Refigured : l’exposition explore l’identité à travers des mondes alternatifs | Art

UNComme la technologie joue un rôle de plus en plus important dans la façon dont nous développons et incarnons nos identités, le Whitney présente Refigured, une collection de cinq installations d’artistes utilisant l’art numérique pour sonder les intersections de nous-mêmes et de nos machines.

« Je veux créer un langage pour un point d’étalonnage pour savoir où nous en sommes par rapport à notre corps et à la technologie », a déclaré l’artiste Rachel Rossin, en réfléchissant à sa pièce The Maw Of, une œuvre transmédia qui se déploie sur un écran vidéo et un QR. code qui peut activer l’œuvre d’art sur les appareils mobiles des visiteurs. Comme l’a dit Rossin, The Maw Of cherche à « s’attaquer aux boîtes noires de notre corps et de la technologie ».

Sur une bande-son de musique new age, l’animation de Rossin mélange des images viscérales du système nerveux humain, du code démantelé du propre site Web de Whitney, des images qui semblent dépouillées d’une campagne militaire et une figure centrale de manga. Le code QR de la pièce ajoute des éléments de l’animation dans la caméra d’un appareil mobile, tout en ajoutant d’autres effets artistiques et des morceaux de texte énigmatique comme « dans le vide » et « pourquoi fuir la déception ».

Les couches de The Maw Of impliquent une idée centrale de la production de Rossin – comment la technologie s’est éloignée d’être un simple outil de l’humanité et plus vers quelque chose qui se fond directement dans notre conscience. « L’idée de la technologie dont nous avons hérité la définit comme quelque chose que nous ajoutons à nous-mêmes. Et maintenant, ce que la technologie est en train de devenir, c’est que vous commencez à trouver des périphériques pour notre cognition, des périphériques pour notre psychologie.

Faisant écho à l’inquiétude de Rossin quant à la façon dont la technologie s’est progressivement installée au cœur de nos identités, le titre de American Artist’s the Mother of All Demos III fait référence au moment historique du 9 décembre 1968, lorsque Douglas Engelbart et William English ont introduit la souris d’ordinateur et l’interface utilisateur graphique. , ouvrant la voie à l’ordinateur pour qu’il devienne un élément central de notre mode de vie. Plutôt que de décrire la machine qu’Engelbart et English ont utilisée pour leur démo révolutionnaire, Artist propose à la place un ordinateur Apple II, lancé en 1977 et faisant partie d’une vague d’ordinateurs personnels qui a alimenté une révolution.

Dans Mother of All Demos III, Artist, qui a légalement changé de nom afin de protéger son anonymat et de faire avancer ses idées artistiques autour de la noirceur, du travail et de la visibilité, montre un ordinateur Apple II incrusté de saleté défiguré par de l’asphalte noir qui rend le clavier inaccessible. Ce même asphalte représente également des empreintes de mains suggestives de chaque côté du clavier, faisant ressembler l’installation à une scène de crime.

Dans l’œuvre, la noirceur tamisée du terminal informatique Apple II – qui, à mesure que les ordinateurs ont changé, a lentement cédé la place à des moniteurs à dominance blanche – est juxtaposée à l’asphalte suintant et gluant, ce qui semble suggérer que la noirceur ne sera pas si facilement être contenu. L’ensemble de la pièce a quelque chose de la sensation d’un moment prométhéen archétypique où les choses ont changé pour toujours.

Tout comme Artist canalise des tropes séculaires à travers des développements technologiques de pointe, il en va de même pour les autres artistes exposés ici, faisant une ligne majeure de Refigured. Par exemple, Rossin a expliqué comment elle s’est inspirée du mythe du golem pour conceptualiser comment le domaine numérique insuffle la vie à quelque chose d’inanimé. « Ce que je voulais faire, c’est quelque chose qui ressemble plus à un mythe golem, le système nerveux étant projeté dans cet espace hyperréel qui est toujours allumé de manière illusoire. »

L’artiste irano-kurde Morehshin Allahyari, qui s’est inspirée pour son travail de l’histoire du serpent qui rit, qu’elle a interprétée comme une histoire de femmes réclamant l’agence, est une autre qui a réinventé un mythe culturel via la technologie. Le mythe, attribué à un volume arabe médiéval intitulé Le Livre des merveilles, raconte l’histoire d’un serpent en maraude qui est finalement conquis par des hommes qui utilisent un miroir pour retourner le rire du serpent contre lui-même.

Pour son projet, Allahyari transforme la parabole du serpent en un récit hypertexte, mêlant des éléments du féminisme iranien, sa maturité personnelle, son pouvoir et son autonomie. « Je me retourne [the snake’s] le rire et la mort comme une position de pouvoir plutôt qu’une position de faiblesse. Sa destruction de son propre corps est sa façon de prendre le contrôle de son agence corporelle; sa destruction de son corps est sa façon de reprendre son image. Je relie cette histoire au harcèlement de rue, au désir sexuel, à la relation au corps et à l’action du corps, en partant de mes expériences personnelles de grandir en Iran, puis d’autres expériences collectives, et en élargissant cela à ces histoires imaginatives où j’imagine des futurs alternatifs pour notre relation avec notre corps.

Les téléspectateurs traversent l’hypertexte d’Allahyari au moyen de mots mis en évidence, tandis que diverses animations évocatrices en noir et blanc et des sons éthérés créent une ambiance mystérieuse. L’artiste partage ses propres expériences avec diverses formes de sexisme et de misogynie, du harcèlement de rue et divers degrés de violence sexuelle à la violence institutionnalisée contre les femmes. L’hypertexte est à la fois complexe et labyrinthique, ce qui permet de se sentir facilement absorbé par le pouvoir durable et viscéral des mots d’Allahyari. The Laughing Snake implique également des questions de portée limitée du féminisme occidentalisé lorsqu’il est confronté à des cas d’abus sexuels et de sexisme systémique qui se produisent dans une nation comme l’Iran.

Refigured est une exposition fascinante qui parvient à apporter une richesse de diversité d’identités, d’approches et de médias avec seulement cinq pièces. La profondeur et la complexité de chaque œuvre de Refigured en font un spectacle dans lequel on peut s’attarder, chacune de ces cinq œuvres se révélant absorbante et stimulante à sa manière. Il se sent également frais, un reflet du Whitney sortant et trouvant des artistes plus récents dans son espace, et apportant des types d’art moins fréquemment vus là-bas. « Montrer au Whitney est un rêve que j’ai depuis que je suis très jeune », a déclaré Rosin. « J’ai grandi en dehors du monde de l’art, je considérais donc ces espaces comme imposants. C’est excitant de montrer là-bas.