Critique : « Cinema Sabaya » capture habilement l’art et l’autonomisation

L’ancien concept de salle de classe de montrer et raconter devient un exercice plus riche et plus profond pour un atelier de femmes arabes et juives dans le premier long métrage sincère du cinéaste israélien Orit Fouks Rotem, « Cinema Sabaya ». Compte tenu des caméras et encouragés à enregistrer leur vie et à donner une voix à leurs rêves par une jeune enseignante / cinéaste nommée Rona (Dana Ivgy), les huit personnages du scénario de Rotem reçoivent également une leçon de compassion simplement en partageant leurs images et en en parlant.

Pendant ce temps, nous obtenons une expérience merveilleusement non forcée et légèrement intime existant dans une arène dramatique entre la non-fiction d’observation et l’orientation nulle part où aller du théâtre dépouillé. Si la soumission d’Israël aux Oscars de cette année avait décroché une nomination internationale pour un long métrage, cela aurait pu être un compagnon spirituel dans toutes les catégories pour la meilleure photo nominée « Women Talking ». (Au lieu de cela, cela repose sur les longs métrages féminins ignorés « Saint Omer », « The Woman King » et « She Said ».)

Le seul lieu du film est un centre communautaire sans prétention à Hadera à population mixte, mais ce n’est que le cadre physique et neutre. Au fur et à mesure que nous apprenons à connaître ces femmes israéliennes de plusieurs générations et que nous voyons ce que leurs caméras révèlent, des mondes s’ouvrent et la réalité de la contrainte dans leur vie devient apparente. Cette dualité se trouve dans le titre (qui est le nom de l’atelier) : il est souligné dès le début que si « sabaya » en arabe signifie généralement « groupe de jeunes femmes », c’est aussi un terme qui peut véhiculer « prisonnier de guerre ». (L’État islamique appelait notoirement ses captives sexuelles « sabaya ».)

Les femmes, cependant, défient toute catégorisation facile, sauf le dénominateur de la fraternité selon lequel elles font toutes de bonnes œuvres pour la municipalité : conseils juridiques, service de bibliothèque, travail social, soins. Seuls leurs rêves, demandés par le style d’entretien avec l’enseignant au début, trahissent l’âge et l’expérience, de la grand-mère Awatef (Marlene Bajali), âgée de 73 ans et retraitée depuis longtemps – « Quel rêve? » » plaisante-t-elle – à l’étudiante poétesse/peintre énervée Nahed (Aseel Farhat), qui croit qu’elle peut tout faire.

L’avocate palestinienne dure et glamour Nasrin (une magnétique Amal Murkus) se souvient de son envie de chanter, tandis que la joyeuse mère juive de la classe supérieure Eti (Orit Samuel) a toujours voulu être une star de cinéma. Bien que Nasrin et Eti aient le premier échange tendu de la classe – déclenché par un commentaire exposant le privilège et les préjugés d’Eti sur les musulmans – ils ne laissent pas cela décourager le travail de la classe, ou affecter plus tard des interactions plus amicales lorsque les exercices deviennent plus porteurs d’âme .

Le mariage et la famille, et l’agence en leur sein, sont des sujets de sensibilité entrelacés qui produisent plus de changements de molécules dans la pièce. Yelena (Yulia Tagil), une émigrée russe, a quitté son mari, mais est maintenant à court d’argent et obligée de vivre avec ses parents, tandis que Gila (Ruth Landau) est dans un mariage heureux, uniquement parce qu’elle a quitté un premier mari violent. Et Souad (Joanna Said, une Joanna Said à la voix douce et à la voix douce) qui porte le hijab, une participante réticente, veut apprendre à conduire, si seulement cela ne fâchait pas son mari.

Dans l’une des scènes les plus touchantes sur l’art et la compréhension, Souad est invitée à s’associer librement sur des images simples et hypnotiques qu’elle a tournées chez elle avec de l’eau remplissant un seau. L’exercice devait inclure une lettre écrite lue à haute voix, mais devoir parler la fige. Ainsi font les autres, louant l’ingéniosité de son œil, la vie qu’il suggère. Ils lui disent que l’image en dit déjà long.

Alors que la création et la conversation permettent aux femmes de dépasser les différences reconnues – sur le divorce, la sexualité, l’éducation des enfants, même la langue à parler (principalement l’hébreu, avec l’arabe en pointillés) – et vers l’amitié, le rêve de l’enseignant est également mis à nu. Cela mène à la dernière conversation éthique du film, rafraîchissante et nécessaire : lorsqu’il s’agit d’art, de narration et d’autonomisation, comment réconcilier le privé et le public ?

Dans une certaine mesure, le travail touchant et engageant de Rotem – réalisé avec des acteurs, mais adapté d’histoires réelles de femmes rencontrées dans des ateliers similaires, combinant le spécifique, l’inventé et l’universel – est une réponse délicatement rendue à cette question. Mais cela commence par maintenir les conversations et faire tourner les caméras.