C’était censé être un entretien en tête-à-tête, mais Kip Williams a de la compagnie. « C’est Tilly, » dit-il.
Tilly partage l’appartement Potts Point du directeur de théâtre de 36 ans et joue un rôle mineur mais mémorable dans la production à succès de la Sydney Theatre Company de Williams, The Picture of Dorian Gray. Il s’excuse pour les interruptions de Tilly. « Elle a faim. Elle adore tout ce qui est poulet !
Tilly, soit dit en passant, est le carlin de deux ans de Williams. Il la tient debout, les jambes sur les hanches comme des baguettes.
« Pendant que j’écrivais le scénario, EJ [the show’s star, Eryn Jean Norvill] venait dans mon appartement et lisait le dernier brouillon et elle et Tilly s’entendaient comme une maison en feu », dit Williams. « Il y a eu un moment où Tilly était sur ses genoux et j’ai dit: » Je pense que la duchesse devrait avoir un carlin. Elle s’est retrouvée dans le spectacle et elle obtient une réaction vocale du public tous les soirs.
En plus de créer une petite carrière sur scène pour son chien, Williams a été occupé à bouleverser à peu près toutes les attentes qu’un public peut avoir concernant ce à quoi peut ressembler une production théâtrale en direct. En commençant par une mise en scène innovante de Suddenly Last Summer de Tennessee Williams à l’Opéra de Sydney en 2015, Williams a affiné et étendu l’utilisation de la vidéo en direct au théâtre, au point d’en être le principal représentant, expérimentateur et champion.
Son plus récent hybride cinéma-théâtre, Strange Case of Dr Jekyll and Mr Hyde, une mise en scène de l’histoire de Robert Louis Stevenson interprétée par seulement deux acteurs, a connu une tournée à guichets fermés à Sydney et figurera au festival de Perth en février 2023, suivi par le festival des arts d’Auckland et le festival des arts d’Adélaïde en mars. Et son adaptation très remarquée du Portrait de Dorian Gray, dans laquelle Eryn Jean Norvill joue tous les rôles, est programmée pour une troisième saison inédite à Sydney en 2023, avant de se diriger vers Londres et New York.
Comme dans Dorian Gray, Jekyll and Hyde de Williams se passe largement des décors traditionnels. Au lieu de cela, les visuels sont créés à la volée avec des artistes travaillant simultanément devant le public et devant les équipes de tournage sur scène. Cette vidéo est ensuite transmise instantanément à de grands écrans LED qui peuvent être déplacés dans toutes les directions, permettant plusieurs images, la manipulation d’images en direct, des écrans divisés et des gros plans puissants sur des acteurs, qui jouent souvent plusieurs rôles (Norvill joue 26 dans Dorian). Pour les interprètes, être dans une production Williams nécessite une synthèse absolue de la technique de la scène et de la caméra. Il l’appelle « ciné-théâtre ».
« Mon instantané est qu’il prend le meilleur du cinéma et l’essence du théâtre et les combine dans un nouvel espace où vous pouvez voir la juxtaposition de ces formes d’art », dit-il. « Je veux que le public se perde dans cette zone floue entre le film et la scène. »
À la base, dit Williams, le film joue sur l’idée de la caméra comme arbitre de la vérité. Le théâtre, au contraire, est un pur artifice. « J’aime le théâtre à cause de son étreinte de l’artifice de la narration. Le cinéma, le plus souvent, vous dit : ce que je vous montre est réel. Mais le théâtre, même dans la production la plus naturaliste imaginable, n’est pas réel. Le public est assis là, ce qui le rend réel, imaginativement actif dans chaque acte de théâtre. Pour moi, le théâtre commence par ce saut imaginatif – et je veux que ce saut soit énorme.
Toutes les productions de Williams ne sont pas du cinéma. Une grande partie de son travail pour le STC, qu’il dirige en tant que directeur artistique depuis 2016, a été mis en scène de manière plus conventionnelle, sans caméras et avec de grands castings : ses adaptations épiques de The Harp in the South et Playing Beatie Bow de l’auteure australienne Ruth Park ; ses productions de Cloud Nine de Caryl Churchill, The Golden Age de Louis Nowra et Chimerica de Lucy Kirkwood.
L’utilisation de la vidéo en direct est toujours quelque chose d’inspiré par le texte plutôt que de lui être imposé, dit Williams. « Beaucoup d’histoires qui m’attirent explorent cette tension entre les mondes intérieur et extérieur et comment les gens naviguent entre eux », dit-il. « La façon dont nous avons plusieurs moi authentiques que nous présentons dans différentes circonstances… et la façon dont nous avons la capacité de nous cacher derrière une sorte de masque. »
Williams a grandi professionnellement à une époque où plusieurs réalisateurs de renom exploraient les possibilités de la vidéo en direct au théâtre. « Beaucoup de productions vidéo en direct que j’ai vues quand j’étais plus jeune semblaient répondre à l’anxiété de l’époque – au 11 septembre et à la culture de la surveillance, au voyeurisme d’Internet », dit-il. « Les caméras étaient souvent cachées, les écrans étaient souvent un addendum. »
Tout cela a changé lorsque Williams a dévoilé son Suddenly Last Summer en 2015. C’était un risque énorme à l’époque, dit Williams, en partie parce que pendant les 30 premières minutes, à l’exception d’une brève apparition des acteurs Robyn Nevin et Mark Leonard Winter alors qu’ils traversaient sur scène, le public a regardé la pièce se dérouler sur un écran, derrière lequel les acteurs se produisaient devant la caméra.
Williams a eu du mal à convaincre les gens que sa séparation du public et de l’acteur fonctionnerait. « Mais pour moi, cela m’a toujours semblé assez simple : il y a toujours un artiste en direct qui joue, il n’y a jamais un moment où quelqu’un ne joue pas pour le public. C’est en train d’être fait en ce moment. Il a le même caractère éphémère que le théâtre », dit-il. « Il y a eu un moment où j’avais le casting sous la scène et mon directeur de production disait tout le temps, ‘Juste pré-enregistrez-le, le public ne le saura pas.’ Mais j’ai toujours insisté : il fallait que ce soit en direct.
Soudain, l’été dernier a valu à Williams son premier prix Helpmann pour la meilleure réalisation. Sa deuxième expérience dans la forme, une production de Miss Julie d’August Strindberg pour la Melbourne Theatre Company, lui vaut une seconde. D’autres enquêtes sur le cinéma-théâtre ont suivi dans les productions acclamées de The Resistible Rise of Arturo Ui (avec Hugo Weaving comme gangster éponyme) et A Cheery Soul de Patrick White. À ce moment-là, Williams était depuis deux ans le directeur artistique de la plus grande compagnie de théâtre d’État d’Australie, la mieux dotée en ressources, un poste qu’il a atteint comme sur un rail graissé. Il avait 30 ans, à peine cinq ans après l’école de théâtre et le plus jeune directeur artistique de l’histoire de la compagnie.
Pourtant, il n’y a rien de l’enfant terrible ou du « garçon prodige » chez Williams. Il parle doucement, d’apparence chérubine et beaucoup moins à l’aise pour parler de lui-même que de son travail.
« Je m’identifie absolument comme timide », dit-il. « Dans une certaine mesure, j’ai toujours occupé des postes de direction dans ma vie, de capitaine d’école à directeur et maintenant directeur artistique. Je n’ai pas peur d’avoir à parler, mais l’attention ne m’intéresse pas – même avec cette histoire.
Ses grands-mères étaient « les grandes personnalités de ma famille » ; sa grand-mère paternelle est l’actrice Wendy Playfair, star de la série télévisée Prisoner. « Elle est l’une des raisons pour lesquelles j’aime être entouré d’acteurs », déclare Williams. « J’aime écouter et riffer leur charisme et l’inspiration qu’ils peuvent offrir. »
La musique était également une préoccupation majeure dans la famille; son oncle était la moitié du duo folk des années 1960 Sean et Sonja, son père a suivi une formation de chanteur d’opéra et sa sœur, Clémence, est une conceptrice sonore, compositrice et réalisatrice primée. (Elle travaille aussi fréquemment sur ses projets scéniques.)
Après avoir étudié à l’Université de Sydney, Williams a été accepté dans le cours de mise en scène de troisième cycle très compétitif de l’Institut national d’art dramatique de Sydney, à l’âge de 22 ans – l’âge minimum autorisé.
Son spectacle de fin de première année – une production de Not I de Samuel Beckett – a impressionné son mentor, l’actrice et réalisatrice Pamela Rabe. Sa production de fin d’études, une adaptation de Lord of the Flies de William Golding, lui a valu une rencontre avec le STC et un rôle d’assistant réalisateur dans la production 2011 du co-directeur artistique Andrew Upton de The White Guard.
Les opportunités se sont succédées. Plus tard cette année-là, le réalisateur suisse Luc Bondy s’est retiré lors de la pré-production de Gross und Klein de Botho Strauss., avec Cate Blanchett dans le rôle principal. (À l’époque, Blanchett était co-directrice artistique du STC avec Upton, son mari.) Le réalisateur Benedict Andrews est intervenu et a pris Williams comme assistant.
Gross et Klein se sont rendus à Londres et Upton – qui devait diriger une mise en scène de Under Milk Wood de Dylan Thomas à l’Opéra de Sydney – l’a accompagné. Williams s’est vu offrir Under Milk Wood. Il n’avait que 25 ans.
« Il n’y avait pas de scénographie, les 10 acteurs avaient été choisis mais on ne leur avait pas dit quels rôles ils allaient jouer », explique Williams. « J’ai eu environ six semaines pour comprendre comment diriger une pièce qui n’en est pas vraiment une. Avoir si peu de temps pour se préparer lorsque vous dirigez Paula Arundell, Bruce Spence, Helen Thomson et Jack Thompson à l’Opéra … C’était effrayant mais je me sentais très chanceux – comme la doublure qui continue quand la prima ballerine se casse la jambe.
Un coup de chance est une chose. La capitaliser en est une autre. « J’étais convaincu qu’il allait s’effondrer », déclare Williams. « Mais ça s’est très bien passé et c’était étrange aussi. Parce que c’était un succès, il semblait y avoir cette incrédulité que j’aurais pu réussir à 25 ans. Personne ne croyait vraiment que je l’avais réalisé. J’ai ressenti un besoin intense de faire mes preuves après cette production.
Il n’a pas eu à faire ses preuves longtemps. En 2016, Upton et Blanchett sont partis en tant que co-directeurs artistiques du STC. Le réalisateur anglais Jonathan Church a été embauché pour les remplacer, puis lâché dans les six mois. Williams, 30 ans, a été invité à prendre les rênes pendant qu’un remplaçant était trouvé, puis nommé de manière permanente à ce poste plus tard cette année-là.
Les spéculations allaient bon train. Williams a-t-il été installé dans le cadre d’un coup d’État du conseil d’administration de STC ? « Quiconque a cette opinion n’a jamais travaillé avec moi et a vu à quel point je m’en tiens vigoureusement à mes armes et à quel point je suis une personne de principe », m’a-t-il dit en 2016.
Six ans plus tard, il est toujours le visage du STC. « Je n’entends pas beaucoup de reproches concernant le travail que je fais », dit-il. « Évidemment, il y a des gens qui n’aimaient pas Dorian ou Jekyll. C’est très bien. Mais il y a maintenant un niveau de confiance que mes idées fonctionnent. La confiance est un grand cadeau, de la part de la compagnie, des acteurs avec qui je travaille et du public. Maintenant, je sens que je peux courir à un rythme et le public est prêt à m’accompagner.