Vous ne pouvez pas vraiment faire un film d’horreur corporel qui fait du bien

Dès la première minute, La baleine est rempli d’effroi. Le réalisateur Darren Aronofsky s’est longtemps spécialisé dans ce type d’ambiance ; même lorsqu’il travaille à la plus petite échelle, il évoque une horreur croissante du banal. Son dernier travail fait écho à des films antérieurs tels que π et Requiem pour un rêve, deux épopées claustrophobes avec des partitions sourdes et des perspectives mornes. Mais en La baleine, qui est adapté de la pièce de Samuel D. Hunter, l’ambiance sinistre se sent immédiatement en contradiction avec le sujet. Le protagoniste, Charlie (joué par Brendan Fraser), est complètement confiné à la maison et au bord de la mort à cause d’une frénésie alimentaire extrême. Son confinement est abject, mais la source de sa douleur est profondément relatable : le chagrin.

Charlie est dans un état dépressif sévère depuis la perte de son partenaire. Incapable de prendre soin de lui-même, il est devenu une figure frustrante pour les amis, la famille et les étrangers, qui ne cessent de passer pour avoir de grandes conversations significatives avec lui. Il refuse de se faire soigner alors qu’il est dans une détresse physique évidente ; au lieu de cela, il n’autorise que sa copine Liz (Hong Chau), une infirmière, à prendre sa tension artérielle à la maison, alors qu’elle s’inquiète de son incapacité à faire plus pour lui. Il est presque entièrement déconnecté de son ex-femme, Mary (Samantha Morton), et de sa fille adolescente, Ellie (Sadie Sink). (Il essaie cependant de combler le fossé avec Ellie en promettant de faire ses devoirs.) Au moment où La baleine commence, Charlie a atteint un point où il est impossible d’inverser le déclin de sa santé.

La situation est rendue à la fois horrible et pitoyable, surtout parce que Charlie, bien que résigné aux limites de son appartement, a toujours soif d’interaction humaine. Aronofsky, dont l’œuvre de psychodrames axés sur l’aliénation comprend également Cygne noir et Mère, se livre à son penchant pour le pressentiment, mais refuse ensuite de le changer. Certaines scènes tentent de présenter Charlie comme sympathique et complexe, et la performance de Fraser, délivrée par le biais de maquillage et de prothèses multicouches, parvient toujours à être la partie la plus directe du film. (C’est aussi le plus controversé.) Malheureusement, presque tout le reste est d’une lugubre criarde, un spectacle de misère qui affiche son personnage central comme un animal de zoo.

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La structure trop précise de l’histoire est en partie responsable de son acharnement. Hunter lui-même a adapté le scénario de sa pièce originale, et le film suit de près des transitions simples, élucidant le mystère de la situation de Charlie à travers une série de rencontres. Tout d’abord, un missionnaire religieux appelé Thomas (Ty Simpkins) frappe à la porte de Charlie et le trouve au milieu d’un événement cardiaque ; Thomas, un étranger, revient sans cesse parce qu’il est déterminé à sauver l’âme de cet homme condamné. Ensuite, il y a Liz, qui réprimande Charlie pour sa suralimentation tout en lui fournissant des sous-marins aux boulettes de viande à chaque fois qu’elle passe – un témoin passif de ses crises de boulimie (qui sont toujours représentées avec une menace grossière et le score écrasant de Rob Simonsen).

Vient ensuite Ellie, qui n’a pas vu son père depuis des années et le considère avec dégoût, principalement parce qu’il a été si absent de sa vie. Charlie lutte en vain pour libérer sa fille de sa vision nihiliste de la vie. Pendant ce temps, elle et Thomas forment une étrange connexion et commencent à creuser dans le passé de Charlie, essayant de comprendre toutes les circonstances de la mort qui l’a détruit. Mais révéler le comment et le pourquoi de la profonde tristesse de Charlie n’est tout simplement pas aussi complexe psychologiquement que Hunter ou Aronofsky semblent le penser – et en plus, on passe plus de temps à regarder la tension physique de Charlie.

Le problème est qu’Aronofsky est transpercé par Charlie de toutes les mauvaises manières, le positionnant comme une maison d’horreurs ambulante. Ce regard exhibitionniste se heurte maladroitement à l’humanisme supposé de l’histoire et à l’insistance de Charlie sur le fait que « les gens sont étonnante” même quand ils sont cruels. Fraser fait un effort puissant pour projeter cette tendresse: il n’hésite pas à exposer la tendance autodestructrice de Charlie, mais il met en avant l’amour constant du personnage pour les autres, sinon pour lui-même.

Je n’ai jamais ressenti cette nuance dans la mise en scène d’Aronofsky. Il transforme l’appartement en un sanctuaire sombre et amer et montre souvent Charlie qui traîne lentement par derrière et par en dessous, de sorte que le personnage semble être un monstre imminent. Je ne suis pas opposé à l’horreur corporelle, mais le genre convient mieux aux fins vulgaires. La baleine se présente comme quelque chose de noble et, finalement, d’édifiant, mais il ne peut tout simplement pas faire cette vente. Au final, le projet tombe dans le même piège que les visiteurs critiques de Charlie : ne voir qu’un symbole là où ils auraient pu voir une personne.