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Seiji Ozawa, décédé à l’âge de 88 ans, était l’un des principaux chefs d’orchestre de sa génération. Bien que sa place dans le panthéon des véritables grands chefs d’orchestre soit discutable, Ozawa fut pendant plusieurs décennies un acteur majeur sur la scène internationale et une figure d’une certaine importance historique à plusieurs égards.
Il fut, pour commencer, le premier chef d’orchestre japonais à être reconnu en Occident, le seul à ce jour à atteindre le statut de superstar, le plus ancien directeur musical de l’Orchestre symphonique de Boston (1973-2002) et l’un des plus anciens directeurs musicaux de l’Orchestre symphonique de Boston (1973-2002). de n’importe quel orchestre américain. Il avait une mémoire prodigieuse et dirigeait habituellement avec la partition non ouverte devant lui.
Avec sa touffe de cheveux noirs (dernièrement gris), son sens vestimentaire à la mode (surtout dans sa jeunesse, quand il préférait les chemises fleuries et les bottes de cowboy et, sur scène, un pull à col roulé plutôt qu’une chemise habillée) et son podium ballet. mouvements, il attire l’attention dès ses premiers engagements en Amérique dans les années 1960. Mais de nombreux critiques ont estimé que sa création musicale était également caractérisée par le brillant et la superficialité, malgré quelques jalons notables dans sa carrière et un engagement envers la formation des artistes du futur.
Si les performances de ses premières années étaient caractérisées par une énergie à indice d’octane élevé, celles de la période ultérieure, cherchant peut-être l’âme insaisissable de la musique, adoptaient trop souvent des tempi lents et des rythmes flasques sapant la vitalité.
Ozawa est né à Shenyang, en Chine. Ses parents étaient japonais et après avoir commencé des cours de musique à l’âge de sept ans, il entre à l’école de musique Toho de Tokyo à l’âge de 16 ans. Bien qu’il ait d’abord étudié le piano, il s’est cassé les deux index en jouant au rugby et s’est plutôt tourné vers la direction d’orchestre et la composition. . Il a acquis une expérience précieuse avec des ensembles professionnels tels que l’Orchestre Symphonique de la NHK et l’Orchestre Philharmonique du Japon alors qu’il était encore étudiant et a remporté les premiers prix dans les deux disciplines.
Diplômé en 1959, il émigre en Europe pour poursuivre ses études, tout en subvenant à ses besoins en tant que vendeur ambulant de scooters japonais. Il remporte le premier prix du concours international de chefs d’orchestre à Besançon, dans l’est de la France (1959) et impressionne tellement Charles Munch, l’un des juges, qu’il l’invite aux États-Unis, au Berkshire Music Center à Tanglewood, Massachusetts, l’année suivante. , où il a pu étudier avec Munch et Monteux.
Après avoir reçu le prestigieux prix Koussevitzky (1960), Ozawa obtient une bourse pour étudier avec Herbert von Karajan à Berlin. C’est là qu’il est repéré par Leonard Bernstein, qui lui propose un poste de chef assistant au New York Philharmonic (1961-65).
La carrière d’Ozawa décolle à ce stade, avec ses débuts au Carnegie Hall en 1961, une invitation à diriger l’Orchestre symphonique de San Francisco en 1962 et des engagements avec l’Orchestre symphonique de Chicago, culminant avec la direction artistique du festival Ravinia (1964-68). et la direction musicale du Toronto Symphony Orchestra (1965-69). Durant cette période, il impressionne par l’éclat de ses interprétations, par sa maîtrise suprême des partitions les plus complexes et les plus intimidantes et par son talent d’interprète de scène gracieux, voire glamour.
Décrivant la première fois qu’il a vu Ozawa diriger l’Orchestre symphonique de Boston en 1965, le critique Michael Steinberg a noté « un incroyable courant d’énergie qui semblait commencer dans le bas du dos et remonter le long de la colonne vertébrale et à travers les épaules, le long des bras, à travers les mains jusqu’à la pointe du bâton et dans les airs au-delà. C’était une belle chose à regarder.
En 1970, Ozawa fut nommé directeur musical de l’Orchestre Symphonique de San Francisco, poste qu’il occupa jusqu’en 1976. Un engagement envers la nouvelle musique était évident au cours de ces années, notamment dans la commande d’œuvres telles que la Polyphonie de San Francisco de György Ligeti (1975). En 1970 également, il devient co-directeur artistique, avec Gunther Schuller, du festival de musique de Berkshire, dont il prend le contrôle exclusif en 1973, année où il devient également directeur musical du Boston Symphony Orchestra.
Le mandat de trois décennies à Boston a été déchiré par la controverse. Ses admirateurs soulignent le sentiment de confiance qu’il a instauré chez les musiciens : un plaisir pour leur propre virtuosité. On lui attribue également la création d’une couleur sonore plus sombre et plus germanique, adaptée au répertoire grand public de Beethoven, Brahms et Mahler, par opposition au son à saveur française développé au cours des décennies précédentes. Ses détracteurs critiquent ses fréquentes absences à l’étranger et, plus sérieusement, remettent en question ses qualités de chef d’orchestre de haut vol.
Au milieu des années 90, un bulletin d’information, Counterpoint, produit par un groupe dissident de musiciens de BSO, commentait qu’Ozawa ne donnait aucun « leadership spécifique en matière de tempo et de rythme », n’offrait aucune « expression de souci de la qualité sonore » et ne parvenait même pas à partager toute « conception distinctement véhiculée du caractère de chaque pièce jouée par le BSO ». Les musiciens d’orchestre sont connus pour dénigrer leurs chefs d’orchestre, mais les contributeurs de Counterpoint comprenaient à la fois le violon solo et le violoncelliste principal. De plus, elles reflétaient les réserves exprimées dans la presse internationale – et parfois dans l’opinion publique.
Une représentation d’Idomeneo à Salzbourg en 1990, par exemple, a été chaleureusement huée, alors que peu d’enregistrements de cette période ont atteint un statut de référence. Certains enregistrements ont cependant été mieux reçus. Celui de Jeanne d’Arc au Bûcher (1991) de Honegger a été salué pour sa vitalité rythmique et pour sa définition des qualités distinctives de la partition, tandis qu’une version mise en scène, diffusée en vidéo, d’Œdipe Rex de Stravinsky a remporté de nombreux prix. L’enregistrement par Ozawa de l’opéra St François d’Assise de Messiaen (1983) – une œuvre qu’il a créée – a été considéré comme une immense réussite et une magnifique atmosphère.
En 1984, Ozawa a joué un rôle déterminant dans la fondation du Saito Kinen Orchestra, un ensemble d’éminents musiciens japonais, réunis en hommage à l’éducateur Hideo Saito (Ozawa était l’un de ses nombreux élèves).
Un certain nombre de performances et d’enregistrements de haute qualité ont émané de leurs retrouvailles périodiques et finalement, en 1992, le festival Saito Kinen a été créé à Matsumoto (maintenant connu sous le nom de festival Seiji Ozawa Matsumoto). Le festival est sursouscrit plusieurs fois chaque année et est considéré comme un événement de prestige. L’expérience d’Ozawa en tant que mentor, ainsi que son intérêt pour l’opéra, ont également été exploités au festival d’été de Tanglewood, où il a ressuscité une composante lyrique.
Cette prédilection pour l’opéra a été renforcée en 2002 par sa nomination comme directeur musical de l’Opéra national de Vienne et en 2005 par sa direction artistique simultanée du nouvel Opéra de Tokyo Nomori. Plusieurs représentations ont dû être annulées à Vienne et à Paris en 2006 pour des raisons sanitaires. En 2010, on lui a diagnostiqué un cancer de l’œsophage. Il tente un retour en avril 2016 en dirigeant la Philharmonie de Berlin à la Philharmonie de la capitale et l’orchestre de l’Académie internationale Seiji Ozawa, Suisse (fondée par lui en 2004), à Paris, mais est contraint de se retirer d’un engagement avec le Boston. Symphonie de juillet, manquant de force pour diriger.
En novembre 2022, il revient sur scène, l’air très frêle dans un fauteuil roulant, pour diriger l’Orchestre Saito Kinen lors d’une émission en direct dans l’espace. En collaboration avec l’Agence japonaise d’exploration aérospatiale (JAXA), une représentation de l’Ouverture Egmont de Beethoven a été envoyée à l’astronaute Koichi Wakata à bord de la Station spatiale internationale.
En 2016, il publie un livre de conversations avec le romancier Haruki Murakami sous le titre Absolutely on Music.
Son premier mariage, avec la pianiste Kyoko Edo, s’est soldé par un divorce. Avec sa seconde épouse, Vera Ilyan, il a eu deux enfants, Seira et Yukiyoshi, qui lui survivent.