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Cela aurait dû être une tâche facile pour l’équipe sonore de « Maestro » — la Symphonie de la Résurrection de Mahler jouée dans la cathédrale d’Ely en Angleterre. Normalement, ils préenregistraient la musique et la lisaient pendant que les musiciens et le chef d’orchestre Leonard Bernstein (joué par Bradley Cooper) mimaient. Mais ce n’est pas ce que Cooper, également co-scénariste et réalisateur du film, souhaitait. Il travaillait à la direction d’orchestre depuis six ans et pensait que la performance serait plus authentique s’il dirigeait réellement la pièce.
Le mixeur son sur le plateau, Steven Morrow, s’en souvient comme d’une proposition terrifiante : prendre la prise de vue de 200 membres de chœurs et d’orchestres se produisant en direct dans une cathédrale qui fait écho. Il s’est donc blotti contre le mixeur de réenregistrement Tom Ozanich, avec qui il avait également travaillé sur « A Star Is Born » de Cooper. Sur ce film, ils ont enregistré tous les chants en direct, mais là, c’était différent.
« Avec le chant, il est plus difficile de faire semblant », note Morrow. « Avec la musique, on peut faire semblant un peu. Mais l’expérience globale de cette performance et de l’orchestre jouant cette musique sort de l’écran parce qu’elle est réelle. Et tout le film est joué de cette façon, là où c’est réel. Si vous le trompez, vous en perdez une partie.
Ils avaient trois jours pour l’obtenir. En plus de leurs propres micros Dolby Atmos sur les timbales, les cors et les solistes d’opéra, ils ont embauché Classic Sounds of London, qui a déjà enregistré la cathédrale d’Ely. Seize microphones étaient installés au total, certains suspendus au-dessus.
Bradley Cooper incarne Leonard Bernstein dans « Maestro ».
(Jason McDonald/Netflix)
« Le premier jour a été un échec dans l’aspect direction d’orchestre », se souvient Ozanich. Il est nominé deux fois cette année, pour « Maestro » et « The Creator », ce qui porte à quatre son total de nominations aux Oscars. «Bradley était vraiment doué pour avoir l’instinct de savoir qu’il n’était pas génial. Et l’Orchestre Symphonique de Londres est suffisamment bon pour l’ignorer, passer à autre chose et faire son truc. Alors, il est venu et a dit que nous allions recommencer. Nous allons faire un long plan de Technocrane. Et l’orchestre est venu vers lui après et lui a dit. « C’était ça, vous l’avez vraiment dirigé. » Donc, je pense que c’est là que réside la décision d’aller en direct plutôt que de faire semblant, parce qu’il pouvait le ressentir dans sa propre performance la veille, ce n’était pas si génial.
La scène du film est à peu près la prise décrite par Ozanich – un plan de Technocrane de six minutes sous la direction de Cooper, entrecoupé d’un rouleau B de musiciens et de membres de la chorale. Il s’agit d’une reproduction édifiante et d’une simplicité trompeuse de la performance originale de 1973, avec la caméra se déplaçant au rythme de la musique.
L’autre grand défi du film est venu avec les scènes de fête, qui sont nombreuses. La méthode habituelle consiste à prendre les directeurs au micro et à mettre en place des effets de groupe en post. Pas sur « Maestro ». Les scènes de groupe ici nécessitaient que tout le monde soit pris en charge. Cooper avait vu un film que Morrow et Ozanich avaient réalisé avec Jason Reitman, intitulé « The Front Runner », dans lequel ils avaient pris tout le monde au micro dans des scènes de foule et avaient demandé la même chose.
« Lorsque vous demandez aux gens de faire semblant de parler, ils exagèrent à l’excès lorsqu’ils le font parce qu’ils ne le font pas réellement », note Morrow. Avec autant de gens parlant en même temps, ils se saignent dans les micros des autres, lui créant des maux de tête. « D’autres micros captent quelqu’un et cela produit des choses étranges sur le son. Donc, vous devez être capable d’esquiver ce genre de choses. Et le groupe et la foule d’effets qui s’y trouvent contribuent à le remplir et nous donnent quelques couches de profondeur.
«C’est une avalanche d’audio», déplore Ozanich. « C’est une tonne de dialogue parce que vous y êtes enfermé et lorsque vous faites des allers-retours entre les prises, il va y avoir des sauts. »
L’audio a été orchestré tout au long, comme avec une symphonie, y compris chaque détail depuis la prestation rythmique des lignes de Cooper (qu’il a maintenu entre les prises), jusqu’au chant des oiseaux en arrière-plan d’un décor bucolique, en passant par une soudaine rafale de vent. Une telle attention portée à l’artisanat fait partie de ce qui a valu au film sept nominations aux Oscars au total, dont celle du meilleur film et du meilleur acteur principal pour Cooper.
« Il est très intéressé par la collaboration plutôt que par le fait que les travailleurs fassent leur travail », dit Ozanich à propos de Cooper. « Il veut que vous ayez une opinion, que vous y apportiez votre contribution et que vous y participiez. Je l’ai vu apprendre très rapidement sur « A Star Is Born ». On pouvait dire qu’il devenait un étudiant du son. Il essayait de le comprendre.
Ozanich et Morrow ont été nominés pour « A Star Is Born » et Ozanich en a reçu un autre pour « The Joker ». Ils travaillent actuellement ensemble sur « Joker : Folie à Deux » et Morrow travaille sur « Juror #2 », retrouvant Clint Eastwood, avec qui il avait travaillé sur « The Mule » en 2018.
« Nous avons réalisé un set serré pour être sûrs de ne pas perdre de temps précieux », dit-il à propos de sa collaboration avec l’icône de 93 ans. « Tout le monde est sur la même longueur d’onde et essaie d’obtenir ce qu’il veut. » Quant à la légendaire méthode d’Eastwood en une seule prise, il déclare : « J’ai toujours entendu cela, mais en travaillant avec lui, il sera heureux d’en prendre une ou deux autres. Et si les acteurs le disaient, puis-je en avoir un autre ? Aucun problème du tout. Il le leur donne. Mais pour la plupart, nous ne faisons pas beaucoup de prises. Clint est très concentré sur ce qu’il veut.
Pour Ozanich, la reconnaissance de ses pairs qui accompagne une nomination est une récompense en soi. « Il y a tellement d’artistes et de personnes formidables dans ce secteur qui m’ont inspiré et j’admire le travail qu’ils ont accompli. Et que ces gens disent : « Whoa, vous avez fait un très bon travail là-dessus ! » C’est le prix. « Maestro » est un travail sonore très unique et on ne sait jamais vraiment si les gens vont l’obtenir ou l’apprécier pour ce qu’il est. Donc, je pense que ce serait la chose la plus importante. Wow, ils l’ont compris.
La première nomination de Morrow était pour « La La Land ». « Quand nous avons perdu, je me suis senti dévasté pendant des semaines parce que vous pensez que c’est tout, je ne serai plus jamais nominé. Ensuite, cela arrive encore quelques fois et maintenant, je ne sais pas, il faudrait me demander après la victoire, si nous gagnons. Mais j’ai l’impression que c’est une expérience spéciale d’être inclus dans la discussion sur ce que les gens ont trouvé génial pour l’année. Pour moi, c’est tout. Regardez un gars comme Bradley qui a été nominé 12 fois et n’a pas gagné. Je ne pense pas que cela diminue la quantité de sacrifices qu’il a consentis pour y arriver. Je pense que c’est la même chose pour nous tous. Mais vous espérez que les producteurs qui vous embauchent habituellement ne pensent pas tout d’un coup que vous valez le double du prix, car vous ne serez plus jamais embauché.