Sepuis la première de The Tempest à la cour du roi Jacques Ier en 1611, le drame et la comédie finement équilibrés de la dernière pièce complète attribuée uniquement à Shakespeare ont suscité de nombreuses conversations sur la nature de l’oppression, de la liberté et du pardon.
L’histoire du magicien Prospero, usurpé en tant que duc de Milan par son frère et jeté à la dérive avec sa fille de trois ans Miranda sur une « carcasse pourrie d’un bateau », est émotionnellement émouvant étant donné le changement d’avis de Prospero à propos de recoudre ses ennemis, quand il a enfin la chance de se venger des années plus tard, armé de sa cape, de son bâton et de ses livres occultes.
L’histoire est également enracinée dans le racisme de l’assujettissement colonial: lorsque The Tempest a été publié pour la première fois dans le First Folio de 1623, sept ans après la mort de Shakespeare, l’un des deux habitants de l’île que Prospero force à faire son offre, Caliban, a été décrit comme étant, ainsi que le fils de la puissante sorcière Sycorax, « un salut [savage] et slaue déformé [slave]”. D’innombrables productions au cours des 400 dernières années ont obligé ce premier dramatis personae à peindre Caliban, à le courber et à le rendre à moitié humain, dans des représentations insensibles aux peuples colonisés des Premières Nations du monde entier.
Entrez Sydney Theatre Company et son directeur artistique Kip Williams, qui ont opéré radicalement mais bienveillant The Tempest dans une nouvelle production mettant en vedette, parmi un casting de 11, l’acteur Richard Roxburgh, qui apporte une clarté stentorieuse à Prospero, et Guy Simon, un acteur Biripi/Worimi qui est un Caliban charismatique, ici rendu à la dignité humaine dans un texte « nouveau » et un temps de scène prolongé.
Au début, le public ne remarquera peut-être pas les nombreuses coupes de script, mais il y en a beaucoup : plus important encore, les pires insultes de Caliban par Prospero, avec « crasse », « sauvage », « valet difforme », « demi-diable » et un « bâtard » qui est « aussi disproportionné dans ses manières/Aussi dans sa forme », sont tous supprimés.
Williams a interpolé de nombreux discours de différentes pièces de Shakespeare dans cette production, notamment en assemblant un soliloque entier pour Caliban qui commence par emprunter à Hamlet – « Dans le livre et le volume de mon cerveau » – puis passe à « Je pleure de joie » de Richard II. / Pour se tenir sur mon royaume une fois de plus » – modifié comme « s’asseoir sur mon pays une fois de plus » – avant de terminer avec une partie du discours de la « couronne creuse » de Richard, en changeant « Comment pouvez-vous me dire, je suis un roi » en « Comment peux-tu me dire que je ne suis pas un homme ?
Le public de la soirée d’ouverture a applaudi à juste titre ce soliloque. J’étais moins convaincu lorsque des lignes de la scène du balcon de Roméo et Juliette ont été ajoutées à la romance entre Miranda (Claude Scott-Mitchell) et le fils du roi de Naples, Ferdinand (Shiv Palekar), bien qu’il y ait eu une formidable chimie entre les deux. Des lignes telles que « la séparation est une si douce tristesse » sont bien connues au point de cliché, et elles n’ont pas leur place ici.
Cependant, la comédie était au point tout au long: Scott-Mitchell et Roxburgh essorent les rires des répliques du premier acte qui pourraient autrement être repoussées. L’acteur vétéran Peter Carroll est un Ariel aux cheveux longs et merveilleux, son pantalon fumant littéralement et ses mains de jazz s’agitant dans les airs; un coup de casting de génie étant donné que le rôle est généralement joué par une personne beaucoup plus jeune.
La scénographie de Jacob Nash est simple, mais dirige l’œil exactement là où il doit être – un énorme rocher finalement entouré d’un cercle de feu au sommet d’une scène tournante, avec le tonnerre augmenté par l’éclairage de Nick Schlieper. Pour le réalisateur Williams, une telle présentation est techniquement simple par rapport à son utilisation du « ciné-théâtre » dans des productions comme The Picture of Dorian Gray et Strange Case of Dr Jekyll and Mr Hyde.
Cependant, tout ne fonctionne pas. La harpie, battant ses énormes ailes au sommet du rocher, ne semble pas capable de tourmenter les voyageurs naufragés en contrebas. Le bal masqué que Prospero lance en l’honneur de l’union de Miranda et Ferdinand est également décevant, bref et sous-estimé. Dans le scénario de Shakespeare, les déesses spirituelles Juno, Iris et Cere chantent et font danser des nymphes ; dans cette production, nous avons quatre personnes sans visage qui gigotent ironiquement dans des compositions florales.
Le masque, plein de costumes élaborés et coûteux, de décors illusionnistes et d’effets de scène spectaculaires, était un élément central de la vie à la cour du roi James, dont les acteurs de Shakespeare avaient acquis le patronage royal. C’était une déclaration de pouvoir, qui est le cœur de cette pièce. Cette production, cependant, est plus intéressée à révolutionner le scénario qu’à se complaire dans la reconstitution historique. Dans l’acte final, Prospero, qui dans le texte de Shakespeare rejette Caliban sans aucune tentative de rapprochement, s’adresse à lui à la place avec un mashup de Hamlet et Richard II, en commençant par « Pardonnez-moi monsieur, je vous ai fait du tort ».
C’est un revirement remarquable, en particulier si vous pensez que le désir ultime de Prospero de se décharger de ses responsabilités relève davantage de l’auto-préservation que de l’empathie pour les opprimés ou le bien commun. Pourtant, lorsqu’il crie « libérez-moi », les derniers mots éternels de la pièce, peut-être que son pouvoir personnel n’a jamais été aussi grand qu’il le croyait.