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Une exposition est actuellement en cours dans la galerie Lochner, qui, avec ses couleurs exubérantes, contraste remarquablement avec la situation générale sombre, les jours deviennent déjà plus sombres et plus gris. « C’était l’une des raisons pour lesquelles ces expositions ont eu lieu en novembre », explique Josef Lochner. Des tigres regardent du haut des murs, des femmes allongées nues, des serpents, des oiseaux, des chats grimaçants. Et ils brillent tous dans des couleurs merveilleusement riches. En rouge et vert et jaune et bleu.
Ces tableaux fantastiques ont été réalisés par le peintre Corneille, décédé en 2010. Il aurait eu 100 ans cette année. Aux côtés de son ami Karel Appel, il est considéré comme l’artiste d’après-guerre le plus important du Benelux. En plus des peintures, qu’il préfère peindre dans des couleurs acryliques fortes, son travail comprend également de nombreuses estampes. Le fait que leur importance ne doit pas être sous-estimée est démontré par l’énorme effort technique qu’il y a consacré : certaines images montrent une surface granuleuse. Ce sont des soi-disant terragraphes, des impressions sur toile préparée avec du sable. Vous avez besoin de spécialistes pour cette technique.
Le plus spectaculaire, cependant, est le relief en bois de grand format « Les oiseaux jumeaux ». Le papier fait main au format 113 sur 72 centimètres est extrêmement épais et pèse près d’un kilo et demi. Pour les organisateurs de l’exposition Josef Lochner et Gerhard Niedermair, c’était tout un défi – du transport à l’encadrement individuel. L’énorme épaisseur du papier permet un effet tridimensionnel de profondeur comme dans un vrai relief. Voir cela est impressionnant.
L’imagination des enfants et des fous
L’artiste est né à Liège en 1922 sous le nom de Cornelis Guillaume van Beverloo. Il grandit aux Pays-Bas et s’installe à Paris dans les années 1960. Mais ses voyages en Afrique ont eu le plus grand impact sur lui. On le voit dans le style archaïque de la peinture, réduite à l’essentiel. La profondeur de perspective ou les ombres n’y apparaissent pas. La lithographie « Tête de Femme IV » montre une dame bleue devant un fond orange, une autruche bleue nichant sur sa tête, qui ressemble à un chapeau extravagant.
L’art moderne est généralement volumineux, pas aussi audacieux que celui de Corneille, si décoratif, si plein d’esprit. Cela se reflète également dans le nombre de visiteurs de la galerie Lochner. Près de 500 personnes sont venues à l’exposition précédente avec des œuvres de KO Götze. L’exposition Corneille en compte déjà autant. Et il pourrait y en avoir quelques centaines de plus. L’exposition est prolongée jusqu’à Noël.
Le fait que la galerie présente maintenant Corneille après Götze est une coïncidence, mais semble cohérent : tous deux appartenaient au mouvement international d’artistes Cobra, qui a existé de 1948 à 1951. Il a été nommé d’après les premières lettres des capitales des pays d’où provenaient la plupart des membres; Copenhague, Bruxelles, Amsterdam. Götze était le seul Allemand. Les artistes Cobra se sont orientés sur les modèles de l’art préhistorique, sur l’art populaire, sur l’art dit « primitif » qui fascinait déjà Picasso, ainsi que sur les dessins d’enfants et de malades mentaux. Les artistes espéraient que cela leur donnerait un libre accès à l’imagination et au subconscient, et que les sentiments devraient être exprimés aussi spontanément et directement que possible.
« Ils sont les témoins silencieux de mon travail. »
Corneille était encore jeune lorsqu’un marchand bruxellois lui offrit sa première œuvre d’art africain. Elle venait de sortir la figurine en bois sculpté d’une boîte arrivée du Congo belge. Et elle se rendit compte avec horreur qu’elle avait été mutilée. Les organes génitaux saillants avaient tellement offensé les missionnaires de la colonie qu’ils l’avaient sommairement coupé avant de l’expédier. Pour le marchand, la pièce était sans vie et sans valeur.
Pour Corneille, cependant, cette figure est devenue le premier compagnon spirituel du voyage dans une nouvelle sphère de l’art. Environ 600 autres les ont rejoints au fil des ans et ont peuplé ses studios. « Ce sont des témoins silencieux de mon travail », a déclaré l’artiste des années plus tard. « Je ne me sens jamais harcelé par eux. Ils me soutiennent, c’est pourquoi ils sont mes amis. » Pour lui, l’art africain signifiait « un élan, tant pour l’abstraction que pour la figuration, pour la plasticité comme pour la décoration ». Comme le dit un historien de l’art.
envie d’un monde plein d’âme
Ce qui frappe, ce sont les motifs récurrents : palmiers, chats, oiseaux, femmes, on les retrouve sur presque toutes les photos. Pour lui, qui a été pris en charge par ses sœurs aînées même lorsqu’il était bébé, les femmes ont toujours été les créatures les plus importantes, tant dans sa propre réalité de la vie que dans son art : « Pour moi, les femmes sont devenues un dictionnaire de formes et de couleurs, de sentiments et devenir chaleur. »
Ce n’est pas un hasard si ses nus ressemblent parfois à des paysages vivants, avec de belles vallées et des collines luxuriantes. Comme les romantiques, les artistes Cobra aspiraient à restaurer l’unité brisée de l’homme et de la nature. Les peuples animistes des Yoruba, des Bembe et des Igbo ont montré comment cela se faisait : tout avait une âme, tout contenait de la vie. Ainsi, les nus de Corneille incarnent bien plus que de simples individus féminins, ils illustrent l’abondance tropicale et la fertilité de la nature.
L’oiseau qui entoure les femmes dans presque toutes les images est souvent interprété comme un code pour Corneille lui-même : Corneille est le mot français pour corbeau. Et l’artiste appuie également cette lecture lorsqu’il dit : « L’oiseau, et cela s’applique aussi à moi-même, est celui qui est toujours à la recherche de nourriture. Qui doit toujours chercher et trouver, qui doit toujours voler et jamais sans mouvement. peut être. »
« Les Nomades » est l’une des rares œuvres de jeunesse de Corneille que l’on peut voir à la galerie Lochner. Il date de 1948. Dans les années 1960 son style devient beaucoup plus calme et le design plus plat.
(Photo : Toni Heigl)
Un autre terragraph de la série « Cats in Love ».
(Photo : Toni Heigl)
Chez Corneille, les femmes règnent : la lithographie « La Reine du Monde V ».
(Photo : Toni Heigl)
Antidépresseur pour les yeux : Corneille imprime à Pétersbourg la pendaison.
(Photo : Toni Heigl)
Un point culminant absolu de cette exposition est l’impression en relief grand format « Les Oiseaux Jumeaux ». Le papier fait main est si épais que la feuille entière pèse près d’un kilo et demi.
(Photo : Toni Heigl)
Eau-forte avec figure féminine bleue.
(Photo : Toni Heigl)
Dès les années 1940, Corneille voyage en Tunisie, en Algérie et au Maroc. Cependant, cela n’a pas abouti à un contact plus étroit avec les gens et leur culture. Il ne visait probablement même pas cela. « Je veux regarder l’art africain de manière indépendante et non à travers les yeux d’un historien de l’art ou d’un anthropologue », a-t-il déclaré un jour. Son concept artistique n’aurait guère fonctionné autrement.
Les masques et figures africaines ont peu à voir avec l’expression artistique spontanée, ils obéissent à des règles traditionnelles séculaires et ont souvent des finalités cultuelles étroitement esquissées et clairement définies. Corneille l’a caché et l’a aussi consciemment caché. Il ne voulait explicitement pas de masques malades avec des visages effrayants et dévorés ou des figures de démons autour de lui, et il ne voulait pas que leurs grimaces apparaissent sur ses photos. Il a sublimé le magique en quelque chose de décoratif et d’agréable, et il l’a fait avec beaucoup de succès.
Aujourd’hui, Corneille devrait s’accommoder de questions critiques
Ce traitement désinvolte d’autres cultures peut être considéré aujourd’hui de manière critique.Corneille a utilisé ces œuvres comme surfaces de projection et de réflexion pour son propre art, sans tenter une compréhension plus profonde de la signification culturelle des sculptures. Mais il faut toujours garder à l’esprit le contexte historique dans lequel les gens vivent et travaillent : Dans la jeunesse de Corneille, les rues étaient encore peuplées d’infirmes et de traumatisés de la Première Guerre mondiale. Puis vint la terreur nazie et la Seconde Guerre mondiale encore plus horrible.
Dans ce contexte, le désir d’un monde guéri, peut-être à nouveau guéri, doit être considéré avec une certaine patience. Même si on ne le voit pas dans ses tableaux harmonieux, l’artiste a toujours insisté sur le fait que le mal, la laideur et l’abîme y sont aussi contenus. Parfois, vous pensez même pouvoir le sentir lorsque le chat sourit à l’oiseau aux lèvres rouge sang. Et puis sourit. Ces photos vous mettent simplement de bonne humeur.
Corneille, Galerie Lochner, Konrad-Adenauer-Straße 7. Horaires d’ouverture : jeudi : 16h à 19h, samedi : 12h à 15h, dimanches et jours fériés : 14h à 17h et sur rendez-vous, téléphone 08131/667818 ou 0162/4559699.
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