exubérance. Un groupe de vitrines de table dans l’exposition offre des vues d’une splendeur subaquatique étrange, sculptée – champignons lumineux en verre coulé, anémones de mer, rubans lumineux de varech. Les œuvres ont évolué en réponse à l’expérience de plongée sous-marine de l’artiste dans l’Arctique et en réponse aux notions de sublime de la Renaissance, centrées sur le néant et la mort. Une pièce de la série « Diving Bells » de Hooper Schneider.(Gary Coronado / Los Angeles Times) « Rien n’est désolé », explique-t-il. « Si vous regardez assez attentivement et réfléchissez aux binaires normaux de la vie, il y a une luxuriance dans tout. Tout est un essaim de corps grouillant et suppurant et se décomposant et repoussant. Les vitrines elles-mêmes sont des distillations, et les hublots découpés qui offrent une vue à l’intérieur sont une autre tentative de concentration. Dans toute la gamme des travaux de Hooper Schneider, la miniaturisation ou l’abréviation d’un monde (pensez aux maisons de poupées, aux trains miniatures) coexiste avec une accumulation élaborée de choses définissant ou remplissant ce monde. Dans un aquarium de son exposition de 2018 chez Jenny’s (une galerie qui a depuis déménagé à New York), par exemple, de minuscules poissons se sont précipités parmi leurs faux homologues, nageant à travers des tas de déchets / trésors de bijoux fantaisie. Hooper Schneider se complaît à refondre le familier comme inconnu, absurde, extrême. Dans le cas des vitrines de cloches de plongée, « vous êtes aspiré rapidement, puis tout à coup, vous obtenez ce changement d’échelle qui altère l’esprit. Je ne sais pas quelle taille je fais. Je ne sais plus quelle taille je veux faire. Et puis il y a une réaction en chaîne de voir. Un autre des nouveaux « habitats spéculatifs » de Hooper Schneider s’inspire de son amour d’enfance pour les dioramas. Dans le grand environnement de table, un cinéma drive-in abandonné est situé sous une colline de pumpjacks au travail rythmique, une pente de fleurs extrêmement vibrantes, des fosses de cadavres cendrés et des palmiers avec de minuscules corps humains à la place des frondes. Le grand écran projette un film de l’artiste, entrecoupé de photographies anciennes collectionnées par son grand-père maternel, « un colporteur de brocante ». De petits écrans dans le public de petites voitures abandonnées scintillent en conversation avec « l’écran parent ». La scène est empreinte de nostalgie, à la fois dérangeante et aussi, selon lui, « incroyablement ludique ». Comme le monde plus vaste qu’il exploite et imite, ce monde parvient lui aussi à prospérer, même si nous ne reconnaissons pas ses nouvelles formes de vie émergentes. Ici et tout au long de son œuvre, les contradictions entre vitalité et décrépitude, nature et artifice, beauté et grotesque ne se résolvent pas dans une harmonie neutralisante, mais vibrent au contraire dans une friction générative. Hooper Schneider est « une force », dit le galeriste François Ghebaly. « Il est l’un des artistes les plus innovants et passionnants travaillant à Los Angeles aujourd’hui » – et son titre autoproclamé de M. Paradox correspond. « Ce type de travail, traitant d’une critique du capitalisme, a comme point de départ des paradoxes – le monde naturel contre le monde créé par l’homme, le recyclage de la société en quelque chose d’autre, quelque chose d’inconnu », dit Ghebaly. « Il a étudié les sciences pour devenir artiste. Cela en soi est un défi pour le récit dominant. Hooper Schneider dans son studio de LA.(Gary Coronado / Los Angeles Times) Hooper Schneider, 40 ans, est né à Los Angeles et a étudié l’ikebana dans sa jeunesse, à peu près au même moment, il a développé une passion pour le death metal. Son défunt père était un vétérinaire équin et sa mère, qu’il vénère comme « héroïque, fougueuse, incroyablement brillante », est une philosophe à la retraite et théoricienne de l’urbanisme qui a enseigné à l’UCLA. « Je suis un croisement entre le clinique et le métaphysique », dit-il, « et mon travail est la tension entre eux. Mon travail n’est que tension, ce n’est qu’entre-deux. Il a étudié la biologie et l’urbanisme en tant que premier cycle à NYU et a obtenu une maîtrise en architecture de paysage à Harvard. Le parcours à travers diverses disciplines lui a donné un ensemble de compétences, dit-il, qui ont facilité son indépendance en tant que créateur et penseur. Essentiellement, ajoute-t-il, « j’ai fait une tonne d’études pour revenir à ce que je faisais quand j’étais enfant, brûler mes transformateurs et fabriquer de nouveaux matériaux à partir du bric-à-brac quotidien devant moi. » Hooper Schneider a exposé pendant environ une décennie, localement et internationalement, et a participé à la Biennale d’Istanbul, à la Triennale de la Baltique à Vilnius, en Lituanie, et à deux reprises à la biennale Land Art Mongolia. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections institutionnelles, dont le MOCA et le Hammer Museum. En 2019, pour une exposition Projects au Hammer, il a transformé la galerie en un dépôt au fond de l’océan et un laboratoire vivant époustouflants et désarmants. « Je qualifie souvent les artistes d’alchimistes et de savants fous, mais il l’est vraiment », déclare Ali Subotnick, conservateur indépendant et adjoint à Hammer, qui a organisé cette installation. «Il propose tous ces ingrédients étranges et fusionne constamment les sciences classiques avec le fait d’être un artiste. Il est déconcertant et plein d’énergie. Il a vraiment créé son propre langage et sa propre méthodologie. « Route 666 », de l’artiste Max Hooper Schneider, dans son atelier.(Gary Coronado / Los Angeles Times) Dans un bref e-mail avant ma visite à son studio à la mi-avril, Hooper Schneider a décrit son travail pour le spectacle Ghebaly simplement comme « sauvage ». Lorsqu’on lui a demandé d’élaborer, il a poursuivi avec une «déclaration de mission» de six pages articulant les idées et les sources derrière les œuvres, citant Marcuse, Spinoza, Mondrian et plus encore. Le viscéral et le conceptuel ne se rencontrent pas seulement dans le travail de Hooper Schneider – ils se reproduisent sous nos yeux. En entendant parler du plan-manifeste de l’exposition, Subotnick rit de reconnaissance. «Il utilise des mots qui me passent par-dessus la tête. Une partie de son texte m’est…
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Customize this title in frenchÀ l’intérieur de l’approche « sauvage » de Max Hooper Schneider pour faire de l’art
