jen 1964, la Compagnie du Théâtre National met en scène Othello avec Laurence Olivier jouant le commandant militaire en blackface. La nouvelle production de Clint Dyer parle de l’histoire trouble de la performance de la pièce dans son optique d’ouverture, peut-être même du fantôme d’Othello d’Olivier lui-même. Il y a des affiches d’anciennes productions projetées sur Chloe Lamford un ensemble contemporain de rechange et un nettoyeur frotte le sol. Il met en place une refonte conceptuelle – une sorte de nettoyage.
Mais nous sommes pris à contre-pied dans le sens où, pendant une grande partie de ses trois heures, cet Othello se déroule comme un thriller traditionnel qui vire parfois au mélodrame. Une nouvelle vision vient cependant, à couper le souffle, dans une demi-heure radicale à la fin quand on a l’impression que Dyer révèle une autre pièce sous l’histoire que nous connaissons sur la jalousie et la méfiance dans laquelle Othello est un héros imparfait qui commande nos sympathies. Cette autre pièce traite de la tragédie de la violence domestique. Les femmes ne sont pas réduites ici à des victimes alors que les hommes, dont Othello, sont des abuseurs contrôlants et toxiques. C’est une interprétation presque évidente, une fois que nous l’avons vue et entendue, mais cela donne à la pièce une sensation totalement nouvelle.
Jamais le discours sur les femmes et les maris (« Si les femmes tombent »), prononcé par la femme de chambre de Desdémone, Emilia (Tanya Franks), n’a eu plus de sens. Elle est l’autre femme maltraitée de la pièce aux côtés de Desdemona, tremblant visiblement en compagnie de son mari violent, Iago, et portant une ecchymose sanglante sur un œil. Franks vole la vedette avec la scène et devient le héros de cette production.
Rosy McEwen est également discrètement radicale dans son rôle de Desdemona, sans jamais minauder ni avoir peur. Elle apparaît comme l’égale d’Othello, malgré son manque de lignes, et bien qu’elle et Othello de Giles Terera n’aient pas une chimie passionnée, il y a de la tendresse et du respect mutuel entre eux, jusqu’à ce qu’il se retourne contre elle.
Terera, pour sa part, apparaît comme une figure contemporaine tout en portant l’héritage de l’esclavage sur son corps (un patchwork de cicatrices de lacération sur son dos). Nous le regardons s’effondrer mais ressentons du dédain lorsqu’il prétend avoir « trop bien » aimé sa femme après l’avoir assassinée.
Iago de Paul Hilton, quant à lui, est le personnage le plus hammi sur scène. À l’opposé de Iago cérébral et apparemment sans prétention de Mark Rylance, Hilton a une méchanceté comique surdimensionnée et apparaît comme un croisement entre une figure de Joker de style Marvel et un méchant pantomime qui aurait pu errer par erreur sur le plateau du spectacle adjacent du théâtre, Hex .
La production ne semble pas tout à fait solidaire dans sa vision, passant de ce qui ressemble à la tragédie grecque (il y a un chœur de mimes) au mélodrame moderne. Les tropes de thriller sont efficaces mais exagérés, avec le tonnerre, la pluie, des sons déchiquetés, des battements de tambour, des braises de feu sur un écran arrière, des projecteurs soudains et des tourbillons d’obscurité. Le chœur semble représenter des démons intérieurs; ils apportent de la chair de poule, mais aussi des scènes mystifiantes comme celle dans laquelle ils émergent masqués, tenant des boucliers de police.
Il reste très regardable et bien rythmé avec de bonnes performances de soutien de Rory Fleck Byrne en tant que sérieux Cassio et Jack Bardoe en tant que Roderigo. C’est un Othello qui ne ressemble à aucun autre, son personnage central étant un méchant et non un héros – un nettoyage de la pièce, en effet.
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Au National’s Lyttelton theatre, Londres, jusqu’au 21 janvier. Dans les cinémas du Royaume-Uni à partir du 23 février et dans le monde le 27 avril via NT Live.