Les commérages peuvent fournir de l’eau sensationnelle à l’appel d’un artiste, pour le meilleur ou pour le pire. Mais pour les auteurs-compositeurs-interprètes dont l’art est souvent diaristique, le scandale est particulièrement intrigant. Ils ne peuvent pas sortir ou jouer leur musique sans que le public se demande à quel point c’est personnel : ces chansons parlent-elles d’eux ? Ce qui se passe sur scène est-il en fait une performance ? Comment ont-ils écrit ces paroles ? Qu’est-ce qu’ils pourraient retirer d’être les sujets d’une telle attention?
Basé sur le roman à succès de Taylor Jenkins Reid, Daisy Jones et les Six comprend que les musiciens sont confrontés à une tension inhérente entre leur vie professionnelle et leur vie privée. Le groupe titulaire et fictif au centre de la série est clairement calqué sur Fleetwood Mac, le célèbre groupe des années 1970 dont l’album le plus réussi est arrivé au milieu d’un drame relationnel choquant et de querelles internes. Mais si les fans se sentaient attirés par Stevie Nicks et Lindsey Buckingham parce que leurs performances avaient un air mystérieux – ces ex se regardaient-ils ou se regardaient-ils, même des décennies après leur rupture ?marguerite jones élimine la mystique entourant une telle dynamique.
Malgré un format de docu-séries semblable à celui de VH1 Derrière la musique, le drame amazonien se préoccupe moins d’examiner l’agitation du processus créatif que de décrire des triangles amoureux prévisibles qui se transforment, à travers 10 épisodes, en formes plus compliquées. Le spectacle a l’air et le son polis, capturant magnifiquement l’esthétique terreuse de l’époque et produisant un album impressionnant de vers d’oreille. Mais c’est un raté ensoleillé qui réduit ce qui aurait pu être un regard fascinant sur la profondeur de la connexion artistique à un feuilleton superficiel. C’est une mélodie entraînante, en d’autres termes, sans message.
Lorsque Daisy (jouée par Riley Keough), une artiste solo à la voix douce, rencontre Billy (Sam Claflin), le puissant leader d’un groupe au succès modeste, ils se heurtent immédiatement. Daisy pense que l’écriture de Billy est trop sèveuse; Billy ne pense pas que le groupe ait besoin d’un autre membre. C’est un terrain de narration riche, mais la série ne s’intéresse pas à la façon dont ils surmontent leurs approches différentes de leur travail. Bien que leur attirance mutuelle soit une partie importante du roman, la série télévisée met davantage l’accent sur leur fréquentation, et la majeure partie du temps passé à l’écran est consacrée à des enchevêtrements romantiques artificiels ou compliqués qui ne figurent pas du tout dans le livre. Le groupe semble composé de triangles amoureux : Karen (Suki Waterhouse), la claviériste, rivalise avec un fan pour l’affection du guitariste, Graham (Will Harrison). Eddie (Josh Whitehouse), le bassiste du groupe, est amoureux sans partage de la femme de Billy, Camila (Camila Morrone). Et Camila, qui se méfie du style de vie de son mari dans le livre mais lui fait néanmoins confiance, est réécrite ici comme une menace cachée pour l’attachement de Billy et Daisy.
Toute adaptation apportera des changements pour s’adapter à un nouveau support, mais marguerite jones peine à justifier ces altérations notamment. En jouant le drame romantique, la série passe sous silence le conflit principal des personnages: choisir une vie stable loin des projecteurs ou s’en tenir au plaisir de faire la fête d’être une célébrité du rock and roll. Reid a construit des affaires émotionnelles au service de l’exploration de cette idée : Daisy, par exemple, représente à quel point le fait d’être sur la route peut être tentant pour Billy. Dans la série, cependant, elle n’est que l’autre femme et Camila est la partie lésée.
Au-delà marguerite jones, les séries scénarisées sur les musiciens ou l’industrie de la musique semblent allergiques à la musique. Empire était plus sur le psychodrame se déroulant dans une famille puissante; Nashville a été mis à genoux par des intrigues distrayantes, dont une sur une course à la mairie, malgré le lancement d’une multitude de morceaux bien écrits. Roadiesla comédie dramatique Showtime de Cameron Crowe, autrefois maître chroniqueur des hauts et des bas de la vie du groupe, se concentrait également rarement sur les roadies eux-mêmes.
Créer de la musique peut avoir des enjeux importants. Les chansons que Daisy et Billy écrivent et chantent s’inspirent de leur propre vie intime, mais sont jouées dans des stades pleins d’étrangers. Le roman prend soin d’explorer les effets de la réalisation d’un travail aussi dénudant. Reid écrit sur les tendances au contrôle de Billy, y compris son habitude de retravailler l’instrumentation de ses camarades à leur insu; elle détaille à quel point leur directeur de tournée, Rod (Timothy Olyphant), et leur producteur, Teddy (Tom Wright), sont essentiels à leur succès stratosphérique. Le spectacle, cependant, néglige les affrontements artistiques du groupe, sous-utilise Olyphant et Wright (ainsi qu’une grande partie du reste de l’ensemble bien moulé), et ne remet jamais en question à quel point Billy et Daisy placent leur puissance de star avant le bonheur général du groupe. L’acte d’écrire et d’enregistrer des chansons est relégué à des montages ennuyeux de la distribution gribouillant des notes, pinçant des cordes et hochant la tête en rythme.
Au milieu de la saison, Daisy et Billy partagent une scène rare de travail ensemble, revoyant méticuleusement les paroles qu’ils ont écrites. Elle suggère de remplacer le mot il avec nous pour resserrer l’accent de la chanson et lui donner un penchant personnel. Le simple changement transforme la piste et approfondit le lien de la paire. Nous voyons comment la musique affecte directement leur relation, et vice versa. « C’est tout un sentiment quand ça marche », remarque Billy. Si seulement la série puisait plus souvent dans ce sentiment.