Customize this title in french L’habitude du théâtre est brisée. Comment les théâtres font-ils revenir les gens ?

Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 words Je suis critique de théâtre du Times Charles McNulty, remplaçant cette semaine Carolina A. Miranda. Habituellement, les nouvelles du théâtre ralentissent un peu après la Prix ​​​​Tonymais l’annonce choquante que Groupe de théâtre du centre arrêtera la programmation au Forum Mark Taper a tiré la sonnette d’alarme dans le monde des arts. Ça a été une semaine tumultueuse, alors rattrapons-nous ensemble. Qu’est-ce que le public du théâtre veut de toute façon ? Mais je voulais d’abord aborder un sujet auquel j’ai beaucoup réfléchi ces derniers temps dans mon rôle de critique de théâtre. C’est une question à laquelle les directeurs artistiques et les producteurs se sont penchés avec encore plus d’anxiété : que veulent les spectateurs du théâtre d’aujourd’hui ? Fluff insouciant? Une distraction plus sensationnelle ? Ou quelque chose peut-être plus profond et plus difficile mais pas si évanescent ? Les baisses de fréquentation ont rendu cette question plus urgente. La pandémie de COVID-19 n’a pas seulement fermé les salles pendant 18 mois. Cela a brisé l’habitude d’aller au théâtre. Les théâtres régionaux ont particulièrement du mal à remettre les morceaux de leur public. Les abonnements sont depuis longtemps un élément fondamental du plan d’affaires du théâtre à but non lucratif. Mais débordés d’options de divertissement à domicile, les anciens abonnés préfèrent la flexibilité des ventes de billets uniques. Pourquoi s’inscrire pour une saison alors que vous pouvez choisir ce que vous voulez vraiment voir ?La réponse évidente est de soutenir un organisme culturel de votre communauté. Mais les liens communautaires se sont effilochés. L’une des conséquences de la commercialisation du théâtre à but non lucratif pendant des décennies est que les mécènes ont été reconvertis en consommateurs par des entreprises qui ont été forcées de compter de plus en plus sur les revenus du box-office. À l’intérieur du théâtre Kirk Douglas. (Ryan Miller / Capturer l’imagerie) L’achat d’un billet pour un spectacle est devenu aussi transactionnel qu’un voyage au centre commercial. La loyauté que le fondateur de Taper Gordon Davidson inculqué à son public est malheureusement devenu un vestige d’une époque révolue.Notre culture et notre économie numériques n’ont fait qu’aggraver la déconnexion sociale. Les files d’attente Netflix et les flux de médias sociaux ont rendu les silos pour un plus luxueux que jamais.Mais la question de savoir ce que veulent les spectateurs n’est pas la même que ce qui les incitera à acheter un billet. Le succès des émissions récentes suggère que la bonne célébrité à l’affiche mettra toujours des mégots dans les sièges, quelle que soit la qualité du véhicule. « La puissance de la voile » aucun chef-d’œuvre, était la production d’abonnement de saison la plus vendue de l’histoire de Geffen Playhouse. L’arme pas si secrète de cette production 2022 était sa star, Bryan Cranstondont la performance était tout ce que vous espériez qu’elle pourrait être dans une pièce dont j’ai eu du mal à me souvenir quelques jours plus tard.j’ai écrit récemment sur Public de Broadway enrichissant mon expérience de « Dans les bois, » « Parade, » «Sweeney Todd: Le démon barbier de Fleet Street» et «Fat Ham». Le vacarme des spectateurs à chacun de ces spectacles était différent en volume, ton et excitabilité générale. Dans « Parade », par exemple, vous pouviez entendre une mouche tomber pendant que les spectateurs suivaient l’histoire du procès et du lynchage antisémite de Leo Frank. Dans « Sweeney Todd », il y avait une électricité bruyante, qui avait en partie à voir avec le chant magnifique (et le fandom joyeux) de Josh Groban et en partie à voir avec le génie de Stephen Sondheim.Unir ces offrandes disparates était la concentration palpable dirigée vers l’avant-scène. Un groupe d’étrangers a été converti par l’ancienne alchimie du théâtre en un organisme collectif de pensée et de sentiment. Le théâtre en tant qu’institution a peut-être évolué, mais le public n’a pas fondamentalement changé depuis qu’il a commencé à se rassembler lors de festivals dramatiques dans la Grèce antique. Ce qu’ils veulent, c’est être absorbés, se perdre quelques heures dans une vision plus grandiose qui laisse leur cœur et leur esprit un peu plus grands que lorsqu’ils ont pris place. Une bonne histoire bien racontée est une méthode éprouvée pour obtenir cet effet, mais ce n’est pas la seule méthode. Il est possible d’être ravi par la virtuosité, ou l’esprit éloquent, ou la brillance intellectuelle. Être absorbé n’est pas la même chose qu’être hypnotisé. Ce n’est pas un appel aux théâtres pour revenir à un menu exclusif de réalisme domestique, avec son quatrième mur invisible brouillant la frontière entre l’art et la vie. Il existe de nombreuses voies vers la catharsis – ou son alternative. Le dramaturge, poète et metteur en scène allemand Bertold Brecht, l’une des figures révolutionnaires du théâtre moderne, était résolument anti-aristotélicien. La pitié et la peur n’étaient pas pour lui. Il ne voulait pas que l’identification émotionnelle court-circuite la pensée critique. Mais il a tout de même fourni au public des récits captivants qui abordaient leurs préoccupations sociétales les plus pressantes.La narration publique est la source du pouvoir du théâtre. Shakespeare a conquis les Londoniens élisabéthains harcelés non pas en prononçant des homélies, mais en s’emparant de leur imagination morale dans des fils dramatiques irrésistibles. Sans un tel enchantement, cette forme d’art vénérable n’est qu’un autre TED Talk. « L’artiste n’est pas là pour inculper, ni pour faire la leçon, ni pour haranguer, et encore moins pour enseigner », a déclaré le réalisateur britannique. Pierre Brook a écrit dans son traité classique de 1968, « L’espace vide ». « Il fait partie d’« eux ». Il défie véritablement le public lorsqu’il est le point culminant d’un public déterminé à se défier lui-même. Il célèbre avec un public le plus vraiment quand il est le porte-parole d’un public qui a un terrain de joie.« Jambon gras » James IjamesLe riff lauréat du prix Pulitzer sur « Hamlet » confirme la sagesse des paroles de Brook. La pièce, qui fait partie de la prochaine saison du Geffen Playhouse, invite le public à reconsidérer une histoire qui a atteint le statut de mythe théâtral. Ijames utilise la convention shakespearienne des apartés et des soliloques pour développer un rapport étroit avec ceux qui se sont réunis pour cette mise à jour audacieuse.En procurant du plaisir, « Fat Ham » incite le public à repenser ses hypothèses sur une tragédie célèbre. L’édification et l’illumination suivent la joie. Le modèle commercial brisé du théâtre ne sera pas résolu par quelques bonnes histoires. Mais si les spectateurs ne reviennent pas, il est peut-être temps de réfléchir à ce qu’ils ont manqué. Sur et hors scène Le monde du théâtre est encore sous le choc de l’annonce de l’arrêt de la programmation du Mark Taper Forum. Je me suis assis avec le directeur général du Center Theatre Group Meghan Pressman et directeur artistique entrant Snehal Desaï pour savoir exactement comment et pourquoi cette décision draconienne a été prise. La conversation, comme je le note dans la colonne, « était sombre mais éclairante – autant pour ce qui a été révélé involontairement que pour ce qui a été dit carrément ».j’ai aussi revu Volontéc’est « Aller chercher de l’argile, faire l’homme » au Center Theatre Group Théâtre Kirk Douglas. La pièce, sur l’improbable amitié entre champion poids lourd Mohamed Ali et comédien hollywoodien Stepin Fetchit alors que la renommée d’Ali atteignait son apogée et que la carrière de Fetchit était en disgrâce auprès des leaders des droits civiques, est rehaussée par deux performances principales extraordinaires: Ray Fisherqui incarne « la force et la bravade de Muhammad Ali », et Edwin Lee Gibsonqui « tracasse et balbutie en tant que Stepin Fetchit tout en conservant la dignité d’un survivant rusé ». Stéphanie J. Block et Sebastian Arcelus. (Los Angeles Times) Journaliste culturel du Times Ashley Lee a une charmante entrevue avec Sébastien Arcelus et Stéphanie J. Block »deux acteurs de Broadway, mariés depuis 15 ans et jouant un couple marié sur scène, [who] ont passé les six derniers mois en tournée nationale » de la reprise acclamée de Stephen Sondheim à Broadway et James Lapinla comédie musicale « Into the Woods ». Arcelus, qui joue le boulanger, et Block, qui joue la femme du boulanger, parlent ouvertement de la façon dont leurs personnages touchent certains aspects douloureux de leur propre mariage. Contributeur de temps Barbara Isenberg a un souvenir personnel touchant du parolier de Broadway Sheldon Harnickdécédé à 99 ans. Mieux connu pour ses paroles de comédies musicales…

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