Oorsque je serai premier ministre, je nommerai James Graham ministre des arts. Surtout parce qu’il a parlé avec tant d’éloquence pour le théâtre ces dernières années. Mais aussi parce qu’il sait faire déployer leurs ailes aux histoires les moins probables.
Eh bien, généralement. Il a faibli mais pas tombé, aux côtés d’Elton John, avec Tammy Fay. Cette exploration musicale de l’ascension et de la chute du télévangéliste qui, doté d’un réseau satellite par Ted Turner, visait à « mettre le Faye dans la foi » et le « fun dans le fondamentalisme », est donnée beaucoup de piquant par le réalisateur Rupert Goold, mais il ne pique pas.
John, qui a réalisé l’une des meilleures comédies musicales de tous les temps Billy Elliot, fait ici un travail dévoué plutôt que divin. Il a fourni du rock, une grande chanson de la torche, du honky-tonk, du gospel gonflé et un formidable refrain de vengeance étourdi, avec beaucoup d’auto-claques des fesses et des talons. Les paroles, de Jake Shears des Scissor Sisters, chantent agréablement autour du mélange de sexe et de sacré – Jésus est « à l’intérieur de Tammy et il est à l’intérieur de Jim ». Et il y a, avec un bon tour d’Andrew Rannells en tant que mari suffisant mais incertain qui commence comme l’attraction principale et devient le groupe de soutien, une formidable performance de Katie Brayben.
En tant que Faye, Brayben n’est pas seulement puissante et à la voix vibrante: elle intègre la sincérité dans la confection de sa personnalité à l’écran, trempée de larmes répétées mais réelles. Elle horrifie les vicieux et vénaux parmi les pieux lorsqu’elle « tend la main » à un pasteur gay qui a contracté le sida et, ce faisant, devient son moi le plus intéressant : ostentatoire, courageux et étrangement révolutionnaire. Les costumes de Katrina Lindsay font magnifiquement écho à sa progression depuis la convention jusqu’au faste et au dénouement final : chemisiers à nœuds de chatte, jupe plissée en mousseline rouge, veste rigide en strass – et un trench ample dans lequel elle a l’air aussi aux yeux de biche (bien que plus taché) que Dusty Springfield.
Graham oriente l’intrigue vers l’excoriation de l’extrême droite mais la soirée manque de menace. La production de Goold accélère sur des camées brillants – Billy Graham est une merveille aux hanches pivotantes, plus Elvis qu’évangéliste – et quelques pop-ups satiriques trop cuits. La comparaison qui hante l’émission est avec la grande satire de la télé morale, Jerry Springer : L’Opéra. Là, plus l’action est sale, plus la musique est sublime. Ces extrémités et leurs conséquences manquent ici : pas assez de sordidité, pas assez d’envolée.
La production subtilement perturbatrice de John Haidar Hamlet commence comme une pièce de mémoire : le prince de Billy Howle rejoue des discours enregistrés, comme s’il essayait de se rappeler et de donner un sens à l’histoire. Il se termine par Hamlet remettant une cassette à Horatio, pour assurer une succession de souvenirs, sinon de dirigeants.
Pourtant la soirée est loin d’être mécaniquement conceptuelle. La conception d’Alex Eales de murs noirs ondulés tourne lentement autour, pour montrer des recoins pour les fouineurs; aucune position ne domine ; chacun est au centre d’une intrigue ; la vérité est insaisissable jusqu’à la fin.
Non pas que le prince soit étouffé. Howle est un talent merveilleux. Imprégné de sentiments, ce qui le déroute lui et parfois son public, il rugit parfois inexplicablement; ses gestes ne sont pas toujours en phase avec son discours. Ce ne sera pas son seul Hamlet ; il a plus à offrir. Mais il n’est jamais moins qu’authentique.
Le naturel et l’urgence – et la générosité de l’attention des acteurs – sont les maîtres mots. La robe moderne et décontractée de Natalie Pryce apporte de l’aisance et une libération de la majesté – mais sans relâche dans le rythme du couplet. Haidar ne s’efforce pas de prouver comment la pièce peut s’intégrer à une nouvelle génération, mais j’ai rarement vu l’énergie juvénile mise à profit : il y a une force de collaboration et un empressement parmi les jeunes acteurs, qui les lie sur scène. Mirren Mack donne à Ophélia une rude épreuve bien méritée; elle semble vraiment dégringolée. En tant qu’Horatio, Isabel Adomakoh Young rayonne d’attention : elle a l’air sur le point de décoller de blocs de départ invisibles ; sa voix millefeuille offre des couches dans une phrase.
Je ne pense pas avoir jamais vu un meilleur couple entre Gertrude et Claudius que le vrai mari et femme Niamh Cusack et Finbar Lynch. Lynch est horriblement rationnel alors qu’il se dispute avec son beau-fils chaotique. Pourtant il a l’air frêle : ses gestes se rétrécissent, comme s’il était collé comme un insecte à du papier tue-mouches. Dans un coup merveilleux, Cusack – anxieux et insinuant auprès de son fils – touche le bras de Lynch lorsqu’elle prononce le mot « roi ». Il sourit. Comment la royauté a-t-elle été confondue avec la grâce ?
Dans le premier théâtre construit à cet effet dans le West End depuis 50 ans, les idées préconçues fondent. Au début, Soho Place semble trop en continuité avec ce coin glossifié de Londres. Vitreux, avec des étoiles violettes et dorées, comme une entreprise essayant d’être colorée. Pourtant, près de l’auditorium, d’immenses fenêtres donnent sur Charing Cross Road, capturant des scènes londoniennes. C’est plus qu’un plaisir accessoire : ça éveille les yeux, ça aide à amorcer l’idée de cadrer ce que l’on voit.
À l’intérieur, l’auditorium flexible est configuré en rond pour enfermer la production de Theresa Heskins de Neil Baldwin et la pièce de Martin Clarke Merveilleux – tel qu’il était lorsqu’il a été vu pour la première fois au théâtre New Vic. L’action est chaleureusement encerclée – les niveaux supérieurs brillent comme du cuivre – et embrassée par son public. J’ai rarement été dans un théâtre où les spectateurs semblaient respirer autant au rythme d’un spectacle.
C’est d’autant plus frappant que la vie qu’il éclaire est une histoire spécifiquement poterie. Baldwin, qui a fait l’objet d’un téléfilm de 2014 mettant en vedette Toby Jones, est une figure locale célèbre. Né en 1946, on lui a diagnostiqué ce qu’on appelait alors « un handicap mental ». Pourtant, il est devenu la plupart des gens qu’il voulait être : un vicaire (il saluait les étudiants de l’Université de Keele avec un collier de chien), l’homme d’affaires de Lou Macari à Stoke City, un clown de cirque.
Une personne ne peut pas le contenir. Il est joué par une variété d’acteurs, dont le chef, Mike Hugo, produit comme par magie de son «sac à vie» presque tous les accessoires nécessaires pour meubler la scène. Le casting est neurodivers et non sentimental. Lorsque Baldwin est félicité pour sa franchise dans ses appels aux étrangers parce qu’il n’a «pas de filtre», un autre acteur dit que l’absence de filtre ne joue pas en sa faveur: les gens ne sont pas charmés – il a le syndrome d’Asperger.
Il y a des notes qui donnent à réfléchir – un propriétaire de cirque intimidant, des « plaisanteries » brutales – mais la solennité est constamment sapée. Une actrice qui insiste pour faire un discours sur l’iniquité des neuro-étiquettes est crémeuse. Baldwin ne veut pas d’explication; juste une attention imaginative. Merveilleux est l’argument parfait pour un espace théâtral accueillant.
Notes par étoiles (sur cinq)
Tammy Fay ★★★
Hamlet ★★★★
Merveilleux ★★★★