FLa comédie musicale de rank Loesser de 1950 sur le péché et le salut romantique peut sembler datée dans ses thèmes, mais la production de Nicholas Hytner est un exploit de mise en scène innovante. L’auditorium du Bridge a été radicalement réaménagé pour un public promenant, la scène mobile de Bunny Christie se refaisant continuellement, ses plates-formes s’élevant pour révéler les bars, les clubs et les coins de rue de New York. Ce mouvement crée une distraction par rapport au drame, dans une certaine mesure, mais capture l’esprit de l’histoire originale de Damon Runyon et l’agitation incessante de son « Runyonland ». C’est une merveille de voir des mondes se construire sous nos yeux, accentués par la conception lumière de Paule Constable.
Il y a la possibilité pour certains membres du public de regarder depuis un niveau extérieur de l’auditorium et, ayant choisi de s’asseoir, je me suis senti à regret éloigné des éléments immersifs. Il était clair que le public promenant vivait le spectacle différemment.
Des panneaux lumineux au-dessus de la tête accompagnent les changements de scène, du club dans lequel la showgirl Miss Adelaide (Marisha Wallace, sensationnelle comme toujours) se produit à la mission de l’église Save-a-Soul de Sarah Brown (Celinde Schoenmaker). Cette signalisation, avec sa ressemblance étrange avec celle de la chaîne de restaurants Ed’s Easy Diner, est une méthode astucieuse de signalisation et l’orchestre se produit délicieusement depuis une cabine surélevée entourée d’ampoules théâtrales.
L’histoire et les thèmes de la comédie musicale semblent entièrement non reconstruits par rapport à cette mise en scène audacieuse, avec le livre de Jo Swerling et Abe Burrows et sa langue vernaculaire de rue semblant particulièrement raide. Tandis que Daniel Fish reformule brillamment Oklahoma! – actuellement dans le West End – transforme à la fois le contenu et la forme, cette production n’accomplit que ce dernier et est une mise en scène résolument traditionnelle de l’histoire elle-même, avec des costumes d’époque (costumes de Deborah Andrews) et des personnages exagérément caricaturaux. Les performances sont fortes – en particulier les voix chantées – même s’il y a peu de points de connexion émotionnelle. Wallace donne une interprétation divertissante de Adelaide’s Lament avec le duo plein d’esprit Sue Me, partagé avec le fiancé d’Adélaïde, Nathan Detroit (Daniel Mays). Schoenmaker et Andrew Richardson (en tant que Sky Masterson) insufflent à I’ve Never Been in Love Before une romance.
Il y a un moment potentiellement dangereux dans cette romance centrale entre Sarah et Sky lorsque, pendant leur nuit à La Havane, il est entraîné de manière séduisante dans un corps à corps avec un homme sur une piste de danse de couples masculins torse nu et short. La suggestion que Sky pourrait bien être gay crée une étincelle palpitante de subversion, mais c’est un moment isolé, disparu en un éclair, comme s’il s’agissait d’une scène d’une reconception beaucoup plus audacieuse.
Peut-être à cause de l’ensemble en constante reconstruction, le drame lui-même ne nous entraîne jamais tout à fait, bien qu’il y ait une douce dynamique entre Richardson et Schoenmaker, ainsi qu’une bonne chimie comique entre Wallace et Mays. La chorégraphie (par Arlene Phillips avec James Cousins) ne vole jamais tout à fait, peut-être en raison de la taille un peu exiguë des décors, mais l’effort formel de réinvention de ce spectacle offre beaucoup à admirer, même si je l’ai fait plutôt de loin.