Commentaire : Rédemption, en gros, dans le divin ‘Omar’ de LA Opera

« Omar », le nouvel opéra des compositeurs Rhiannon Giddens et Michael Abels, trouve sa force dans la simplicité de la prière.

L’œuvre, trop fluide pour être classée dans des genres musicaux ou dramatiques distincts, est dérivée de l’autobiographie d’un érudit musulman ouest-africain nommé Omar Ibn Said, qui a été enlevé et envoyé en Amérique, où il a été réduit en esclavage dans les Carolines. Ses mémoires de 1831, rédigées en arabe, racontent sous une forme voilée le cheminement spirituel d’un homme qui, brutalisé par l’histoire, a réussi à conserver la foi de son peuple.

Cette production de l’Opéra de Los Angeles, qui a débuté samedi sous la direction de Kaneza Schaal au Dorothy Chandler Pavilion, suit l’exemple du livret de Giddens en se concentrant sur la lumière intérieure d’Omar. La saga du protagoniste est décrite dans des scènes épurées qui vont de ce qui est aujourd’hui le Sénégal à travers le déchirant et meurtrier Passage du Milieu à un bloc d’enchères en Caroline du Sud, qui mène directement à l’abîme de l’esclavage.

Le cauchemar dans lequel Omar se réveille défie l’entendement. Enchaîné à des étrangers qu’il ne peut pas comprendre, il est privé de la consolation d’une langue, d’un patrimoine et d’une communauté partagés. Il n’a que sa religion et une seule question sans réponse : Pourquoi ?

Jamez McCorkle monte sur scène en short et un t-shirt Alice in Chains avant de revêtir la tenue d’Omar, un rôle qu’il donne vie dans toute sa magnificence spirituelle. La production met en avant qu’il s’agit d’une interprétation artistique de matériel historique – le présent remontant au passé dans une tentative de compréhension mutuelle.

Dans son exploration de la musique de la diaspora noire, Giddens, deux fois lauréate d’un Grammy qui a suivi une formation de chanteuse d’opéra au Oberlin Conservatory, a canalisé la recherche d’archives vers des formes perdues depuis longtemps à travers le filtre de ses propres instincts de country, folk et jazz. Son mode est syncrétique et pluraliste. Elle a émis des réserves sur le terme Americana, ne voulant pas être limitée par la terminologie. Mais de toute la musique composée aujourd’hui, la sienne pourrait être l’expression la plus claire de l’expérience américaine, dans toutes ses teintes et tonalités variées.

L’intériorité d’Omar de McCorkle a une gravité écrasante. Il s’agenouille en prière, cherchant perspicacité et direction. Ses vêtements sont recouverts d’écriture arabe, la même écriture qui est projetée sur des canevas et des écrans. La parole est sainte pour lui. L’écriture offre un chemin de rédemption de la souffrance insignifiante.

McCorkle, qui a créé le rôle d’Omar lors de la première de l’opéra cette année au Spoleto Festival USA, a un ténor qui vibre d’une sombre gloire. Même lorsque le livret semble squelettique, McCorkle fournit un poids émotionnel. La sincérité méditative de la performance m’a laissé la tête baissée.

En tant que mère d’Omar, Amanda Lynn Bottoms apporte une dévotion maternelle qui transcende la tombe. Après sa mort, elle reste proche de son fils, le rassurant que ses difficultés ne sont pas sans un plan divin. Le chant de Bottoms, d’une beauté d’un autre monde, porte la sagesse aimante qui permet à son fils d’endurer ses épreuves abominables.

Jouant le rôle d’une femme esclave qui tente d’aider Omar au début de son voyage et le retrouve plus tard dans des circonstances moins graves, Jacqueline Echols confère à Julie un rayonnement sublime. Giddens garde implicite la nature de la relation de ce personnage inventé avec Omar, maintenant ainsi la teneur spirituelle de l’histoire, une qualité qu’Echols sert avec la pureté obsédante de sa soprano.

Le premier acte d' »Omar » a du mal à trouver son rythme. La simplicité du livret demande un certain temps d’adaptation. Le manque d’expérience de Giddens dans l’intrigue dramatique se révèle au début. De plus, les paroles de certains airs sont nettement moins originales que la musique qui les sous-tend. Les chanteurs, cependant, alchimisent tout dans le son le plus hypnotique.

La deuxième mi-temps commence par un coup d’éclat visuel. Omar, aujourd’hui en prison, est poétiquement encerclé par des tonnes de ses écrits. Dans la prison de Fayetteville, en Caroline du Nord, après avoir échappé aux abus dans une plantation de Caroline du Sud, il n’a aucune idée que sa vie est sur le point de changer.

Owen (Daniel Okulitch), un propriétaire de plantation plus gentil, est conduit à la prison par sa fille, Eliza (Deepa Johnny), qui est émue par la piété d’Omar et supplie son père de l’acheter et de l’emmener chez eux. Les mots qu’Eliza chante sont banals, mais le son derrière eux est la force du destin.

Le contraste dans les plantations est schématiquement dessiné. (La production sape quelque peu cela en faisant jouer Okulitch au propriétaire cruel de la plantation qui prend un plaisir sadique à briser Omar, mais c’est comme si Omar avait été envoyé de l’enfer dans un spa de villégiature.)

Il est entendu que la bonté relative d’Owen est en partie un effort pour apaiser le sentiment anti-esclavagiste. Il est également entendu que son intérêt pour Omar a beaucoup à voir avec la perspective de convertir un musulman instruit au christianisme.

Mais certains peuvent penser que l’accueil chaleureux qu’Omar reçoit des travailleurs asservis de la plantation d’Owen efface la dure réalité de la situation du personnage. Une gambade planifiée qui met en scène une danse joyeuse sur les rythmes compulsifs d’un orchestre à cordes oublie que les conditions derrière cette fête ne sont pas volontaires.

Mais l’accent est délibérément mis sur la survie des Noirs. Tout comme le tragédien grec s’est concentré sur les moments de choix et de libre arbitre dans les intrigues de personnages circonscrits par le destin, Giddens et Abels recherchent des moments de liberté dans la vie de personnages privés de ce droit humain fondamental.

Jamez McCorkle en tant que personnage principal de la première sur la côte ouest de LA Opera de Rhiannon Giddens-Michael Abels « Omar ».

(Cory Weaver)

La seconde moitié s’approfondit au fur et à mesure que le parcours d’Omar et celui de l’opéra lui-même se précisent. La partition évoque parfois la partition indélébile de George Gershwin pour « Porgy and Bess », mais elle ne suit pas la même tradition qui a inévitablement conduit au brûlant « Fire Shut Up in My Bones » de Terence Blanchard, la première œuvre mise en scène au Metropolitan Opera de New York écrite par un compositeur noir.

Abels, un compositeur de films connu pour ses partitions éclectiques pour les films de Jordan Peele « Get Out », « Us » et « Nope », est clairement à l’aise pour habiter les zones hybrides du drame musical vers lesquelles Giddens gravite naturellement. « Omar » trace une ligne entre le concert mis en scène, l’opéra grandeur nature et le service religieux.

La vivacité imaginative de l’équipe de conception est aussi essentielle au succès de la production que l’agilité du chef d’orchestre Kazem Abdullah, qui guide habilement l’orchestre à travers les styles africains, musulmans et américains. Visuellement et acoustiquement, le caractère terreux de l’œuvre prend un relief éthéré.

« Omar » invite le public à se souvenir de la vie de tous ceux dont les histoires n’ont pas été écrites en considérant le miracle de celui qui a réussi à transmettre la sienne. C’est un matériau douloureux mais aussi triomphant, malgré l’impossibilité d’une fin heureuse. Omar revit, grâce à la puissance indomptable de ses mots, désormais portés par la musique de l’histoire.