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Chef Keef – 4NEM (2021)
En tant que personne généralement opposée au fait que les sorties d’albums ne semblent plus jamais ralentir, même fin décembre, j’ai réussi à rater le 4NEM de Chief Keef lorsqu’il est sorti fin décembre l’année dernière. Connu pour son forage pionnier avant de se diviser en mille sous-genres mondiaux différents, le rappeur de Chicago est apprécié pour le genre de raps abrasifs et bouche bée auxquels les auditeurs plus âgés secouent les poings mais qui envoient les jeunes auditeurs dans un engouement.
La pochette de 4NEM, représentant une bande de petits soldats engagés au milieu d’un combat, est un bon avant-goût de ce que contient l’album. Les doublures hilarantes de Keef rendent la violence intense comique. Sur Hadouken, il fait même référence à des films pour adolescents classiques : « Tu es une putain de pom-pom girl… vas-y. »
La production est tout aussi loufoque, conçue pour correspondre à l’énergie frénétique de Keef. Son armée de producteurs mélange des échantillons d’armes à feu chargées, d’explosions et de synthés qui ressemblent à des chœurs d’opéra. Le plus frappant est l’utilisation par 4NEM de basses époustouflantes – je ne pense pas avoir jamais entendu de 808 plus durs. C’est de la musique qui nécessite des haut-parleurs ; il fend les tympans autant que l’opinion publique. CO
Mi-homme mi-biscuit – Bob Wilson, présentateur (2016)
Parce qu’il y a tellement de chansons de Half Man Half Biscuit – et parce que beaucoup d’entre elles semblent totalement impénétrables à la première écoute, soit parce que les références lyriques sont si obscures, soit parce que la musique sonne comme un racket total – je trouve que de nouveaux exemples de Le génie de Nigel Blackwell se révèle lentement à moi chaque année. Le choix de cette année : une chanson qui raconte comment le regretté gardien de but d’Arsenal, Bob Wilson, est devenu l’un de nos diffuseurs sportifs les plus en vue, avec un couplet complètement tangentiel sur le fait d’avoir froid dans la ville irlandaise de Dundalk (« Il pleut de la soupe et j’ai une fourchette » ). Il est difficile de penser à un record qui pourrait être moins pertinent en 2022, et Dieu merci pour cela. TJ
École de mannequinat Handsome Boy et Cat Power – J’ai réfléchi (2004)
Je suis descendu dans un profond terrier de lapin Cat Power plus tôt cette année, poussé par-dessus bord par sa nouvelle collection de couvertures fantastique (et sous-estimée!). En lisant chaque critique de Pitchfork de son catalogue, j’ai découvert I’ve Been Thinking, une collaboration de 2004 avec Handsome Boy Modeling School – Dan the Automator et Prince Paul – qui ne ressemble à rien d’autre dans son catalogue. Il s’agit de cinq minutes de musique soul atmosphérique mielleuse, ancrée par la voix luxuriante et discrète de Cat Power, qui dérive et serpente comme si elle flottait entièrement à partir d’une autre chanson. C’est une musique d’ambiance parfaite, évoquant l’image de Cat Power en tant que chanteur lounge dans un club de jazz underground enfumé. Dakota du Sud
Kenny Wheeler – Musique pour grands et petits ensembles (1990)
Le jazz est un médium plein de Kennys : il y a le smooth jazzer tant décrié Kenny G, le collaborateur de Miles Davis Kenny Garrett, le trompettiste bebop Kenny Dorham, le chef d’orchestre britannique Kenny Ball – la liste est longue. Plus tôt cette année, quelqu’un que j’ai interviewé a fait référence au compositeur canadien Kenny Wheeler comme une influence, alors je suis resté sur sa musique pour grands et petits ensembles pendant que j’écrivais ma pièce. Cela m’a époustouflé. Comme son titre l’indique, Wheeler compose 15 titres pour tout, des big bands orchestraux aux formations en duo avec John Taylor au piano et Peter Erskine à la batterie. Sa suite big band en huit parties canalise le swing succulent de Duke Ellington, s’ouvrant sur une fanfare chorale touchante, tandis que les petits ensembles s’enfoncent profondément dans des mélodies délicates alors que Wheeler glisse et couine sur sa trompette. Il incarne le large spectre de la musique improvisée – faisant de Wheeler probablement mon Kenny de jazz préféré à ce jour. AK
Llwybr Llaethog – Fou ! (1996)
Les éditions de retour de nouveauté et les grosses gouttes sont à l’ordre du jour dans les clubs en ce moment, alors entendre Electro-Sian de Llwybr Llaethog émerger sur une piste de danse cet été était rafraîchissant. C’est un numéro électro explosif avec des sensibilités de dub désorientantes et des cris de guitare mouchetés partout, loin des plaisirs de la foule clairs et accrocheurs qui font le tour.
Fidèle à son titre, le reste du disque est tout aussi dingue. Aux côtés des coupes plus calmes, on trouve des steppers downtempo avec des percussions bancales, de l’électronique extraterrestre et des échantillons vocaux agités en langue galloise. Des intermèdes de bruit ambiant, des moments plus lourds (Llandub) et une tranche de vague froide maussade (Ffanny) ajoutent une couche de calme étrange au chaos. .
Avec son excentricité sordide et ses instrumentaux profonds et bruyants, Mad ! est une collection de sons qui pourraient facilement trouver leurs origines dans l’Allemagne des années 80, le New York des années 90 ou la culture soundsystem londonienne. Son origine dans une ancienne ville minière du Pays de Galles le rend encore plus excitant. SB
Oby Onyioha – Profitez de votre vie (1981)
C’était peut-être sinistrement prévisible, mais depuis mes 30 ans, toutes les «meilleures nouvelles musiques» que j’ai découvertes sont nouvelles pour moi, mais vieilles de plusieurs décennies. Mes incursions occasionnelles dans les charts pop et les listes de lecture tendance de Spotify m’ont donné l’impression d’être un anthropologue dans un pays étrange, où ce que je comprends comme de la musique n’est pas nécessairement pire, mais certainement plus précis, au son métallique, poli et aiguisé. . De plus en plus, j’ai envie de l’équivalent musical du satin ou du velours côtelé : langoureux, voire bouffant ; pas un crochet qui vous attrape par la jugulaire, mais une vibration dans laquelle vous pouvez vous enfoncer comme un sac de haricots.
Je ne sais pas comment j’ai entendu pour la première fois Enjoy Your Life, du chanteur nigérian Oby Onyioha – peut-être dans un mix 6 Music, fidèle à mon âge avancé – mais je l’ai vécu comme un soulagement corporel. Ce rythme à mi-tempo, les cordes prévisibles et les motifs de cuivres, l’escalade minimale de l’énergie sur six minutes : il a toute la soif de vivre du disco, mais il fonctionne toujours si vos seuls vices sont deux verres de rouge et un coucher tôt. Et, mieux que tout ce que j’ai entendu dernièrement, il capture la nécessité de rechercher le plaisir, l’importance de donner la priorité au plaisir, même – ou surtout – quand cela semble insaisissable. C’est votre droit de profiter de votre vie, même à une époque sans précédent. EH
Roy Montgomery – Temple IV (1996)
Cet été, lors d’une interview de Dry Cleaning pour le magazine Mojo, j’ai été chargé de demander à chaque membre du groupe une influence sur leur excellent nouvel album, Stumpwork. Le guitariste Tom Dowse a cité le guitariste néo-zélandais Roy Montgomery et a mentionné qu’il avait déjà fait partie d’un groupe, Dadamah, signé sur le label indépendant américain Kranky. Aimant beaucoup le fait que Dowse joue sur le nouvel album et la sortie de Kranky, j’ai sauvegardé l’album derrière sa chanson la plus populaire sur Spotify, puis je l’ai oublié pendant des mois.
Je ne crois pas vraiment aux forces cosmiques, mais je pense que la musique vous trouve parfois quand elle est censée le faire, et dans une période de désolation personnelle – sans parler d’une semaine sous zéro à Berlin – son album de 1996 Temple IV m’a frappé à Le bon moment. C’est une toundra épaisse et instrumentale de jeu de guitare, alternativement pointu et blanc, coupant la chair de l’os, et lâche, cliquetant et cherchant : une musique dans laquelle vous perdre, pour passer outre la statique de votre esprit. Il est rapidement devenu un favori de tous les temps. Preuve que vous ne pouvez pas battre l’algorithme humain – bien que Spotify ait pris note de mon écoute obsessionnelle et m’ait dirigé vers son nouvel album, que j’aurais autrement manqué, j’ai donc cédé aux privilèges de mon éditeur pour lui commander une interview pour nos pages en l’espoir de créer de nouveaux fans de Montgomery. LS
Takeshi Terauchi – Nippon Guitars (Surf instrumental, Eleki & Tsugaru Rock 1966-1974) (2011)
Découvrir le travail de Takeshi Terauchi cette année a été une bénédiction. Salué à juste titre comme l’un des pionniers de la guitare au Japon, l’influence et le travail de Terauchi ont été soigneusement catalogués par le label britannique Ace Records. Retraçant la carrière de Terachi du boom du surf des années 1960 en passant par les instrumentaux groovy jusqu’aux freak-outs fuzz et funk rock des années 70, sa compilation de 2011 Nippon Guitars m’a charmé dès ses premiers coups de langue percutants. Vous emmenant à travers une décennie d’exubérance et de plaisir, l’instrumentation de Terauchi est toujours acerbe et grésillante. C’est un chemin bienvenu pour se promener. BD
Tangerine Dream – Réseau 23 (1981)
Paul Hartnoll d’Orbital m’a orienté vers ce morceau sur l’album de 1981 de Tangerine Dream, Exit, après que j’ai suggéré que le meilleur travail des géants de l’électronique berlinois était déjà derrière eux à la fin des années 70. Network 23 (qui a par la suite donné un nom au label de Spiral Tribe) est fantastique, un morceau de transe hypnotique qui se construit progressivement. Le rythme motorik rappelle légèrement les pairs allemands Neu! mais il montre aussi clairement la voie de la house et de la techno à un moment où les deux étaient à des années d’ici. La ligne de synthé éthérée qui éclate soudainement à environ trois minutes et 20 secondes est tout simplement glorieuse. Je me considère dit. DS
Taylor Swift – Aujourd’hui était un conte de fées (2010)
Lorsque Taylor Swift a sorti Red en 2012, elle m’a mis dans une prise de tête dont je n’ai pas encore échappé. Ses albums précédents ne m’avaient pas captivé – je les avais jugés à tort comme trop fantaisistes, trop moyen-américains, avec une légère bouffée d’énergie Silver Ring Thing du début des années 2000. Enterré parmi ces premiers disques se trouvait un single non-album appelé Today Was a Fairytale dont je suis récemment devenu obsédé. Ce n’est pas la chanson la plus sophistiquée de Swift, mais sa candeur fait son charme. Quelque chose dans sa simplicité alimente mon système nerveux, créant la nostalgie d’une adolescence innocente que, en tant que personne queer, je n’ai jamais vraiment vécue. Trois écoutes de son refrain planant et je pourrais traverser un mur de briques. La campagne pour que Taylor l’inclue dans sa setlist de la tournée Eras commence ici. JS
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