Bavant Othello commence, un affichage multi-écrans monochrome sur scène propose des dates qui défilent à toute vitesse : 1634… 1983… 1994… 1826… 2019 – chacune une année au cours de laquelle la tragédie de Shakespeare a été mise en scène. Cela s’accompagne d’images d’Othellos d’antan, Paul Robeson dominant généreusement. Je n’ai pas pu repérer Olivier (au-delà de la pâleur, peut-être – pâle étant le mot clé), ni Adrian Lester, le dernier et triomphant Othello du National en 2013. nous sommes sur le point de ne voir qu’un exemple – un ajout non définitif aux productions qui l’ont précédé. Et pour renforcer cette approche postmoderne et semi-détachée, la designer Chloe Lamford nous propose un amphithéâtre austère sur les marches duquel le réalisateur Clint Dyer a malencontreusement installé un chœur silencieux d’acteurs, pour réagir par intermittence à Iago à l’unisson – une seconde occupée à distraire spectateurs.
La production commence par une ambiance incendiaire avec des étincelles volant en fond de scène, mêlée à une ambiance funèbre – les acteurs sont vêtus de noir et de gris – comme si l’histoire était finie avant d’avoir commencé (c’est peut-être ainsi que ceux qui ont vu de nombreux Othellos sentir). En dépit de la conception ratée – une conception qui sépare l’entreprise de toute possibilité de Othello étant une pièce de chambre claustrophobe – il y a des performances exceptionnelles pour assurer les tourments de production comme il se doit. L’incomparable Giles Terera, fraîchement apparu récemment dans Blues pour un ciel d’Alabama, également sur la scène de Lyttelton, est un Othello dynamique et d’une vulnérabilité désarmante et toujours léger sur ses pieds, peu importe la lourdeur de son cœur. Il y a une fluidité harmonieuse dans ses autodéfenses verbales – c’est une performance magnifiquement contrôlée. Il est capable aussi de moments d’immobilité profonde où l’on ne perçoit que le dangereux éclair de ses yeux.
Paul Hilton, autre acteur très accompli, ravira ceux qui aiment leurs Iagos ouvertement vilains (j’avoue préférer le frisson des Iagos vraisemblablement « gentils »). Ce Iago a l’air hagard et mal nourri, avec un toupet graisseux et une méchante petite moustache de dictateur. Quand il se parle très tôt, il apparaît comme pathétique avec l’importance personnelle de quelqu’un qui lutte contre un statut inférieur à celui qu’il aimerait avoir. Plus tard, il se transforme en un farceur pratique plus mortel, un méchant pantomime sans pantomime.
Le Cassio frais, honnête et émouvant de Rory Fleck Byrne est un contraste agréable, à la hauteur de la merveilleuse ligne « Cassio a une beauté quotidienne dans sa vie », et Tanya Franks applique une intelligence vive à la collusion stupide d’Emilia avec son mari. Mais c’est Desdémone qui vole la vedette – je n’ai jamais vu le rôle mieux joué. Elle n’est trop souvent qu’un agneau à l’abattoir, un pétale piétiné. Rosy McEwen est courageuse, droite, sa propre femme – et incarne avec émotion la confiance absolue jusqu’au bout. Et en parlant de fins, bien que je comprenne la tentation de couper et de ranger (et Shakespeare est infiniment hospitalier aux changements), pour en finir avec Iago répéter la ligne « Ce que vous savez, vous savez » est aussi grossière que de défigurer le texte avec un surligneur.
Jasmine Naziha Jones est une actrice britannique irakienne qui joue à la Cour royale dans sa première pièce, une exploration semi-autobiographique de grandir en tant que fille d’un père irakien au Royaume-Uni lorsque la guerre du Golfe a éclaté en 1990-91, et dans le années mouvementées qui suivirent. Il n’y a aucun doute sur l’intégrité de Naziha Jones ou sur son talent multitâche. Mais Bagdad (une belle monnaie) est inégalement écrit et une expérience mitigée à regarder. Il est rempli de nouveautés théâtrales qui étouffent l’histoire elle-même. Milli Bhatia dirige avec réticence des clowns hurlants en écarlate et vert qui agissent comme des narrateurs sinistres, percutants et interventionnistes. La sensation est celle d’une école de jeu d’intimidation avec beaucoup de neige carbonique et une confrontation bruyante.
La pièce commence et se termine au McDonald’s (évoqué de manière convaincante par le designer Moi Tran avec des arches blanches gracieuses qui se traduisent parfaitement dans les scènes irakiennes). On assiste à un repas malheureux de McDonald’s alors que papa, joué avec une sympathique gravité par Philip Arditti, est, en compagnie de sa fille, soudainement éteint, la tête, avec son chapeau de fête McDonald’s, tombant dans la prière ou la défaite – difficile à dire. La satire tout au long est mince et le slapstick ennuyeux. Un exemple : trois philanthropes chics, avec leurs cœurs au mauvais endroit, sont exagérés en ricanant – la plupart des efforts caritatifs ne sont sûrement pas si maladroits ?
Mais bien plus sérieusement problématique est la qualité de prêche aux convertis de la polémique finale de Naziha Jones sur le rôle de la Grande-Bretagne dans la guerre en Irak. Il y a fort à parier que personne dans le public de la Cour royale n’aura été en désaccord avec un mot. Il ne faut peut-être pas s’étonner que les moments d’ensemble les plus libérateurs de la soirée abandonnent complètement le discours et se tournent plutôt vers la danse – la guerre comme une discothèque cauchemardesque (la danse du dramaturge prouve une autre de ses forces). Mais au final – et à la fin – l’offrande la plus émouvante et la plus puissante est la plus simple : papa se lance dans le récit de la mort de son frère, un charpentier qui s’est fait tuer alors qu’il se rendait au travail. Ceci est écrit de manière inattendue comme une ballade rimée et magnifiquement livrée, et il n’y a personne pour l’interrompre : il est seul avec l’histoire elle-même.
Notes par étoiles (sur cinq)
Othello ★★★
Bagdad ★★
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Othello est au Lyttelton, Londres, jusqu’au 21 janvier 2023
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Bagdad est au Jerwood Theatre Downstairs, Royal Court, Londres, jusqu’au 17 décembre