Customize this title in french »The Matrix » nous rappelle pourquoi l’IA est si dangereuse

Lorsque la présidente de la SAG-AFTRA, Fran Drescher, s’est adressée au public réuni au Shrine Auditorium lors des Screen Actors Guild Awards de cette année, elle a martelé ce que beaucoup considèrent comme la menace la plus urgente de l’industrie : l’intelligence artificielle.

« L’IA va nous enfermer dans une matrice où aucun de nous ne sait ce qui est réel », a-t-elle prévenu. « Si un inventeur manque d’empathie et de spiritualité, ce n’est peut-être pas l’invention dont nous avons besoin. Les histoires de dystopie peuvent aussi devenir une prophétie auto-réalisatrice.

Les paroles de Drescher témoignent de la pertinence continue du monde de la science-fiction imaginé par les sœurs Wachowski il y a 25 ans. Depuis sa sortie initiale le 31 mars 1999, « The Matrix » est un exemple frappant des dangers croissants de l’IA et de la nécessité de faire preuve d’humanité pour l’arrêter.

La bataille entre l’humanité et la machinerie titulaire du film, qui récolte secrètement l’énergie bioélectrique des humains pour se maintenir à flot, est présentée comme le combat entre Neo (Keanu Reeves) et l’agent Smith (Hugo Weaving). L’Élu de Reeves est considéré comme le grand espoir de ceux qui ont été endormis et trompés. Le genre de personne qui peut s’opposer à ceux qui espèrent vous garder au piège.

Tout au long du film, Neo apprend à discerner ce qui est réel et ce qui ne l’est pas. Et c’est son empathie et son amour qui ont finalement alimenté sa victoire sur les nombreuses menaces de Matrix, y compris l’agent Smith de Weaving.

L’un des aspects les plus terrifiants du film C’est à quel point cela fait apparaître la menace de l’IA. Comme son nom l’indique, l’agent Smith n’est rien de plus qu’une parodie monotone des G-men du FBI.

En s’adressant à Neo en l’appelant « Monsieur Anderson » avec un ton résolument sifflant ess aussi robotique qu’arrogant, Weaving rend la voix mécontente de son personnage troublante précisément en raison de son caractère familier. Dans « The Matrix », Weaving a cartographié l’endroit que nous appelons aujourd’hui « l’étrange vallée ».

Cette vision de l’IA de l’an 2000 s’est construite sur des décennies d’androïdes, de cyborgs et de Cylons, bien sûr. Mais là où Hollywood avait souvent opté pour des performances rigides qui trahissaient leur nature robotique, l’agent Smith présageait de ce qu’il y a de si inquiétant dans l’IA aujourd’hui : lorsque Neo voit pour la première fois Smith et ses acolytes le chercher dans son bureau ennuyeux et grillagé, ils ne semblent pas y avoir de raison. différent des nombreux travailleurs ressemblant à des drones autour de lui.

Comparez cela, disons, au Terminator, sans doute le méchant IA le plus emblématique de la fin du 20e siècle. Dans ses docu-séries Netflix de 2023, Arnold Schwarzenegger a expliqué comment il avait imaginé pour la première fois son rôle désormais très copié : Le Terminator devait « être totalement différent d’un être humain. La façon dont il marche sur la moto. La façon dont il court. La façon dont il se lève », a-t-il déclaré. Tout devait être « exactement comme une machine ».

Une grande partie de l’action (et sans doute de l’humour) de « The Terminator » découle de l’idée selon laquelle le personnage de l’IA de Schwarzenegger était résolument non humain. Le corps musclé et l’accent anglais du bodybuilder devenu acteur le marquaient comme un autre, comme différent de nous.

Pendant une grande partie de « The Matrix », les lunettes noires de l’agent Smith (un clin d’œil, peut-être, à l’image indélébile d’Arnold) ajoutent à son sentiment d’autorité impérieuse. C’est une réplique d’un bureaucrate du gouvernement. Il n’y a rien derrière ces yeux ; mieux vaut les cacher et le faire apparaître impénétrable, illisible. Mais alors que le film se déroule et que l’agent Smith se retrouve face à Neo et à son maître Morpheus (Laurence Fishburne), Weaving commence à montrer des signes que cette IA n’est pas si insensible, pas si indifférente après tout.

Pendant les scènes de combat clés, l’agent Smith perd ces lunettes (elles sont cassées, jetées). Et dans ses yeux d’acier, vous voyez une exaspération (même un désespoir) en contradiction avec les traits plus mécaniques qui le distinguent des humains qu’il essaie de contrôler et de contenir.

Alors que la physionomie de Neo finit par refléter astucieusement celle de l’agent Smith, « The Matrix » parvient à comprendre ce qui est le plus désorientant dans l’essor de l’IA : non pas à quel point il est facile de se distinguer des humains, mais à quel point il est difficile.

Étant donné le rythme accéléré auquel la technologie avançait au tournant du millénaire (l’intrigue de « Matrix » repose sur des connexions téléphoniques filaires, après tout), il est logique que les 25 dernières années aient vu les récits et les représentations de l’intelligence artificielle changer de la même manière. rapidement.

L’IA n’est plus (simplement) un ennemi méchant à vaincre (ou débranché). C’est devenu un moyen de narration de plus en plus sophistiqué permettant de remettre en question la nature de notre humanité. La télévision et le cinéma se demandent, avec une insistance croissante, ce qui nous arrivera si nous faisons preuve d’empathie. avec L’IA, si nous ne pouvons pas la rejeter comme un simple outil (ou un antagoniste) et la trouver, à la place, reflétant les émotions mêmes que nous pensions qu’elle ne pouvait pas incarner.

Deux ans après « Matrix » fait de la lutte contre l’IA un impératif moral, « AI : Intelligence artificielle » de Steven Spielberg a demandé au public, à la place, de sympathiser avec un garçon « mecha » avec un complexe de Pinocchio. Ancrée par une performance émouvante et d’une retenue révélatrice de Haley Joel Osment, la fable lourde de Spielberg est centrée sur l’émerveillement enfantin et la cruauté artificielle.

Le David d’Osment est une présence semblable à une poupée dont les éclats de rire hurlants et les déclarations trop littérales perturbent les parents qui le ramènent à la maison comme une sorte de substitut pour l’enfant qu’ils pensaient avoir perdu pour de bon.

Ce qui était le plus menaçant chez David, c’était à quel point il était déterminé à vouloir être réel, à vouloir être aimé. Il réclame nos sympathies tout au long du film malgré la performance d’Osment qui montre à chaque instant à quel point son être, ses sentiments et ses réactions sont véritablement artificiels.

Le projet de Spielberg se sent redevable de « Blade Runner », l’adaptation de Ridley Scott en 1982 du roman de Philip K. Dick « Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? » : le public est invité à ressentir des réplicateurs comme Rachael (Sean Young) qui, un peu comme David , a du mal à accepter ses souvenirs et sa vie entièrement fabriquée. Ces réplicateurs fugitifs traqués par Deckard d’Harrison Ford sont les victimes de leurs propres créateurs dont la tragédie réside dans leur incapacité à être (ou à vivre) plus que ce pour quoi ils ont été construits – un point rendu d’autant plus poignant par la prise de conscience de Deckard à la fin du film. qu’il pourrait bien être lui-même un réplicant.

Plus récemment, « After Yang » de Kogonada reprend le même fil. L’adolescent robotique du titre devient un véhicule à travers lequel le film explore la mémoire, le chagrin et la compagnie réconfortante qu’un tel personnage pourrait offrir à la famille qui l’a d’abord acheté et qui craint maintenant de le perdre.

C’est là que réside la tension des récits et des performances contemporaines de l’IA. Que ce soit dans des séries télévisées de longue durée comme « Battlestar Galactica » et « Westworld » ou dans des études de personnages inventives sur grand écran telles que « Elle » et « Ex Machina », l’intelligence artificielle n’est plus aussi facilement vilipendée comme une menace existentielle pour l’humanité – peut-être parce que, dans le monde réel, nous avons déjà appris à vivre avec elle, à compter sur elle, d’une manière qui va bien au-delà de Sora ou de Sora. ChatGPT.

En effet, de telles histoires sont désormais plus souvent ancrées dans l’idée tout aussi horrible que l’IA pourrait nous tromper en nous faisant croire qu’elle est aussi sensible et attentionnée que nous le sommes : à entendre Hollywood le dire, l’IA est sur le point de nous tromper en nous faisant oublier ce qu’elle est et ce qu’elle est. cela représente.

Considérez les redémarrages modernes de « Battlestar Galactica » et « Westworld », dans lequel la droite contre L’IA est un véritable défi précisément en raison de la capacité de la technologie à confondre la perception humaine.

Au milieu d’intrigues sur des personnages qui apprennent soudainement qu’ils vivent dans un monde programmé pour eux – un peu comme Neo – et d’autres sur des créations artificielles désireuses de devenir plus humaines – un peu comme David – ces séries de bannières ont veillé à souligner à quel point elles sont vulnérables. , à quel point l’IA peut devenir humaine. Des acteurs comme Tricia Helfer et Grace Park dans le premier, et Evan Rachel Wood et Thandie Newton dans le second, ont imprégné leurs personnages d’IA respectifs de chaleur, d’empathie et d’humour. La technologie de leurs dystopies était si avancée que même les téléspectateurs à la maison ne pouvaient pas distinguer l’humain de l’IA.

Transformer cette prémisse en révélations choquantes et en arc tout au long de la saison n’a été possible que parce que la série a insisté sur le fait que les acteurs eux-mêmes observent une distinction poreuse entre les personnages de l’IA et les humains. À l’extrême extrême, « Her » de Spike Jonze raconte l’histoire à l’envers : bien que le film parle ostensiblement de la façon dont Theodore Twombly (Joaquin Phoenix) tombe amoureux de son système d’exploitation sensible, Samantha (exprimé par Scarlett Johansson), c’est l’IA qui commence sa vie sans peur ni anxiété, pour finir par être affligée d’une névrose qui l’anime. l’éloigner de son amant et de l’humanité.

La voix de Samantha ne bourdonne pas comme celle de HAL 9000 dans « 2001 : l’Odyssée de l’espace » (exprimée par Douglas Rain et modifiée technologiquement). Elle n’est pas non plus comparable à l’Auto de « WALL-E » (exprimée par le programme de synthèse vocale pour les ordinateurs Apple Macintosh). Plus sensuelle que Siri, elle ressemble plus à une fille que l’on appellerait au milieu de la nuit – une décision créative qui a contribué à vendre l’improbable romance de « Her ».

De même, le long métrage d’Alex Garland de 2015 « Ex Machina » trouve le génie solitaire Nathan Bateman (Oscar Isaac) qui libère Ava (Alicia Vikander), une IA qui, selon lui, réussira le test de Turing, sur un employé sans méfiance, Caleb Smith (Domhnall Gleeson).

Les interactions initialement concises, puis finalement plus romantiques et érotiques, entre la fille robot agile et le codeur aux yeux écarquillés, amènent bientôt le public et Caleb (et Nathan) à se demander si Ava réussit effectivement ce « jeu d’imitation ». Ou si, dans une accusation encore plus accablante contre toutes les personnes impliquées, elle les a trompés tous les deux avec ses manières rusées et séduisantes.

Ce qu’elle a est au cœur du frisson d’« Ex Machina ». dans lequel Vikander navigue habilement entre les nombreux niveaux de tromperie et de performance exigés par le rôle d’Ava. Au début, elle est timide, même si elle est distante ; Finalement, ses interactions avec Caleb sont totalement désarmantes. Ce n’est pas surprenant qu’il soit si attiré par elle. Elle est assez réaliste. Une demoiselle, ne serait-ce que dans son imagination. Ne serait-ce que par sa propre conception.

Ces représentations placent la menace existentielle de l’IA là où elle doit être : au moment où vous arrêtez de la considérer comme un outil, un objet, une invention ou un méchant de science-fiction et commencez à la considérer comme un personnage complet digne de un nom, une histoire, un arc.

Si l’agent Smith de « Matrix » est au début de cette transformation, « Mrs. Davis », de Tara Hernandez et Damon Lindelof, en est le point culminant – du moins pour le moment. Ce qui rend Sister Simone de Betty Gilpin si folle pour une grande partie de la série limitée Peacock, c’est la façon dont les utilisateurs du monde entier se sont habitués à un algorithme tout-puissant, lui donnant… son — un nom digne d’un professeur de maternelle.

Mais cette IA n’a pas de forme singulière. Au lieu de cela, chaque fois que Simone interagit avec l’algorithme qu’elle espère désactiver, elle doit parler avec et via un proxy humain : « Mme. Davis » est constamment fait humaine par ceux qui lui sont dévoués, un cas non pas d’IA nous piégeant, comme Drescher nous prévient de manière menaçante, mais de nous-mêmes piégeant.

C’est peut-être pour cela que « The Matrix » semble désormais plus prémonitoire que jamais. Dans leur film de science-fiction emblématique, les Wachowski avaient refoulé ce qui semblait si abrutissant dans notre relation avec la technologie au tournant du millénaire, bien avant que les cadres supérieurs, les entrepreneurs technologiques et les « créatifs » potentiels ne réduisent le talent artistique à un niveau inférieur. une prothèse numérique.

Depuis lors, des histoires dystopiques exploitent régulièrement notre empathie envers l’IA, la présentant comme presque humaine. Il n’y a pas de meilleur moyen de se débarrasser de cette notion que de retourner dans la Matrice et de se rappeler que l’IA est bien plus dangereuse, tout de suitecomme une arme d’entreprise à utiliser contre les travailleurs – un méchant mieux symbolisé par un homme d’âge moyen sans humour en costume d’affaires.