Revue Hubris & Humiliation – cette version étrange de Jane Austen est étonnamment bonne | Théâtre australien

Sydney La saison de la World Pride a commencé : dans toute la ville, des compagnies de théâtre et de performance produisent des œuvres par, pour et sur la communauté queer mondiale – souvent avec une touche locale. Si nous avons de la chance, Hubris & Humiliation, une nouvelle pièce de Lewis Treston qui fait ses débuts à la Sydney Theatre Company, vient de donner le ton pour les semaines à venir : une explosion de créativité et une célébration de la joie queer.

La pièce de Treston, qui a remporté le prix de la nouvelle pièce 2021 au festival de théâtre australien de New York, est un hommage camp aux comédies sociales de Jane Austen. Le garçon de Brisbane Elliott (Roman Delo) se languit de son meilleur ami Warren (Ryan Panizza) pendant plus de la moitié de sa vie. Cependant, toute cette lune doit être mise de côté lorsqu’il est révélé que la mère d’Elliott (Celia Ireland) a été si complètement pêchée que la famille est sur le point de perdre sa maison. Son stratagème pour récupérer les pertes ? Envoyez Elliott à Sydney, où il pourra vivre avec son oncle Roland (Andrew McFarlane), dont il est séparé mais riche, jusqu’à ce qu’il trouve un homme riche à épouser.

Quand Elliott croise le chemin du directeur d’opéra distant William D Cray (à nouveau Panizza), des étincelles jaillissent à la manière de Lizzie et Darcy. Lorsqu’il est révélé que la sœur d’Elliott, Paige (Melissa Kahraman) est également arrivée secrètement à Sydney, évitant une proposition imminente de son petit ami doux mais basique Brendan (Mathew Cooper), des manigances s’ensuivent.

Les enchevêtrements d’amour, de famille, d’argent et de classe chassent ces personnages d’une librairie Dymocks au foyer de l’Opéra de Sydney, d’une fête dans un entrepôt de Marrickville à une brève escale à Berlin, où une artiste radicale (Henrietta Enyonam Amevor) a de quoi faire dire sur la nature de l’amour.

Mise en scène par Dean Bryant, qui traite le dialogue comme une danse entre personnages, cette pièce a un riche sens du rythme et du ton, qui se manifeste sur scène avec une délicieuse musicalité.

Les personnages de Treston parlent dans un mélange enivrant de langage de l’époque de la Régence et de l’argot large et inventif de l’Australie contemporaine – à la fois de la variété régionale, fièrement identifiée comme bogan, et de l’intelligence plus hyperconsciente de la culture queer de Sydney. Cela ne devrait pas fonctionner, mais d’une manière ou d’une autre, cela atterrit parfaitement, du moins en partie parce que l’entreprise est si à l’aise de mettre un pied dans les deux mondes. Les perspectives de rencontres sont comparées au cachet culturel des chips Smith’s et Red Rock Deli, avant que les protagonistes romantiques ne s’engagent dans des plaisanteries fleuries et dévastatrices. Appelez cela le meilleur des deux mondes.

Dans une comédie, le timing est primordial, et Bryant s’assure que l’entreprise n’est jamais décalée. Il y a une quantité vertigineuse de blagues dans le scénario de Treston, et elles font toutes rire au moins une partie du public de la soirée d’ouverture. Il y en a une bonne vingtaine qui semblent faire hurler tout le monde dans la salle. L’humour est agréablement bizarre – imprégné d’amour, même quand c’est coupant – et les blagues sont piquantes mais jamais cruelles.

Dans des rôles que des écrivains moins importants sacrifieraient facilement sur l’autel de la comédie – c’est-à-dire la mère et la sœur apparemment hétéros – Ireland et Kahraman livrent souvent les meilleures blagues et s’enfuient presque avec leurs scènes. C’est une pièce où un clin d’œil signifie tout, et ces deux-là brillent le plus – bien que la compagnie soit uniformément excellente, parfois étonnamment.

L’oncle Roland de McFarlane est une nouvelle entrée dans l’assortiment de personnages gays âgés bien-aimés de la culture pop; son déploiement d’un rebondissement sous la forme d’une anagramme écrite en état d’ivresse de limoncello est une œuvre d’art.

Delo et Panizza, qui font tous deux leurs débuts à la Sydney Theatre Company, grésillent en tant que rivaux et intérêts amoureux, et la performance de Cooper en tant que bon vieux Brendan a un cœur surprenant. Amevor joue deux rôles extrêmement différents et les aborde à la fois avec aisance et audace, jouant avec beaucoup de charme contre Elliott, un poisson hors de l’eau, en tant que son homologue beaucoup plus audacieux.

Ensuite, il y a les gags visuels et les motifs. Sur le magnifique décor d’inspiration Regency d’Isabel Hudson qui convoque à la fois les salles de bal et le port de Sydney, il y a plusieurs scènes de danse avec des partenaires inattendus (chorégraphiées par Sally Dashwood), une scène de relooking et une référence à Baz Luhrmann qui est une surprise trop joyeuse pour être révélée ici . Les costumes d’Hudson sont une confection de couleurs, remplies de références, de glamour et de sensibilités de camp – vous pourriez écrire une thèse sur les chaussures que chaque personnage porte – et ils contribuent à créer ce fantasme romantique queer sur scène.

Les lumières d’Alexander Berlage fournissent à elles seules des commentaires pleins d’esprit, tandis que la composition et la conception sonore de Mathew Frank sont carrément délicieuses, avec des remixes de style Bridgerton Regency de chansons pop, des pièces originales pleines d’esprit et des piqûres de feuilleton dans des moments émouvants, élevant la production à de nouveaux sommets. .

Des adaptations queer d’Austen ont déjà été faites : souvenez-vous de Fire Island l’an dernier, la merveilleuse adaptation gay de Pride and Prejudice de Joel Kim Booster, pour ne citer qu’un exemple récent. Mais Hubris & Humiliation pourrait bien être le plus drôle : zeitgeist-y sans se sentir forcé, camp sans conscience de soi, et juste assez divergent de ces histoires bien connues pour laisser le public deviner.

Hubris & Humiliation est confortablement familier, avec des sensibilités de sitcom, en particulier dans ses configurations de comédie et ses gains, mais il semble toujours nouveau. Combien de fois voyons-nous un travail queer stupide, fier et poli de manière satisfaisante ? Combien de fois avons-nous l’occasion de nous délecter de la comédie queer ? Ça n’arrive pas assez souvent, mais ça se passe magnifiquement ici.