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HEt debout sur les hanches, les pieds écartés, la tête haute et penchée sur le côté, les yeux fermés en signe de concentration, la monumentale femme noire en bronze patiné or de Thomas J Price nous domine. Ignorant notre présence et notre regard, elle est éclairée contre un mur sombre. Immobile dans un instant perpétuel, c’est comme si elle écoutait de la musique qu’elle seule peut entendre. Basé sur des scans 3D de personnes rencontrées par Price à Londres et à Los Angeles, As Sounds Turn to Noise est le portrait de quelqu’un qui n’existe pas, mais qui est présente dans tous les sens, propriétaire de l’espace qui l’entoure.
Toujours la main sur la hanche, l’autoportrait de Claudette Johnson se dresse devant un décor dérivé des Demoiselles d’Avignon de Picasso. Johnson lance au spectateur un regard sinistre, presque accusateur. Si elle joue avec l’engouement de Picasso pour ce qu’il considérait comme l’exotique et le primitif, elle le fait en étant plus réelle et plus présente que ses têtes en forme de masque. Elle ne joue pas avec la nature dans la culture de qui que ce soit.
L’imaginaire, le réel et le souvenir se côtoient dans The Time is Always Now à la National Portrait Gallery, une exposition qui fait la navette entre les époques et les lieux, entre sculpture et peinture, et entre fiction, folklore et histoire. Sous-titrée Artists Reframe the Black Figure, l’exposition fait bien plus que cela, et ses 22 artistes figuratifs noirs du Royaume-Uni et des États-Unis remplissent l’exposition d’images saisissantes et parfois alarmantes. Il est également rempli d’histoires fragmentaires, notamment celles des artistes, avec leurs propres lignées et les histoires de la diaspora.
Peu de temps après la mort de sa mère, Nathaniel Mary Quinn est rentré de l’école et a trouvé l’endroit abandonné, son père et ses frères et sœurs partis. Ils étaient perdus dans la rue, à cause du jeu, de l’alcool et de la drogue, et il ne les a plus jamais revus. Les peintures de Quinn sont une confusion d’identités. Les visages sont écartés. Ils se gonflent et se gonflent, leurs parties composites – nez, yeux, lèvres et joues – sont coincées dans une cohérence rapiécée. Ces gens sont sur le point de se désintégrer ou d’imploser à tout moment. Ils sont provisoires, se maquillent à la volée. C’est l’auto-invention à son paroxysme. Les images de Quinn sont pleines de failles et de problèmes.
Elles sont à l’opposé des peintures frontales statiques et posées d’Amy Sherald. Celles-ci ont une immobilité et un décorum calculés dans lesquels de petits détails – une fermeture éclair sur une robe, des ongles peints – nous clouent à l’euphémisme. Célèbre pour son portrait officiel de 2018 de la première dame Michelle Obama, le travail de Sherald réduit la variété des tons de peau à des valeurs tonales en niveaux de gris, peignant la couleur en termes de noir et blanc.
Il y a ici des choses formidables et troublantes. Les personnages et les sujets de Kerry James Marshall sont presque sans relief, d’un noir dense. Marshall peint une femme noire sur un lit, comme si elle était éclairée par un puissant projecteur blanc. Sauf qu’elle reste une silhouette, le disque de lumière ne parvenant absolument pas à l’éclairer (regardez de plus près – le supposé ovale de lumière est une serviette blanche placée sous elle). Dans une autre œuvre, une peintre noire travaille seule, un autoportrait peint par numéros. Il n’y a pas de noir sur sa palette. L’art de Marshall est entièrement consacré aux représentations de la noirceur et à ce que signifie être un artiste noir dans une institution et un monde de l’art historiquement blancs.
Certaines des peintures ici demandent presque un film, un roman ou une leçon d’histoire. Quelle est la relation entre les deux gars qui semblent poser pour un instantané dans Right Hand, Wing Man, Best Friend et All the Above d’Henry Taylor ! Ou entre les protagonistes du Capitaine et du second de Lubaina Himid, ou dans sa scène d’inquiétude à bord du célèbre navire négrier Le Rodeur. Cela ressemble à un tableau d’une tragédie grecque sur le point de tourner au sang. Vous ne pouvez pas non plus regarder les peintures de feu Noah Davis sans penser que quelque chose de terrible est sur le point de se produire, si ce n’est déjà fait. Il y a des cadavres dans la cour et les poteaux sont surmontés de monticules de crottin doré et quelque chose qui ressemble à une batte de baseball ou à un missile traverse les nuages dans son Black Wall Street, 2008, qui commémore le massacre racial de Tulsa en 1921. Il s’agit d’un image hantée.
Pourquoi la formidable Harriet Tubman, esclave en fuite et abolitionniste, pointe-t-elle une arme sur le type qui patauge à ses pieds dans Harriet Tubman de Kimathi Donkor en route vers le Canada ? Nous sommes sur le chemin de fer clandestin, la liberté en vue. Cela ressemble à une scène d’un reportage sensationnaliste du XIXe siècle.
Parfois, le spectacle célèbre la vie ordinaire, si tant est qu’elle existe. Toyin Ojih Odutola peint la vie imaginaire d’une riche famille nigériane aux États-Unis, entièrement fictive, et Jordan Casteel peint un homme âgé avec qui elle s’est liée d’amitié dans la rue de Harlem. Nous revisitons le salon de coiffure de Birmingham où Hurvin Anderson se faisait couper les cheveux quand il était enfant, et finissons dans la caverne bondée d’un club de reggae avec Denzil Forrester. Nous sommes peut-être en Jamaïque, mais nous nous souvenons également des clubs londoniens de la jeunesse de Forrester. Tout bouillonne et saute. Itchin and Scratchin de Forrester a du futurisme, du cubisme, des cheveux agités et un haut-parleur géant qui hurle dans la lumière bleue. C’est un tableau merveilleux, drôle, intelligent et plein de vie. Allez là-bas.