Revue des monstres – La production de Stephanie Lake est censée faire peur mais sombre plutôt dans la bêtise | Danse

tuLes mondes souterrains ont toujours eu une fascination morbide, de Dante aux frères Duffer. Ils inversent et subvertissent, et révèlent notre vrai moi – ou les transforment en quelque chose de monstrueux. Dans les notes de programme de cette œuvre hybride de théâtre et de danse, avec un monologue d’Emme Hoy et une chorégraphie de Stephanie Lake, le metteur en scène Matthew Lutton cite HP Lovecraft comme une inspiration clé. Grand prestidigitateur de paysages infernaux souterrains, son travail est certainement un bon point de départ.

Les mondes souterrains de Lovecraft ont tendance à avoir une source océanique (ou du moins aqueuse), et ses créatures sont généralement gorgées d’eau et saumâtres. Le monde souterrain de Monsters est le résultat d’un gouffre géant, et la créature au centre est amorphe, à peine aperçue. Le scénario de Hoy s’appuie fortement sur la nature allégorique de l’horreur lovecraftienne, mais lui donne une saveur nettement urbaine, presque mécaniste. C’est un monstre de la ville, résultat d’un échec métropolitain tacite mais communal.

Alison Whyte est notre narratrice, commençant la pièce du côté de la scène avec une tasse de thé à la main. C’est une ouverture volontairement désinvolte, voire nonchalante, et il faut beaucoup de temps pour dégager le ton prédominant : une sorte de détermination feutrée et compulsive. Bientôt, elle passe de la narration à la troisième personne à la narration à la première personne, devenant une femme à la recherche, avec l’aide d’un plongeur spéléo professionnel, de sa sœur dans les profondeurs du gouffre.

Whyte est formidable. Elle a une grande ligne de vulnérabilité torturée et peut augmenter la tension presque jusqu’au point de rupture sans basculer dans le mélodrame. Elle est principalement une actrice vocale; moins assuré de traquer la scène, plus saisissant lorsqu’il est immobile. Sa descente dans l’antre du monstre a une urgence soutenue, évoquant les voyages anxiogènes d’Aliens à travers The Cask of Amontillado d’Edgar Allan Poe.

Accompagnant Whyte sur scène, trois danseuses (Samantha Hines, Josie Weise et Kimball Wong) qui n’interprètent pas tant le conte aux côtés de l’acteur qu’elles offrent un mode d’expression alternatif. Comme pour tout le travail de Stephanie Lake, la chorégraphie est profondément idiosyncrasique et inventive ; anguleux, spasmodique, troublantement primordial. Au mieux, il porte un étrange pouvoir rituel, parlant de malformation et de transmogrification, de choses cachées et bestiales.

Malgré cela, Monsters ne fonctionne que sporadiquement. La mise en scène de Lutton est acharnée, certes, mais il permet très peu de modulation de ton ou de registre, et l’environnement misérable que traverse le narrateur devient vite monotone. Il y a des moments de véritable horreur, comme lorsque la scène plonge dans l’obscurité puis illumine soudainement des tableaux d’un stress et d’un désordre extrêmes, comme quelque chose du début de David Lynch ou même des Black Paintings de Goya. Mais il y a aussi de longues séquences qui semblent simplement répétitives.

Le texte de Hoy est le plus fort lorsqu’il se laisse errer dans l’abstraction surréaliste, dans l’horreur corporelle de Cronenberg, mais il s’effondre lorsque les sœurs se retrouvent dans les entrailles de la ville et que l’allégorique devient littéral. L’esprit littéral affecte également la chorégraphie de Lake à ce stade – une accusation qui pourrait rarement être portée contre son travail auparavant – et le tout commence à paraître un peu idiot.

La scénographie et l’éclairage (Paul Jackson), avec ses ombres profondes et ses faisceaux de lumière froide et artificielle, sont puissants et hautement atmosphériques, tout comme la partition complexe de Rosalind Hall. L’esthétique générale est profondément expressionniste, mais elle s’appuie sur certains motifs théâtraux qui sont devenus synonymes des productions de Malthouse sous Lutton, et frisent le cliché – ces éclairs d’obscurité, qu’il a utilisés dans Picnic at Hanging Rock, et ces effets sonores douloureusement forts. , qu’il utilise dans pratiquement toutes les productions qu’il dirige.

Les monstres sont distrayants et pourraient intriguer un public peu familier avec le travail de cette entreprise. Il tente quelque chose de vraiment difficile au théâtre – une horreur soutenue et troublante – et il y parvient même par intermittence. Mais la forme hybride ne fusionne pas, et plus les deux modes fonctionnent en tandem, plus cela devient évident. Les mondes souterrains devraient nous déranger, et nous changer, plus que cela.