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Npas simplement faire basculer le bateau. Faire voler. Billets pour la production de Nicholas Hytner de Gars et poupées sera le plus recherché de la saison. Cette comédie musicale de 1950 (musique et paroles de Frank Loesser, livre de Jo Swerling et Abe Burrows) a tout. Les dialogues et les paroles décollent des nouvelles de Damon Runyon, crépitant et percutant. L’intrigue – reposant sur la collision et l’élision entre les dièses et les salutistes – est énergique, tendre et astucieuse. Les numéros musicaux sont somptueux sans arrêt – en fait, un tel rouleau de gloire que l’embouteillage peut menacer : « showstopper » n’est pas toujours une recommandation lorsque le spectacle doit continuer.
Cette mise en scène ne s’arrête jamais. Alimenté par le design de Bunny Christie, la supervision musicale de Tom Brady et la chorégraphie d’Arlene Phillips avec James Cousins, il oscille de haut en bas et de côté, enveloppant le public sans jamais atténuer l’éblouissement de la performance. Dans ce qui devient une spécialité du Bridge, différentes scènes sont mises en scène sur des estrades qui se déplacent autour d’un public debout de 420 personnes (il y a 600 spectateurs assis). L’éclairage essentiel de Paule Constable et le design de Christie créent un néonorama : calottes écarlates et cursive orange, un poteau de barbier lumineux, une flèche courbée vert citron. Le cabaret Hot Box monte et descend; de l’autre côté, l’épicerie fine de Mindy apparaît ; de la vapeur s’échappe du trou d’homme par lequel les joueurs se glissent dans les égouts.
C’est du théâtre immersif avec un vrai point. Ce n’est pas seulement que vous gagnez de nouvelles sensations fortes, voyez de nouvelles blagues en étant proche de l’action. C’est une histoire urbaine à outrance : elle ne doit jamais se figer en morceaux ; il a besoin d’être bousculé par la ville et de faire face à la rue. Ici, le public est une toile de fond supplémentaire pour les scènes de fuite. Pourtant, les acteurs sont toujours distincts. Dishly donc. Les costumes, signés Christie et Deborah Andrews, sont un jazz de bérets et de homburgs, de grosses vestes à carreaux et de jupes de clinquant qui effleurent les fesses, de corsets garnis de plumes roses.
Et, oh, le frisson de la chorégraphie qui est exacte, du basculement d’un bonnet à la pointe d’une chaussure de co-répondant ; qui traverse de petits espaces sans sembler à l’étroit, et a plus d’éclat que de volants, plus d’expression que d’attitude. Et plein d’innovations épicées : la séquence de danse de La Havane est interprétée par des couples d’hommes : notre héros doit être prisé loin d’un gars en tenue collante ; un numéro de cabaret dirty grind est ingénieux avec des carottes.
C’est une soirée de beau balayage, non dépendante des stars. Pourtant, les pistes sont formidables. Daniel Mays apporte un mélange particulier de sournoiserie et d’amabilité à Nathan Detroit. Andrew Richardson a une aisance en tant que cool Sky, semblant se prélasser dans la chance et la chanson. Dans le rôle de Miss Adélaïde (sûrement la seule héroïne qui ait jamais chanté sur le rhume), Marisha Wallace fait trembler de joie la scène, comme elle l’a fait dans les Young Vic’s Oklahoma! Incarnant la droite Sarah Brown, Celinde Schoenmaker s’envole, fond et se défait de façon spectaculaire, bouton par bouton : jamais la position du missionnaire n’a été aussi captivante. Les hauts lieux musicaux vont au-delà de l’excitation et de la séduction. Au cours des duos amoureux de Sky et Sarah, leurs voix changent pour créer un nouveau mélange de sons, un nouveau départ. Marry the Man Today, sceptique mais affectueux de Sarah et Adélaïde, suggère que cette comédie musicale pourrait aussi s’appeler Dolls & Guys.
Quelque chose se passe sur le visage de Nancy Carroll que je n’ai jamais vu auparavant. Il semble fondre, perdre sa définition : passer progressivement mais irrévocablement d’un équilibre sceptique à un flou anxieux. ça vaudrait presque le coup d’aller voir Marjorie Premier rien que pour ça. Ou pour la façon dont Anne Reid, jouant la mère implacable de Carroll, fixe un large sourire sur ses traits et vous laisse deviner à quel point il exprime tout ce qu’elle pourrait ressentir.
La nouvelle production élégante de Dominic Dromgoole, qui a également des performances habiles de Tony Jayawardena et Richard Fleeshman, fait quelque chose de doucement sondant de la pièce de Jordan Harrison. Légèrement contre toute attente. Situé dans un futur proche dans lequel avoir un iPhone est un signe d’être ancien, l’intrigue tourne autour de l’idée de créer des avatars qui, lorsqu’ils sont nourris de vrais souvenirs humains, pourront reproduire les morts, offrant du réconfort aux personnes endeuillées.
Il a été mis en scène pour la première fois à Los Angeles en 2014, et Harrison mérite des applaudissements pour sa prescience. La question de savoir ce qui compte comme information personnelle reconnaissable est intéressante : par exemple, penser que le seul parfum dont une femme a besoin est un assouplissant. Des dilemmes intéressants au sujet de l’identité sont soulevés : combien pouvez-vous oublier et rester vous-même ? Combien de souvenirs de quelqu’un d’autre pouvez-vous stocker sans devenir cette personne ? Pourtant, bien que rehaussée par la conception intelligente de Jonathan Fensom, dans laquelle le ciel bleu se transforme en constellations insondables, l’action intrigue plutôt qu’elle n’implique, se déroulant habilement mais mécaniquement. Des acteurs doués suggèrent une autre couche : comment un public fait-il la distinction entre les êtres humains et les robots imitateurs ?
La compagnie Flabbergast Theatre porte bien son nom. Ils visent à faire trembler un public. La version rapide et claquante de la troupe La Tragédie de Macbeth, réalisé et conçu par le fondateur Henry Maynard, est animé par les sorcières, trop souvent négligées dans les productions contemporaines. Ces sœurs étranges se transforment en d’autres personnages. Battant sur d’énormes tambours, ils donnent le pouls de l’action.
Dans le vrai style magique, les personnages et les objets deviennent grotesques, parfois comiquement indistincts. Regarder l’action se dérouler, c’est comme voir un objet prendre forme et se désintégrer sur un tour de potier. Tout sur scène est couleur de boue pâle : toile de fond de bâches brunes, costumes rugueux et claquants, visages barbouillés. La direction du mouvement par Matej Majeka fait que les acteurs se déroulent lentement, comme s’ils marchaient dans des sables mouvants ou gesticulaient de manière rigide comme des créatures dans une frise. Le Porter, qui redoutait habituellement un intermède pas drôle, est un clown moderne : se déplaçant avec fluidité, à la voix grinçante, n’éclatant qu’occasionnellement en mots reconnaissables. Il est l’ombre de la terre, à peine vêtu. Il pourrait être le pauvre Tom qui s’est échappé Le Roi Lear.
Vu pour la première fois à Édimbourg l’été dernier, l’effet peut être plus intense qu’explosif, et toujours plus visuel que verbal. Les discours sont ceinturés, comme s’ils sortaient d’un inconscient agité : exclamatifs, parfois (j’étais à une avant-première) peu clairs, et peu variés en intensité, bien que le multitâche Maynard prononce « demain et demain » avec une lenteur résonnante, suggérant que le temps avait vraiment commencé à s’écouler. fluer. Pourtant, la refonte imaginative est frappante, notamment dans les arrangements musicaux d’Adam Clifford, qui mêlent le taiko japonais et la chanson folklorique anglaise. La soirée se termine par un chœur mémorable des Trois Corbeaux. Ces sorcières peuvent se transformer en n’importe quoi.
Notes par étoiles (sur cinq)
Gars et poupées ★★★★★
Marjorie Premier ★★★
La Tragédie de Macbeth ★★★
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