Revue Donatello – le Robert Mapplethorpe de la Renaissance | Art et désign

UN dieu avec son pantalon baissé danse maniaquement. Cette statue de bronze, connue sous le nom d’Attis-Amorino, est aveuglée par l’extase, son zizi pendant, agitant ses mains en l’air pendant qu’il délire. Il a une fleur de pavot dans les cheveux et des graines de pavot à la ceinture. Celles-ci, le catalogue nous rassure, symbolisent la famille pour laquelle le sculpteur florentin de la Renaissance Donatello a réalisé cela vers 1435-1440. Mais l’opium est extrait du pavot depuis les temps anciens et les graines représentaient l’inconscience pour les anciens Grecs et Romains. De toute évidence, cette petite divinité est hors de sa tête sur quelque chose.

C’est l’une des sculptures les plus déconcertantes jamais créées. Beaucoup peuvent passer rapidement devant, préférant regarder – et être vus en train de regarder – les madones qui remplissent une grande partie de cette exposition. Car Attis-Amorino est, comme on dit de nos jours, problématique. Passez derrière et vous verrez des fesses brillantes sortir de ce pantalon tombant. Pourtant, si une telle œuvre d’art nous inquiète, c’est parce qu’elle fait toujours son travail après plus de 580 ans.

Donatello est le Robert Mapplethorpe de la Renaissance, un artiste d’une beauté profonde qui peut créer un malaise colossal. Pour ses contemporains, Attis-Amorino était transgressif non pas tant sexuellement que théologiquement. Quelle sorte de Dieu est-ce? Il n’a rien de commun avec le Christ souffrant dont l’image de Donatello s’attarde si intensément dans d’autres œuvres ici. Il n’est pas un Dieu de souffrance mais d’excès. Et peut-être que la route de l’excès mène au palais de la sagesse.

C’est la première grande image de la mythologie classique créée par un artiste de la Renaissance. Quand on pense « Renaissance », on a tendance à imaginer la Naissance de Vénus de Botticelli ou Bacchus et Ariane de Titien. Mais des décennies auparavant, il y avait Attis-Amorino. Et cela a été fait dans un monde médiéval profondément chrétien.

L’exposition commence par un captivant tableau panoramique de Florence, la ville-état où Donatello est né vers 1386 et où il deviendra l’un des favoris du banquier et chef politique Cosimo de’ Medici. La ville à cheval sur le fleuve Arno est dominée par le dôme en terre cuite de sa cathédrale, construite par l’ami de Donatello, Brunelleschi. Cet œuf géométrique est-il un symbole du Christ ou de l’ingéniosité humaine ? Ce paradoxe plane dans le ciel de Florence. A une époque pieuse, la cité de la Renaissance a élevé des hymnes à la beauté classique inspirés des païens grecs et romains.

Une de ces images s’efforce littéralement d’échapper à ses vêtements médiévaux. C’est le David de Donatello – pas le célèbre nu qu’il a créé en bronze, mais une œuvre antérieure qu’il a sculptée dans du marbre vers 1408-1409. Et c’est un autre hybride fou. Le grand jeune vous domine, vêtu d’un haut en cuir à manches serrées, d’une cape et de robes. Loin de cacher le corps du héros, ses vêtements attirent le regard par sa courbe dans l’espace, le bras gauche plié en un triangle flamboyant, le visage tranquillement triomphant sous une couronne de vainqueur tout droit sortie de l’antiquité. C’est une statue en équilibre entre deux mondes : sa pose non linéaire typique du style gothique médiéval ; son visage classique celui d’un César. De sous les vêtements de pierre émerge une jambe nue, un pied nu caressant les cheveux de la tête coupée de Goliath. Regardez à l’intérieur de la draperie et vous pouvez également voir l’autre jambe nue. La méchanceté de Donatello est furtivement.

S’il est un artiste méchant, il est aussi un artiste drôle. Il a une joie de vivre irrépressible, après tout ce temps. Deux reliefs en marbre bouillonnent d’énergie alors qu’une foule de garçons ailés dansent et rient, à la fois sauvages et élégants, leurs gambades folles jaillissant des espaces clos qu’ils habitent. Donatello s’amuse avec les règles de l’art classique. Il encadre les petites danseuses entre des rangées droites de pilastres cannelés. Pourtant, cette architecture rigide est un dispositif pour rendre leurs sauts et leurs sourires d’autant plus indisciplinés.

Donatello vit d’une manière que ses contemporains ne vivent plus. Traditionnellement, l’histoire de la Renaissance florentine était racontée comme une séquence progressive de découvertes, dans lesquelles Donatello et sa génération ont concouru. Pourtant, on a l’impression que les inventions comme la perspective n’étaient que des outils pour Donatello. Il ne fait pas de l’art pour un travail. Il le fait pour exprimer ses idées et ses émotions. Un artiste avait-il déjà fait cela auparavant dans l’histoire du monde ? Le portrait de Donatello d’un patricien florentin, peut-être appelé Niccolò da Uzzano, prend un autre genre romain antique, le buste réaliste, et le démonte, caressant cette tête sensible en terre cuite.

Il fait de même avec le corps de Christ. Sa statue en bronze grandeur nature du Christ en croix, qui se trouve dans la basilique Saint-Antoine de Padoue depuis sa création dans les années 1440, est l’un de ses plus grands nus masculins. Le détail délicieusement réel des côtes et des muscles de l’estomac du mourant anticipe le torse presque respirant du David de Michel-Ange.

Partout où vous regardez, Donatello enfreint les règles pour suggérer des émotions fugaces, délicates, souvent dangereuses. Dans l’une des sculptures les plus sublimes ici, il pousse à la limite même de la visibilité. L’Ascension représente les disciples témoins de l’élévation du Christ au ciel, mais l’imagerie de ce relief en marbre blanc semble se fondre dans un nuage d’inconnaissance, tant la sculpture est douce : en la regardant, vous semblez passer du domaine physique à une autre réalité. .

Donatello peut frotter votre visage dans l’existence charnelle et transporter votre âme au ciel. Il est l’un des grands provocateurs paradoxaux de tous les temps, et cette exposition vous permet de le rencontrer. C’est comme attraper du vif-argent.