Review: L’attrait particulier des peintures de Rebecca Morris, exposées à Los Angeles

Dans les années 1990, Rebecca Morris a commencé à rechercher des méthodes de construction de peintures abstraites de manière surprenante. Et construire est le terme opératoire – tout comme les synonymes comme construire, fabriquer et ériger. Ses peintures mettent immédiatement le spectateur en position de réfléchir à la manière dont la composition a été réalisée.

Habituellement, de Piet Mondrian dans les années 1920 au minimalisme dans les années 1960, l’idée de construire une abstraction a nécessité de construire le tableau peint avec une géométrie linéaire. Les couleurs de base et les formes géométriques pures ont proposé que l’échafaudage de l’existence soit une «réalité absolue». « Rebecca Morris: 2001-2022 », une enquête bien organisée de 27 peintures des 21 dernières années à l’Institute of Contemporary Art de Los Angeles, tire le tapis de tout cela.

Oubliez l’absolutisme. Le plan plat de la toile et ses bords horizontaux et verticaux sont à peu près les seuls éléments géométriques stricts qui apparaissent dans son travail, et ils sont à peu près standard depuis des centaines d’années dans la longue tradition de la peinture occidentale. L’avion et les bords du cadrage informent sur ce qu’elle fait, ce qui est en partie une détermination à démanteler leur autorité.

Lorsque Morris peint une grille comme armature d’une composition, elle utilise souvent une buse de pulvérisation à main ou peut-être un tube de compression, plutôt qu’une règle et un pinceau bien rangé. Elle ne le garde pas propre. La grille picturale vacille. Les mouvements horizontaux et verticaux de son bras sont enregistrés, ainsi qu’un sens fluide de la coordination œil-main.

La géométrie cède la place au geste.

Mais ce n’est pas un geste émotif, comme le sont la plupart des abstractions expressionnistes. Elle n’affirme pas que sa vie intérieure émotionnelle se manifeste par une marque extérieure de peinture à l’huile sur toile. Au lieu de cela, faire des marques construit l’image.

Et sa couleur est omniprésente, notamment dans des teintes métalliques argentées ou dorées qui reflètent la lumière avec plus d’intensité que d’habitude. Ce n’est pas pur.

Le peintre de 53 ans, né à Honolulu et basé à Los Angeles, a été décrit comme réalisant des peintures qui dégagent une attitude décontractée, ce qui convient certainement. Mais cela ne signifie pas qu’ils sont aléatoires ou désorganisés. Une œuvre sans titre de 2020, plus de 7 pieds de côté, se lit d’abord comme un arrangement de type collage de petites images peintes parsemées avec désinvolture sur un champ vif de bleu cobalt. Ensuite, il commence à se dérouler avec une complexité croissante.

Le bleu n’est pas un champ unifié, mais un réseau dense de traits de peinture courts, fermes et imbriqués appliqués avec un pinceau large. Les éléments de type collage ne sont pas peints au-dessus de la couleur bleue, qui entoure plutôt les formes. C’est comme si les petites images étaient une sous-couche qui transperçait la surface du cobalt.

Cette sous-couche, plutôt que continue d’un bord à l’autre de la surface, est une concaténation de patchs indépendants, tous différents. Un damier noir et blanc moucheté près du coin supérieur droit n’a rien à voir avec un morceau de rayures rougeâtres sinueuses en bas, ce qui est totalement différent des taches roses et grises en forme de cellule en haut à gauche. (Les taches sont des couleurs tachées; Morris peint souvent avec la toile posée à plat plutôt que verticale.) Les quelque 50 taches disparates sont comme des étoiles séparées inextricablement liées dans la galaxie unifiée qu’est la peinture, toutes coexistant joyeusement côte à côte.

Devons-nous les appeler États-Unis ?

L’une des caractéristiques les plus particulières de l’art de Morris est que ses compositions semblent soustractives plutôt qu’additives. Bien sûr, elle a d’abord posé ces 50 petites taches d’abstraction sur la toile, un damier ici et des rayures là, puis a ajouté les traits bleu cobalt autour d’eux, comme pour tout maintenir en place pour faire une grande peinture abstraite. Mais vous en venez à comprendre comment l’image a été construite en travaillant à rebours de ce que vous voyez, en la démontant visuellement et conceptuellement. Vous déconstruisez ce qu’elle a construit. Un équilibre tendu mais ludique entre voir et savoir s’exerce.

Le système se retrouve à nouveau dans une peinture ultérieure qui, plutôt que le bleu cobalt, présente une peinture argentée épaisse et presque visqueuse qui se forme autour des petites taches. La qualité réfléchissante liquide et légère de l’argent complique l’illusion transparente.

Plus tard encore, une toile de près de 10 pieds de haut dans un mince nuage de couleur gris brossé est recouverte d’une grille métallique dorée. La grille n’est pas continue, mais plutôt fracturée en plusieurs endroits, comme si des morceaux avaient été arrachés. Des éclairs de lumière dorée réfléchie animent les intersections statiques de lignes horizontales et verticales, déstabilisant davantage la structure, tout en ajoutant un esprit subtil : des éclairs chargent le nuage d’orage sous-jacent de peinture grise.

Rebecca Morris, «Sans titre (#19-20)», 2020; peinture à l’huile et aérosol sur toile.

(Christopher Knight/Los Angeles Times)

Moins réussies sont plusieurs œuvres qui présentent une forme excentrique – une courbe en dents de scie, que l’artiste appelle une pince de homard. Peut-être la forme dérive-t-elle du mouvement de balayage du bras du peintre qui découle naturellement du travail sur une grande toile horizontale. (Deux d’entre eux sont les plus grands tableaux du spectacle.) Mais le mouvement visuel nerveux semble artificiel, plus dissonant que mystérieux.

L’exposition est habilement organisée par l’ancien conservateur de l’ICA LA, Jamillah James, actuellement au Musée d’art contemporain de Chicago, où il voyage l’année prochaine, et l’assistante de conservation Caroline Liou. Il est divisé en sections basées sur des stratégies formelles partagées entre diverses œuvres, plutôt que sur la chronologie. (Un catalogue est attendu en 2023.) La configuration des murs de la galerie, qui a été fixée depuis un certain temps, a maintenant été ouverte de manière rafraîchissante et spacieuse qui permet au spectateur de croiser visuellement les peintures.

L’accent formel est approprié. À une époque où la peinture figurative avec des récits sociaux distincts a été dominante, alors que la peinture abstraite facile abonde, une belle étude des abstractions avisées et souvent inattendues de Morris est particulièrement désarmante.