Revue Cézanne – gags, montagnes et meurtres dans un spectacle vertigineux et dévastateur | Art

Ple carnet de croquis d’aul Cézanne est ouvert sur un dessin enfantin d’une grande maison sinueuse. Il s’avère qu’il laissait souvent son petit fils l’utiliser. Cette ouverture au jeu d’enfant en dit long sur l’homme, et pas seulement en tant que parent. Car Cézanne a été le premier artiste occidental depuis le moyen-âge à revendiquer la liberté d’un enfant de représenter les choses exactement comme il lui plaisait.

Tout autour de la vitrine contenant ce carnet de croquis se trouvent les peintures de Cézanne de maisons en blocs se chevauchant dans des motifs de carrés et de triangles, de couleur marron et jaune. Ce sont les bâtiments de L’Estaque, un village balnéaire à l’ouest de Marseille, où Cézanne a souvent séjourné avec sa famille – et où il a inventé le cubisme. Dès 1878, dans La mer à L’Estaque derrière les arbres, les murs et les toits des maisons forment un amas déchiqueté de formes plates mais accidentées comme les regards abstraits d’objets que Pablo Picasso et Georges Braque se feront surnommer cubistes pour avoir peint 30 ans plus tard.. Ils étaient fiers de revendiquer l’influence. Regardez l’étiquette et vous verrez qu’elle a été prêtée par le Musée National Picasso-Paris, car elle appartenait à Pablo. Braque, pour sa part, peint ses toiles cubistes révolutionnaires en 1908 à L’Estaque même, en hommage direct à Cézanne.

Pourtant, ce n’est pas seulement dans la masse des maisons cubiques que Cézanne fait voler en éclat la tradition de sa manière patiente et tranquille. La Baie de Marseille, vue de l’Estaque, peinte vers 1885, prend tant de libertés que le cerveau en prend le vertige. Au-delà de la cheminée de l’usine en forme de diamant se trouve une mer bleue qui semble aussi dure que du quartz. Alors que l’eau semble solide, les collines au-delà semblent être en fusion. La peinture peut refaçonner la substance même des choses, dit Cézanne. C’est volontaire et subjectif, comme un croquis d’enfant. Et c’est amusant à faire.

Cézanne le drôle ? Longtemps après sa mort en 1906, il fut l’icône ultime du sérieux dans l’art, ses peintures analysées comme des énigmes philosophiques, son héritage revendiqué par les pionniers les plus intenses de l’avant-garde. Pourtant, il y a un humour espiègle et sournois au cœur de son génie.

Par exemple, êtes-vous sûr que la nature morte est si immobile ? Cézanne peint des arrangements de bouteilles, de plats et de fruits qui non seulement semblent à risque de tomber lorsqu’ils sont en équilibre sur les bords de la table, mais dans de nombreux cas ne peuvent pas être statiques dans la façon dont il les montre. Dans sa Nature morte avec un pot de gingembre et des aubergines de 1893-4, un citron est suspendu dans l’espace, sa forme jaune se tenant clairement fière de la draperie bleue qui coule comme une cascade. Vous voyez ici comment Cézanne a inspiré Matisse, car il peut définir la forme uniquement avec la couleur, de manière à libérer les objets de la gravité. Dans le même tableau, une assiette de poires est inclinée sur le côté, glissant vers le vide bleu, tout en restant en place.

Il rigole, sûrement. On dirait qu’il joue pétanque dans un espace-temps courbe avec ses pommes. Et ce ne sont pas seulement les lois de la physique dont il se moque. Still Life With Plaster Cupid (vers 1894) présente non seulement une pomme refusant de rouler sur une pente raide, mais également deux oignons aux longues feuilles en germination, positionnés de manière à faire allusion au phallus manquant d’un Cupidon moulé en plâtre.

Ce bâillon rappelle que, malgré toute la virtuosité et l’autorité de l’art ultérieur de Cézanne, il était toujours le bohème troublé qu’il avait été dans sa jeunesse. Le spectacle commence par un puzzle : l’une des plus nobles natures mortes matures de Cézanne est juxtaposée à un autoportrait peu sûr et inquiet d’environ 1875, nous regardant faiblement sur du papier peint rose. Comment cet homme a-t-il produit cet art ?

Né à Aix-en-Provence en 1839, Cézanne fréquente l’école d’Émile Zola qui inventera ensuite le roman naturaliste. Et l’art des débuts de Cézanne est tout aussi brut. Dans The Murder (1867-70), un grand personnage maintient une femme avec des bras charnus tandis que l’autre lève un couteau pour la poignarder. Il semble encore plus que Cézanne pourrait traiter des problèmes psychologiques dans The Eternal Feminine, à partir de 1877 environ, dans lequel une femme nue trône, saignant de ses yeux aveugles et entourée d’une foule grotesque d’adorateurs masculins, dont un artiste.

Le jeune Cézanne exprime des pensées dépravées sur le sexe et la mort aussi librement que le poète et critique Baudelaire, qui soutenait que « le peintre de la vie moderne » devrait être un observateur du contemporain. The Negro Scipio, une peinture d’un modèle masculin noir de 1867, s’attarde sur le dos sillonné de l’homme d’une manière qui, selon l’artiste Ellen Gallagher, dans un essai de catalogue et un texte mural, peut être destinée à suggérer le dos fouetté d’un homme asservi.

Il est conventionnel de raconter l’histoire de l’évolution de Cézanne depuis ses premiers travaux turbulents jusqu’à ses réalisations ultérieures calmes et disciplinées, mais la nudité n’a jamais cessé de le fasciner – et ses images de personnes nues ne se sont jamais installées dans la sophistication. Une salle entière de ses nus ultérieurs le montre toujours obsédé par des visions maladroites de la chair féminine dans son tableau de 1885-1887, Five Bathers, dans lequel un groupe de femmes créées par son imagination se réunissent juste pour lui dans un paysage flou en fusion. Et dans Bathers, de 1890 à 1892, une bande de jeunes hommes fait de même.

Ce ne sont pas de vrais nus mais des rêves forgés dans la chaleur de midi provençale. Tout comme les mers de Cézanne sont dures comme la pierre et que son citron flotte dans les airs, ses baigneuses sont son affirmation la plus intense que l’art crée, et non copie, le monde.

Et pourtant il y a un monde. Si Cézanne a commencé par s’en prendre à la réalité avec de la peinture, il finit par découvrir que la seule vérité qu’il puisse connaître est la sienne. Chaque coup de pinceau fracturé des peintures de la montagne Sainte-Victoire qui sont le dévastateur final de ce spectacle est un document de la façon subjective dont nous voyons et comprenons tous le monde. Mais la montagne elle-même est toujours là – un énorme morceau de fait solide. Cela l’obsède pour des raisons que nous ne pouvons que deviner. Ce qu’il y a de beau et d’émouvant chez cet artiste, c’est qu’il démonte la réalité sans jamais cesser de s’en soucier. Cela fait de regarder son art l’une des expériences les plus intenses et les plus extraordinaires que vous puissiez vivre dans une galerie – ou n’importe où.