Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 wordsETout le monde a raison de dire qu’avec la mort de John Olsen, une longue et ininterrompue tradition de la peinture australienne a pris fin. C’est la représentation européenne blanche du paysage, avec toutes ses identifications profondes et convaincantes et toutes ses hypothèses tacites et peut-être indicibles. Mais l’art important – peut-être même le grand art – comme celui d’Olsen, nous en dit long sur qui nous avons été, qui nous sommes et peut-être qui nous pourrions être, si on y regarde d’assez près. C’est le grand legs d’Olsen à ce pays.Prenons sa série emblématique You Beaut Country du début des années 1960 : un certain nombre de représentations exubérantes et virtuoses du paysage australien – ou plus précisément un voyage dans le paysage australien – avec des incidents picturaux empilés les uns sur les autres, des arbres courbés autour d’horizons planant invraisemblablement au milieu de la toile et ses spectateurs ou spectateurs éparpillés et souvent inséparables de ce qu’ils regardent.Ou prenez la peinture murale tout aussi emblématique Salute to Five Bells, qui se trouve dans le hall de l’Opéra de Sydney depuis le début des années 1970. Basé sur un poème de Kenneth Slessor sur un homme qui se noie dans le port de Sydney, un mur vertical de bleu se dresse, dans lequel de petits incidents narratifs flottent comme des poissons ou des crevettes flottant dans l’eau. Mais comme dans You Beaut, nous sommes enveloppés, entourés et noyés dans la peinture, se repliant comme elle le fait autour de nous sur les murs de l’Opéra.John Olsen contemplant Salute to Five Bells dans son studio en 1973. Photographie : Robert Walker/Art Gallery of New South WalesD’où vient tout cela ? Comment représente-t-il une relation typiquement « australienne » avec l’endroit où nous vivons ? C’est une longue histoire, mais on pourrait revenir à la série de paysages Wimmera de Sidney Nolan, peinte pendant la seconde guerre mondiale. Nolan voulait capturer quelque chose de ce qu’il ressentait comme la distance et le vide du paysage australien et alors qu’il était stationné dans des tours de garde censées protéger les champs de blé de l’ouest de Victoria contre l’invasion japonaise, il a eu une épiphanie. Il exprime l’éloignement du paysage en adoptant une perspective aérienne, comme s’il regardait de haut ce qu’il voyait. D’où les hauts horizons de la série et les routes et voies ferrées pointant vers le ciel, qui représentent, si l’on y réfléchit bien, le basculement du paysage face à lui dans la galerie.C’est la perspective que Fred Williams a adoptée dans son Steep Road de 1959, et c’est aussi la perspective qu’Olsen utilise dans son travail. C’est une façon géniale pour les Européens de saisir le vide apparent du paysage, son immensité et son inconnu. Et tandis que le paysage s’élève à notre rencontre, nous en faisons nous-mêmes partie. Ce serait comme si nous appartenions ici, faisions partie de cet endroit où tant d’entre nous sont arrivés récemment.Il suffit de regarder la peinture espagnole d’Olsen en 1960, son élaboration précoce d’une série de peintures espagnoles. Informel artistes avec son pinceau lâche et ses étendues audacieuses de toile noire, mais à gauche, nous avons un profil d’avion indiquant la perspective aérienne adoptée. Ou pensez à son œuvre Void de 1975, basée sur un voyage au lac Eyre au milieu de l’Australie-Méridionale, dans laquelle nous semblons immédiatement être un aigle tournant sur le point de fondre sur des animaux buvant à un point d’eau et un moustique dans l’eau regardant vers le haut. à l’aigle qui tourne au-dessus.La rencontre espagnole de John Olsen, 1960. Photographie : © Art Gallery of New South WalesLa perspective aérienne saisissante d’Olsen lui permet, selon ses mots, de « tout comprendre », une expression profonde de cette immensité vide que les Européens ressentaient pour caractériser le lieu dans lequel ils vivaient. Mais aussi, comme l’indique le titre Void, c’est une expression de terre nulle, du paysage autrement inhabité. C’est certainement une accusation complexe dans le cas d’Olsen, dont les toiles sont si pleines de clameurs et d’incidents, par opposition à la vacance de Nolan et Williams. Mais la perspective panoptique distanciée est révélatrice.ignorer la promotion de la newsletterInscrivez-vous pour enregistré pour plus tardRattrapez-vous sur les trucs amusants avec le récapitulatif de la culture et du style de vie de Guardian Australia sur la culture pop, les tendances et les conseilsAvis de confidentialité: Les newsletters peuvent contenir des informations sur les organisations caritatives, les publicités en ligne et le contenu financé par des tiers. Pour plus d’informations, consultez notre Politique de confidentialité. Nous utilisons Google reCaptcha pour protéger notre site Web et Google Politique de confidentialité et Conditions d’utilisation appliquer.après la promotion de la newsletterLes enfants d’Olsen ont été sensés en reconnaissant les artistes des Premières Nations dans leur annonce de la mort de leur père, mais ce qui peut sembler vraiment étrange, ce sont les similitudes entre une grande partie de l’art autochtone et celui d’Olsen. Prenez les coups de pinceau largement gestuels de Yam Dreamings de l’artiste Utopia Emily Kame Kngwarreye, qui s’élèvent également verticalement sur la toile. Ou les lignes caressées de montagnes ocres de l’artiste de Kintore Ronnie Tjampitjinpa apparemment empilées les unes derrière les autres.Le spectacle vraiment important à présenter maintenant, peut-être en commémoration d’Olsen, serait une histoire du paysage australien depuis les eucalyptus verticaux de Bailed Up de Tom Roberts (1885) jusqu’au fouillis ensoleillé de Golden Summer d’Olsen (1983) et jusqu’à les plaques de rue scintillantes et grattées de l’artiste Yolngu Wanapati Yunupingu. L’art d’Olsen, comme tout grand art, nous offre une manière de penser notre Réconciliation terrestre.
Source link -57