Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 words
jeCes dernières années, de nombreux livres à succès ont réinventé la vie de femmes injustement damnées dans la mythologie grecque. Circé de Madeline Miller s’attaquait à la fille sorcière d’Hélios et Perse, capable de transformer les humains en loups, lions ou cochons, tandis que Stone Blind de Natalie Haynes reconsidérait la Méduse aux cheveux de serpent, dont le regard avait le pouvoir de pétrifier. Toutes deux racontent leurs mythes d’un point de vue féministe et il n’est pas surprenant qu’elles aient bien réussi. Les contes épiques et les poèmes qu’ils ont remodelés ont été racontés par des hommes, écrits par des hommes et, jusqu’à récemment, traduits par des hommes, certains d’entre eux faire tourner les mots et les significations pour correspondre à un certain récit. Depuis des millénaires, les mythes ont fourni une inspiration constante aux artistes, qui ont transformé leurs moments les plus passionnants et les plus cruciaux en peintures ou en sculptures. Mais, comme les traducteurs, ces artistes ont souvent exagéré et manipulé le récit, perpétuant l’idée selon laquelle les hommes sont les héros, les femmes les tentatrices ou les trophées.
Miller et Haynes ont été à juste titre félicités pour leur nouvelle approche. Mais et s’il y avait quelqu’un qui faisait quelque chose de similaire il y a 250 ans ? C’est ce que je trouve extraordinaire dans l’exposition de la Royal Academy de Londres consacrée à Angelica Kauffman, une peintre qui a défié tous les pronostics pour se hisser au sommet du monde de l’art, dans une société encore plus masculine que la nôtre aujourd’hui.
Il existe de nombreuses raisons pour lesquelles cette peintre suisse du XVIIIe siècle a connu un énorme succès, de son travail méticuleux au pinceau à ses représentations éblouissantes de plis, de fils et de tissus. Mais Kauffman était aussi un grand conteur. Comme ses contemporains néoclassiques, elle fait revivre le monde antique et ses protagonistes, réels et imaginaires, à travers la peinture – mais contrairement à eux, elle travaille dans une perspective sympathique aux personnages féminins. De tels points de vue sont presque inconnus dans l’histoire : par défaut, les femmes étaient davantage représentées comme des objets sexuels que comme des êtres humains.
Prenez Cléopâtre, reine d’Égypte au premier siècle avant JC. Célèbre pour sa vie amoureuse tumultueuse, elle est normalement représentée en train de se suicider, après avoir découvert que Marc Antoine est mort. Presque invariablement, Cléopâtre est représentée belle et, pour une raison quelconque, nue. Kauffman, cependant, a emprunté une voie différente, présentant plutôt la reine comme une veuve en deuil, vêtue de robes blanches, déposant soigneusement une guirlande de fleurs sur la tombe de son mari.
Ou prenez Circé, l’herboriste qui vivait seule sur une île envahie par Ulysse et ses hommes. L’artiste du XIXe siècle John Waterhouse l’a peinte avec un regard maléfique déversant son poison, tandis que son contemporain John Collier a représenté un nu séduisant dans un bois, drapé sur un tigre tandis qu’un léopard se repose à ses pieds. Pourtant, Kauffman l’a représentée – plus d’une fois – entièrement habillée, sur un pied d’égalité, en conversation ou même en négociation avec Ulysse. Son portrait semble également plus fidèle au texte source du poète Hésiode, considérant Circé comme Ulysse guidé et soigné.
Poussant ces histoires plus loin, Kauffman a commencé à s’insérer dans l’œuvre. L’Autoportrait de l’artiste hésitant entre les arts de la musique et de la peinture, de 1794, fait référence à une parabole antique dans laquelle Hercule choisit entre le vice et la vertu. Mais contrairement à lui, Kauffman choisit entre ses deux cheminements de carrière. Enfant, elle était une prodige musicale mais, comme le démontre l’existence de cette œuvre, elle a choisi cette dernière. Les trois versions d’elle-même – musicienne à gauche, artiste à droite, figure vacillante au milieu – évoquent également les Trois Grâces. C’est peut-être une façon pour Kauffman de dire que les femmes, généralement confinées au rôle de muses, peuvent être ambitieuses, talentueuses et très intelligentes.
Kauffman exigeait des prix comparables à ceux de ses contemporains masculins, était l’une des deux femmes membres fondatrices de la Royal Academy (l’autre étant Mary Moser) et était assez rusée pour se lier d’amitié avec les érudits et les artistes les plus acclamés de l’époque, qu’elle a immortalisés dans peinture. Mais elle connaissait très bien les limites auxquelles les femmes étaient confrontées.
Un tableau officiel de Johan Zoffany représentant les académiciens royaux fondateurs montre Kauffman et Moser à peine présents – ils apparaissent sous forme de portraits sur le mur du salon de vie, suggérant leur exclusion pour des raisons de genre. Mais Kauffman a montré comment les femmes ont trouvé le moyen d’étudier le corps nu – une formation de base requise pour tout artiste. Dans Design, une cocarde habituellement placée au plafond à l’entrée de la Royal Academy, une jeune artiste dessine minutieusement le torse du Belvédère, un marbre fragmentaire musclé découvert à Rome. Cela montre à quel point les femmes du XVIIIe siècle devaient travailler plus dur.
Un critique a qualifié l’émission de Kauffman de « trop polie ». Cela semble très péjoratif. Pour moi, cette exposition – comme les livres de Miller et Haynes – vise à revisiter des histoires anciennes, à amplifier le point de vue féminin et à offrir une compréhension plus nuancée de celles-ci, tant dans la fiction que dans les faits.