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MLes mémoires d’axine Beneba Clarke de 2016, The Hate Race, étaient un récit puissant et poignant de l’enfance d’une fille noire dans la banlieue australienne dans les années 80 et 90. Lyrique et furieux, il a placé le poète né à Sydney et basé à Melbourne sur la carte comme l’un de nos meilleurs conteurs. La course à la haine est depuis devenue partie intégrante des programmes d’études des lycées, renforçant ainsi son importance en tant qu’histoire de la diaspora.
L’adaptation scénique, également écrite par Clarke et co-réalisée par Courtney Stewart et Tariro Mavondo, est une expérience différente mais tout aussi émouvante. La scène, conçue par Zoë Rouse, est simple : un sol aux motifs abstraits avec plusieurs plates-formes basses disséminées autour, un grand fond en demi-lune et une seule guitare acoustique au fond. Parfois, une lumière voyageuse divise la scène et disparaît aussi vite qu’elle vient.
Nous commençons, comme dans le livre, avec Maxine au présent, lors d’une promenade avec ses enfants lorsqu’elle est victime du racisme de la part d’un inconnu. Puis, un retour en arrière sur son enfance dans la banlieue conservatrice de Sydney, auprès d’un père jamaïcain et d’une mère guyanaise : lorsque le racisme était à la fois direct et occasionnel, et intériorisé par Maxine avant de se diriger vers l’acceptation de soi.
Tous les personnages de l’histoire de Clarke, de Maxine elle-même à sa famille et à ses pairs, sont interprétés par Zahra Newman, qui a également lu le livre audio de The Hate Race. Newman n’est pas étranger au one-woman show, ayant incarné Billie Holiday dans Lady Day au Emerson’s Bar & Grill l’année dernière et la prochaine production solo de Dracula de la Sydney Theatre Company cette année. Sa gamme est brillante – elle est aussi convaincante qu’une jeune enfant bavarde qu’une enseignante au fort accent, une brute impitoyable dans la cour d’école ou une aînée jamaïcaine parlant le patois.
À un moment donné, Newman lance rapidement des extraits de dialogue issus d’une conversation rapide entre plusieurs personnages – c’est impressionnant et fascinant. Elle s’amuse aussi avec cela, avec une interaction avec le public qui ne brise pas le personnage, et un moment où son rire, une partie essentielle de la scène, semble complètement authentique. Le fait que tous les rôles soient joués par Newman fait ressortir la claustrophobie dans la tête de Maxine – c’est un choix judicieux pour cette série, tout en mettant également en valeur l’un des meilleurs acteurs australiens.
La seule autre personne sur scène est Kuda Mapeza, qui sert à la fois de musicien (leur voix au ton de miel est magnifique) et de sorte d’écho à Newman, fournissant des cris et des sons onomatopées. L’expérience de Clarke en tant que poète de la parole est ici plus évidente dans le mélange de techniques et de textures ; Le personnage de Mapeza pourrait également être considéré comme un guide spirituel ou un ami, ou peut-être même une autre partie de Maxine elle-même. Le rôle de la musique dans cette histoire est central, à la fois comme chagrin et comme joie.
L’enfance de Maxine est, à bien des égards, typiquement australienne : elle adore Cabbage Patch Kids (l’apparition surprise d’une de ces poupées, l’un des seuls accessoires sur scène, est un délice), déteste John Farnham et mange les recettes du Women’s Weekly. Les références à la culture pop émaillent le spectacle – l’interprétation par Mapeza du single Accidently Kelly Street des années 90 de Frente!, accompagnant la rêverie de Maxine sur ce que serait sa vie si elle était blanche, est un moment fort.
Elle ne se considère pas comme différente, mais les conversations écoutées entre ses parents révèlent leurs craintes pour leurs enfants et leur solitude en tant que migrantes. L’incarnation de Bordeaux par Newman, le père de Maxine, est particulièrement imposante.
En effet, malgré l’enfance largement heureuse de Maxine, l’ombre du racisme est toujours présente au coin de la rue et se manifeste de différentes manières tout au long de la série. Contrairement au livre, Clarke a fait le choix ici d’omettre les insultes racistes, et la scène la plus puissante de la série l’est d’autant plus avec leur implication.
Maxine, maintenant au lycée, essaie d’aller aux toilettes mais des intimidateurs lui bloquent le passage, lui ordonnant de leur dire « ce que tu es ». « Dites le mot », répètent-ils, et le moment monte en intensité avant de s’arrêter. L’éclairage de Rachel Lee et la conception sonore de Dan West fonctionnent en tandem pour créer une atmosphère incroyablement tendue : à contre-jour, les yeux de Newman sont sauvages, clignotant presque blancs alors qu’elle devient complètement autre chose. Il est donc dommage qu’une scène où Maxine devient elle-même l’intimidatrice raciste ait été quelque peu diluée dans cette adaptation – un moment de confrontation dans le livre qui atterrit avec moins de force sur scène.
Pour une histoire si profondément ancrée dans le traumatisme, ce spectacle est souvent très drôle. Ce mélange d’humour et de sérieux est ce qui rend l’adaptation scénique de The Hate Race si convaincante et réelle. Comme Clarke l’écrit tout au long de son livre : « C’est ainsi que cela s’est passé, ou bien à quoi sert une histoire. »