Le pack Woolf : Renée Fleming et Joyce DiDonato sur la transformation de The Hours en opéra | Opéra

Ron voit rarement enée Fleming sur une scène d’opéra aujourd’hui. La soprano vedette a annoncé il y a cinq ans qu’elle se retirait non pas de l’opéra, mais de la réalisation de nombreux rôles, les Desdemonas, Violettas et Marguerites, qu’elle s’était approprié sur les plus grandes scènes du monde. « J’ai dit que je ne pouvais plus jouer aux ingénues. Des personnages censés être très jeunes. Des femmes victimes des circonstances. Malheureusement pour les amateurs d’opéra, cela a supprimé la majeure partie du répertoire de soprano des XVIIIe et XIXe siècles. « Je voulais pouvoir dire des mots qu’une femme de mon âge et de mon expérience pourrait dire », ajoute-t-elle. « C’est pourquoi je me concentre sur les nouveaux travaux. »

The Hours, qui sera diffusé en direct dans les cinémas d’Europe et des États-Unis ce week-end, est un nouvel opéra du compositeur américain Kevin Puts adapté du roman primé Pulitzer de Michael Cunningham en 1999 sur une seule journée dans la vie de trois générations de femmes : Virginia Woolf dans Richmond des années 1920, qui sera jouée dans cette première mise en scène au Metropolitan Opera de New York par Joyce DiDonato ; Laura Brown dans la banlieue d’après-guerre de Los Angeles ( Kelli O’Hara ); et Clarissa Vaughan – surnommée « Mrs Dalloway » – dans le New York de 2001 (Fleming). Le roman de Woolf, Mme Dalloway, est le fil qui relie les trois, qui luttent pour trouver forme dans la vie et les rôles qui leur sont attribués, et envisagent la créativité, l’amour, le regret, la famille, l’amitié et la sexualité. Le film de Stephen Daldry de 2002 a été couronné de récompenses, dont un Oscar pour Nicole Kidman dans le rôle de Woolf.

« Le film est resté avec moi toutes ces années », dit Fleming. « Je l’ai revu récemment et il y avait tellement d’histoires et de sous-histoires qui semblaient pertinentes pour aujourd’hui. Les deux femmes, toutes deux en situation – comme toutes les femmes de l’histoire – de prendre soin des autres, puis Virginia Woolf, une grande artiste vivant à une époque où il était si difficile pour les femmes d’être de grandes artistes. En outre, il met en évidence le sida à un moment où nous sortons d’une terrible pandémie qui aurait pu être infiniment pire si nous n’avions pas de vaccins, puis met également en évidence la vie des personnes LGBTQ dans les années 90 et 50 et chez Woolf. temps. Tant d’histoires pertinentes.

DiDonato souligne à quel point il s’est senti radical d’être dans un opéra raconté à travers une lentille féminine. « À la fin de Bohème ou de Butterfly, disons, vous avez le ténor qui crie « Butt-er-fly ! ou « Mimi » ! et tout tourne autour de lui : la mort de la femme est au service de la souffrance de l’homme. OK, c’est bien – nous aimons ces opéras. Mais The Hours s’intéresse aux femmes qui sont en train de trouver leur place dans le monde alors que le monde dit : « C’est ce que vous êtes et c’est ce que vous avez le droit d’être ».

« C’est une telle bouffée d’air frais de jouer une femme des années 90 », s’amuse Fleming. « J’ai encore des vêtements d’alors ! Je pourrais vraiment être Clarissa. En tant que ruminateur de toujours, je comprends parfaitement son anxiété constante. C’est exactement le genre de sentiments que les gens ont dans la vie. Nous avons tous des regrets. Nous sommes tous dans le déni de certaines choses.

O’Hara voit beaucoup de vérité dans Laura Brown, une femme au foyer des années 1950 vivant apparemment le rêve américain mais en conflit et malheureuse en dessous – bien que la chanteuse ne puisse pas comprendre le terrible choix que fait son personnage. « Laura représente beaucoup de gens que nous connaissons tous », dit O’Hara. « En tant que mère, je ne suis pas comme elle, mais je peux la comprendre, elle et ses expériences. »

Elle a trouvé les préoccupations du texte s’infiltrant dans sa vie réelle – et le matin de la première était à un battement de coeur de quitter New York pour être aux côtés de sa propre mère. « Ma mère, qui s’appelle aussi Laura, était sur une liste de greffe pour un nouveau rein. La veille de la première, nous avons reçu un appel pour nous dire qu’une donneuse avait été trouvée et qu’elle a été opérée ce matin-là. Heureusement, l’opération s’est bien déroulée et O’Hara a pu donner une performance qui est devenue une fête. « Je considère cela comme une sorte de cadeau existentiel étrange », dit-elle. « Peut-être que c’est plus facile de dire ça parce qu’elle va bien. »

Pour se préparer, DiDonato est allée principalement aux propres écrits de Woolf, même si elle dit : « Je ne suis pas le genre d’interprète qui fait beaucoup de recherches scolaires. Je peux être un tel caméléon que je risque de devenir la caricature d’un personnage présenté historiquement. J’ai l’impression que mon pouvoir vient de regarder le matériel et la musique et la façon dont il est présenté dans l’opéra – et d’apporter ce caractère à la vie.

Elle a trouvé un enregistrement fascinant de Woolf parlant, ses voyelles RP étroites sonnant douloureusement démodées aux oreilles d’aujourd’hui. « J’ai écouté environ trois minutes, puis je l’ai éteint parce que c’est complètement opposé à ma propre couleur et à ce que Kevin a écrit pour moi. » Elle ne connaissait pas non plus le film. « Il y a vingt ans, j’ai commencé à le regarder mais je n’ai pas été au bout. C’était un peu sombre. Je n’étais tout simplement pas à un moment de ma vie où cela me parlait. Mais, revisitant l’histoire à un moment où la majeure partie de l’Occident sort de la pandémie, et elle-même avait deux décennies de plus avec beaucoup d’expériences différentes, cela a vraiment résonné. Elle a récemment regardé le film complet. « Il a une austérité qui marche à merveille, mais ce n’est pas le même langage qu’à l’opéra. C’est un travail tellement différent dans un médium différent.

L’opéra, dit Fleming, est un autre monde entièrement issu du cinéma ou du théâtre. « La musique de Kevin accorde énormément de temps à chaque émotion. Il ne s’agit pas d’une phrase que vous essayez de prononcer ou d’une expression faciale – les gens ne peuvent même pas voir nos expressions faciales au-delà de la 10e rangée ! Nous faisons notre marque avec l’inflexion vocale et le geste.

Compare les complexités de la mise en forme des trois histoires sur trois périodes à l’un de ces jeux 3D hallucinants où vous devez assembler différentes pièces pour créer un cube. « Je veux raconter l’histoire de la manière la plus vivante possible », déclare le compositeur, qui a adopté une approche différente de celle de Philip Glass, dont la musique pour le film de Daldry a été nominée aux Oscars. «Le verre avait un vocabulaire qui reliait tout. J’ai adoré faire des glissements de style musical de l’un à l’autre, parfois surprenants mais le plus souvent homogènes. La pièce doit vous emmener dans des mondes différents. J’ai trouvé ces personnages très puissants : je savais qu’ils inspireraient la musique.

The Hours est mis en scène par Phelim McDermott, reconnu comme l’un des plus grands interprètes des opéras de Glass. Bien qu’il trouve les univers sonores de Puts et Glass très différents, il peut voir des liens : « Je pense que ce qui est similaire, c’est une théâtralité dans leur musique qui vous supplie d’en faire quelque chose de live. »

Les productions de McDermott pour les vastes scènes du Met et du London Coliseum ont invariablement impliqué une sorte d’élément d’ensemble supplémentaire qui est, dit-il, la colle. Dans l’Akhnaton de Glass, c’étaient des jongleurs ; dans Cosi Fan Tutte, artistes de cirque. Ici c’est 13 danseurs, chorégraphiés par Annie-B Parson. « Le spectacle commence par la danse », explique McDermott. « C’est un article sur ce qui se passe dans la tête de ces femmes. Les danseurs et le chœur expriment ces éléments inconscients. La danse est comme une voix supplémentaire incarnée dans la pièce.

L’implication de Parson était essentielle, notamment parce que le reste de l’équipe créative est masculin. « Il était important d’apporter un point de vue féminin », dit-elle. « Ma première question était de savoir si nous pouvions avoir un groupe de danse entièrement féminin / non binaire. » Parsons cite Woolf explorant la fluidité des genres il y a près d’un siècle. Comme l’écrivait l’auteure dans son roman Orlando de 1928 : « Chez chaque être humain, une vacillation d’un sexe à l’autre a lieu, et souvent ce ne sont que les vêtements qui gardent la ressemblance masculine ou féminine, tandis que sous le sexe se trouve tout le contraire. ce qu’il y a au-dessus.

L’eau, métaphore et image principale de la production, est également devenue un élément central du mouvement. « Les danseurs montrent que le sol est instable », explique Parsons, « comme lorsque vous êtes debout sur une plage et que le sable se déplace avec la marée sous vos pieds. » Et, bien sûr, l’eau nous ramène au suicide de Woolf, référencé obliquement ici. « Le voyage de Woolf », dit DiDonato, « et sa bataille [with mental illness] est magnifiquement capturé dans le livre et le film – mais d’une manière différente dans l’opéra, où il y a plus d’espace pour cette lutte pour respirer dans la musique.

Les trois chanteuses parlent de «l’énergie féminine» qui a animé la pièce. Il s’agit « d’être en contact avec votre vie émotionnelle », dit DiDonato, « avec des choses qui nourrissent, qui créent, qui sont centrées sur le cœur. Il peut être masculin ou féminin. J’aime le fait que des hommes aient voulu raconter cette histoire. Je ne pense pas que cela devrait être interdit, mais cela doit être fait avec respect.

« Kevin a écrit cette pièce pour ces trois chanteurs incroyables », explique McDermott. « Il s’agit de la façon dont les histoires sont transmises à travers le temps. Quand il a été réalisé en tant que film, cela signifiait une certaine chose. Mais l’opéra peut dire des choses qui ne peuvent être dites autrement. Il y a ce paradoxe, qui est l’orchestre massif et la voix et ce que la combinaison peut faire – mais cela peut aussi se résumer au son de la voix non amplifiée d’une personne.