Customize this title in frenchSayed Haider Raza, Bindu et son art du grand vide noir

Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 wordsSayed Haider Raza était un géant moderniste dont la signature Bindu – principalement des peintures à base d’acrylique de grands cercles ou points noirs, accompagnés de grilles géométriques qui rappellent les anciens concepts hindous de spiritualité – sont parmi les œuvres d’art les plus recherchées et les plus chères du panthéon indien. Mais comment l’artiste, souvent appelé SH Raza, est-il arrivé à cette percée stylistique qui a changé à jamais l’art moderne indien ?Ayant opté pour une approche plus encyclopédique de sa vie et de son époque, la nouvelle grande rétrospective du Centre Pompidou sur Raza fournit quelques indices utiles. Simplement intitulé Sayed Haider Raza, l’exposition parisienne présente une collection tentaculaire de plus de 90 peintures et environ 80 lettres et documents, dont des carnets soigneusement conservés.Surya Namaskar (1993) de Sayed Haider Raza. Photo : Fondation Raza C’est une bonne occasion de voir certaines de ses œuvres les plus connues d’une carrière extraordinaire de près de 70 ans, comme Aarambh, Maa, Nagas, Zamin, Surya Namaskar, Haut de Cagnes, Bindu, La Terre et Saurastra, qui a été adjugé 3,5 millions de dollars en 2010, établissant un record pour une œuvre indienne moderne selon Christie’s.Même si Raza a vécu plus de six décennies en France, c’est la première fois que Paris accueille une enquête aussi prodigieuse sur sa carrière. « C’est peut-être l’une des expositions les plus importantes et les plus ambitieuses de tous les artistes indiens modernes en Europe », déclare Ashok Vajpeyi, administrateur délégué de l’organisation artistique à but non lucratif de New Delhi, The Raza Foundation.Organisée en collaboration avec le Centre Pompidou et la fondation, l’exposition tente de puiser dans le rôle de l’artiste en tant que bâtisseur de ponts entre les cultures sud-asiatiques et européennes. En préparation depuis quelques années, le spectacle est un effort pour projeter Raza sur la scène mondiale et en effet, il arrive à un moment particulièrement important pour son héritage. L’année dernière, de nombreuses galeries et institutions à travers l’Inde ont organisé des expositions en l’honneur de son centenaire de naissance. « D’une certaine manière, les célébrations se sont maintenant déplacées de l’Inde vers Paris », explique Vajpeyi.Des lettres à et de Sayed Haider Raza sont exposées à l’exposition, y compris cette correspondance avec son collègue artiste indien Akbar Padamsee de 1965. Photo : Fondation Raza Pour comprendre Raza, il est utile de commencer par le début. Né en 1922 dans un petit village de Mandla, dans le centre de l’Inde, où son père travaillait comme agent forestier, l’éducation de Raza était humble mais pleine d’une beauté visuelle et naturelle luxuriante – un souvenir vivant qui l’a guidé spirituellement et créativement presque tout au long de sa vie.Après la mort de ses parents, la majeure partie de sa famille a émigré au Pakistan, mais Raza est restée en Inde. Il a ensuite étudié à la prestigieuse Sir JJ School of Art de Mumbai, où il s’est lié d’amitié avec FN Souza et MF Husain et est devenu le membre fondateur du Bombay Progressive Artists’ Group, un collectif indien pionnier post-indépendance qui cherchait à introduire le modernisme dans Art indien. Sa première phase a été marquée par des paysages vibrants, principalement peints dans un style expressionniste allemand.Les spécialistes de Raza citent souvent son voyage au Cachemire en 1948 comme un tournant. C’est là qu’il a rencontré le photographe français Henri Cartier-Bresson, qui a regardé son travail et a observé: « Vos peintures manquent de construction. Étudiez Paul Cézanne. »Deux ans plus tard, Raza a navigué pour Paris en 1950 grâce à une bourse du gouvernement français. Lorsqu’il débarque à Paris, il est ravi de découvrir que la capitale française est la ruche d’art qu’il a imaginée. Même si Cézanne et les post-impressionnistes étaient partis depuis longtemps, le Paris du milieu du XXe siècle était encore un mélange enivrant d’intellectualisme de café et de salons remplis d’art.SH Raza est décédé en 2016 à l’âge de 94 ans. Photo : Fondation Raza Alors que Raza a commencé comme spécialiste de l’aquarelle et de la gouache à Mumbai dans les années 1940, alors connue sous le nom de Bombay, sa production de ses années parisiennes était largement dominée par les églises et les villages français d’influence cubiste. Le Centre Pompidou a présenté un corpus séminal de son travail de cette période cruciale pour donner aux visiteurs un aperçu de ses influences françaises.Peintures rendues en technique d’empâtement épais, telles que Sans titre (Église en paysage), Église de Meulan, Église et Calvaire Breton et Village, révèlent une influence de l’Ecole de Paris. Dans les années 1970, son imagerie est devenue progressivement abstraite, mais ce n’est qu’une décennie plus tard que le célèbre Bindu série est née.Pour le meilleur ou pour le pire, impossible de discuter de Raza sans le bindu. Cette série transmet une expérience de mystère et de silence éloquent, quelque chose à la fois intemporel et universel. Raza lui-même a souvent décrit le point ou cercle noir comme une « graine de toute énergie ». Certains critiques l’ont interprété comme shunya, ou le grand vide, mais Raza s’est inspiré d’anciens textes sanskrits tels que les Upanishads, qui mentionnent les idées philosophiques du bindu et du naad dans le contexte de la méditation.Pour Raza, ces champs d’énergie et ces formes géométriques simplifiées symbolisaient un moment de sa vie où il réalisa que le but de l’art était d’évoquer quelque chose de plus qu’une simple image. Comme Mark Rothko, qui voulait émouvoir ses spectateurs aux larmes avec des émotions de base à travers rien d’autre que des plans de couleurs, l’idée de Raza était d’exprimer un sentiment qui dépassait l’entendement humain.Contrairement à certains de ses pairs, Raza a toujours évité les notions d’histoire et de politique, préférant chasser ses « intuitions ». Dans son livre sur l’artiste, Sayed Haider RazaVajpeyi cite Raza comme disant : « Je ne connais qu’une partie du processus créatif. Tellement plus est inconnu. »Vajpeyi soutient que le très méditatif Bindu série a évolué à partir d’un cas de crise d’identité. « Vers 1978 ou 1979, il a commencé à sentir qu’il était devenu un peintre de l’Ecole parisienne », raconte-t-il.« Où était l’Inde dans son travail et où était Raza dedans ? du célèbre Bindu. »C’était important pour lui car cela lui a donné l’idée que ce qui était illogique dans la vie devient en quelque sorte compatible dans l’art. »Aarambh de Sayed Haider Raza. Photo : Fondation Raza Susan S Bean, conservatrice principale de l’art sud-asiatique qui a déjà travaillé avec le Peabody Essex Museum dans le Massachusetts, dit que Raza était plus intéressée par « les défis de la visualisation des cosmologies de l’Inde et de la création de cosmos-scapes abstraits », ce qui est mieux illustré par Udho, le cœur n’a ni dix ni vingt ans qui a été prêté par le musée et sert d’emblème à l’exposition. Udho, le cœur n’a ni dix ni vingt ans (1964) est une toile qui mêle la passion de Raza pour la poésie, le format de la miniature du Rajasthan et une explosion de couleurs avec des rouges terreux d’un effet sublime.Raza avait une profonde appréciation pour les couleurs indiennes. « La couleur est l’essence de mon travail », Vajpeyi le cite comme déclarant une fois. À partir des années 1980, alors qu’il se préoccupe de plus en plus de la symbolique du bindu, il explore également les qualités formelles des pigments avec des résultats insolites.Même si le bindu lui a donné la renommée et le succès, il y avait aussi des accusations selon lesquelles il devenait répétitif, ce qu’il a défendu sans vergogne en comparant sa dévotion au japmala (chant) ou à la prière du chapelet, où l’idée de répétition aide le dévot à atteindre un état de conscience élevé. .Ce dont on ne peut cependant douter, c’est du lien profond de Raza avec ses racines indiennes. Bien qu’il ait élu domicile en France, il partage son temps entre Paris et le petit hameau gaulois de Gorbio, et après avoir épousé l’artiste française Janine Mongillat, il continue à entretenir des liens étroits avec l’Inde.En fait, ses amis se souviennent que ses ateliers de Paris et de Gorbio étaient un sanctuaire de l’Inde où il s’entourait d’artefacts, de sculptures et de peintures miniatures qu’il avait collectionnés au fil des décennies lors de ses innombrables voyages dans son pays d’origine. »Il est resté un Indien dans l’âme et fier de l’être », déclare la galeriste Reena Lath, qui a…

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