Customize this title in french Revue Unravel – un nœud enchevêtré magnifiquement excessif d’un spectacle, plein de sang, de douleur et de plaisir | Art textile

UN une aiguille perçant un œil, l’image cousue avec des cheveux humains. Une autre aiguille dans un mamelon et une troisième cousant les lèvres pour les faire taire. Détachés du corps, les cheveux humains peuvent être des déchets – il y a quelque chose d’abject et d’horrible à ce que les cheveux obstruent un évier – et ils peuvent être un souvenir sentimental conservé dans un médaillon. Cela peut devenir un fil conducteur. Vous pouvez dessiner avec ou coudre avec. Dans cette œuvre, l’artiste hongkongaise Angela Su fait les deux. Vous avez besoin de vous rapprocher et vous voulez vous éloigner. Elle nous donne quelque chose d’elle-même rempli de douleur.

Les sacs de terre hydropiques et gonflés de Solange Pessoa s’affaissent et se gonflent comme des sacs d’intestins dans un hamac. Le corps en sisal de Magdalena Abakanowicz est suspendu au-dessus, aussi lourd et sombre, aussi masqué et mystérieux qu’une chauve-souris suspendue dans une grotte. Une petite femme rose cousue, de Louise Bourgeois, flotte au-dessus de son ombre, tombant à jamais. Parfois, il est impossible de savoir ce que l’on regarde : comme quelque chose entre une partie du corps et un sous-vêtement extraterrestre, Babelana Ngentloko (« ils partagent une tête ») de l’artiste Xhosa Nicholas Hlobo traîne de longs rubans ressemblant à des tentacules derrière un cuir blanc bombé. poche. On pourrait imaginer le trouver dans un aquarium, sous un microscope, dans un bocal dans un musée médical ou dans une boutique de lingerie exotique. Presque une peinture, un relief ou un dessin, mais pas tout à fait n’importe quoi de tout cela, l’œuvre de Hlobo se tourne vers nous, comme consciente de notre présence.

Hybride, hétérodoxe, rempli d’étrangeté, de colère, de beauté et d’horreur, Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art at the Barbican est souvent magnifiquement excessif, à d’autres moments calmes et privés, ne livrant ses secrets que lorsque vous vous y attardez. C’est aussi rempli d’histoires et de matérialité, de tendresse et de violence. Ce grand nœud enchevêtré d’une exposition entrelace le délicat et l’intempérant, le flamboyant et le funèbre, l’ancestral et le quotidien.

Nous visitons une bodega de quartier dans les évocations de Tschabalala Self sur la vie communautaire en voie de disparition rapide de Harlem, et revisitons le traumatisme de l’adolescence de Tracey Emin, dans une couverture appliquée de 1999 qui célèbre sa rage et sa résistance face à l’expérience d’avoir été violée alors qu’elle était une écolière de 13 ans. Il y a des scènes de la vie traditionnelle des Roms en Pologne et du monde spirituel du Voudu haïtien. Nous nageons parmi les mérous, les tortues et les raies sur le récif corallien de Tau Lewis en tissus recyclés et rencontrons les cactus verts de Margarita Cabrera, cousus à partir d’uniformes de patrouilles frontalières américaines, l’insigne encore visible, par des immigrants hispanophones.

Placées sous verre et accrochées perpendiculairement au mur de la galerie, les petites images de LJ Roberts représentent des défilés de gouines et des manifestations suite à une attaque transphobe. Nous pouvons également voir les revers de ces broderies, tous les fils lâches et enfouis qui s’enroulent, s’accrochent et s’enroulent dans une sorte de reconnaissance fortuite de la complexité et du désordre des relations. Les complexités sont plus que matérielles. Sheila Hicks a demandé à ses amis et à ses proches leurs vêtements les plus appréciés, qu’elle a ensuite enveloppés et décorés de fils colorés, présentés sous la forme d’un tas de boules multicolores dans une vitrine, chacune renfermant secrets et souvenirs.

Tout au long d’Unravel, il y a des moments où je suis immobile, touché et ému par les intimités enregistrées par les œuvres. La couture, la broderie, le perlage et le tissage, ainsi que la concentration tranquille nécessaire à l’achèvement du travail, demandent souvent notre propre proximité et notre attention aux petits détails. L’intimité physique est souvent importante ici. José Leonilson a réalisé des textes brodés sur la vie d’un homme queer séropositif à São Paulo au début des années 1990. Le temps presse, mais il choisit un médium qui demande de longues périodes de concentration. Le calme nécessaire à la réalisation des travaux aurait pu être thérapeutique. Ce sont des travaux inquiétants. De même, les mélanges brodés de texte et d’images de l’artiste paraguayen Feliciano Centurión ressemblent à des échantillonneurs. «Je suis une âme qui souffre», écrit-il dans l’un d’entre eux. « Je suis vivant!» (« Je suis vivant ! ») dans un autre. Les mots surgissent au milieu des fleurs épanouies.

Puis la vie s’écrase avec un rugissement. Dans une tapisserie de Diedrick Brackens, un homme noir en transporte un autre depuis un bâtiment en feu, échappant aux flammes qui éclatent autour d’eux dans les gouttes de fils acryliques évasés et crochetés qui jaillissent de la surface.

Parfois nous devons nous rapprocher et parfois nous sommes encerclés. Igshaan Adams nous emmène dans une promenade à travers l’arrière-pays entre deux townships sud-africains historiquement délibérément séparés. À l’aide de photographies aériennes pour cartographier ces territoires de division et d’exclusion, ainsi que les chemins que les gens empruntent entre eux, Adams navigue dans les proximités et les distances physiques et spirituelles. De minces fils et fils enroulés et torsadés créent des nuages ​​​​à la dérive et des diables de poussière, parsemés de tourbillons de perles et de coquillages, dans une sorte de soupe de particules en suspension dans l’air que nous traversons, comme si nous avions soulevé de la poussière en passant d’un lieu à l’autre. Ramasser la poussière, c’est ce que fait Adams.

Tous les médias ont leur histoire et le textile remonte aussi loin que possible. Quelle que soit la manière dont vous la définissez, et avec ses définitions plus proches comme appliqué ou tricot, couture ou couture, tapisserie ou broderie, tissage ou quilting, l’œuvre ici oscille entre une chose et une autre – de la nature à l’artifice, de l’image à l’objet, du processus à la protestation. , du récit à la commémoration.

Deux dalles trônent dans une pièce, chacune comme une bière ou une table d’autopsie, éclairée par le bas. Sur chacun se trouve un textile rempli d’images et de symboles. L’un est imprégné du sang d’une femme assassinée à Panama City, l’autre porte des empreintes de mains sanglantes et commémore le meurtre d’Eric Garner lors de son arrestation à Staten Island en 2014. L’artiste mexicaine Teresa Margolles a confectionné un textile en forme de linceul en collaboration avec une famille. d’origine Kuna, l’autre avec l’institut des arts Harlem Needle. Ces travaux communautaires demandent si les blessures pourront un jour guérir. Face au traumatisme, à la colère et à la possibilité de guérison, le médium n’est pas le message, mais c’est un véhicule consommé. Réparer et renouveler, coudre, tisser et assembler, rapiécer et envelopper, font partie intégrante de l’art textile.

Il y a presque trop de choses à décortiquer ici. Cette collaboration souvent ravissante, parfois émouvante entre le Barbican et le Stedelijk Museum d’Amsterdam est l’une des meilleures et des plus stimulantes que j’ai vues sur le sujet. Appelez-le art de la fibre ou art textile, appelez-le art supérieur ou inférieur, avons-nous vraiment envie de débattre encore si les textiles sont de l’artisanat, des arts appliqués ou des beaux-arts ? Appelez cela comme vous voulez : les textiles ici sont souvent dessinés, sculptés et peints par d’autres moyens. Ce sont aussi des vêtements, des tapis et des couvertures, des images et des cartes, des totems et des abstractions, des dépositaires de l’histoire et de la mémoire. L’exposition dévoile les couleurs et le sang, la douleur, le plaisir, la politique et l’histoire. La vie et la mort le traversent.