Enfin : un remaniement, une fissure dans le mur, un défi au canon, un changement dans la même vieille entreprise de création de listes consistant à remanier les mêmes anciens noms dans un ordre légèrement différent au sommet.
Le magazine Sight and Sound a annoncé le résultat de son dernier sondage décennal des critiques du plus grand film de tous les temps et le film radicalement austère, dérangeant et brillant de 1975 de Chantal Akerman Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles est avec une balle au n ° 1. Il s’agit du récit étrangement troublant et hypnotique de plus de trois heures de la vie apparemment banale d’une mère célibataire en temps réel, qui révèle progressivement un terrible secret. D’un feu féroce, froid et soutenu, le film aborde des problématiques et des interrogations contemporaines : le travail domestique comme travail, le travail du sexe comme travail, le fardeau de la maternité et de la garde, le théâtre de la respectabilité bourgeoise, la terrible solitude de la vie domestique et la marginalisation féminine, l’omniprésence inaperçue du pouvoir et de la violence.
Jeanne Dielman en fait la première fois qu’une réalisatrice est admise dans ce club exclusif des médaillés d’or. Il ne comptait jusqu’alors que trois membres : Vittorio de Sica (Voleurs de vélos en 1952), Orson Welles (Citizen Kane en 1962, 1972, 1982, 1992 et 2002) et Alfred Hitchcock (Vertigo en 2012). Maintenant, Akerman les a rejoints et, comme Hitchcock, n’a pas vécu pour voir ce triomphe, étant décédé en 2015.
Beaucoup de choses se sont passées dans la conversation culturelle depuis le dernier sondage en 2012, lorsque Hitchcock a renversé Welles, mais sans changer exactement le paysage critique. L’identité et la représentation sont désormais importantes et c’est une très bonne chose. Un ensemble stagnant d’hypothèses a été agité et la grandeur d’un maître moderne a été reconnue. Mais il n’y a pas que ça. Le génie et la vision sans compromis d’Akerman, ainsi que sa compassion et sa sympathie humaine, font pression sur le débat depuis un certain temps maintenant et Jeanne Dielman est passée d’une rumeur troublante ou d’un choix culte à un classique à part entière.
C’est un film qui pose au spectateur une question conflictuelle, aussi difficile en 2022 qu’en 1975 : qu’est-ce que le spectateur s’attend à voir et quand ? Akerman retranscrit la vie apparemment ennuyeuse de Dielman, interprétée par Delphine Seyrig, dans des prises de vue distinctement longues et ininterrompues à partir de positions de caméra fixes. Nous regardons Dielman s’asseoir à sa table de cuisine et éplucher des pommes de terre ou commencer à cuisiner un repas. Cette scène dure assez longtemps pour que nous pensions : cette personne est vraiment en train d’éplucher des pommes de terre ; il n’y a effectivement aucune différence entre ce qu’elle fait ici dans ce mode fictif et comment elle le ferait dans la vraie vie. C’est en train de se produire. Sans couper, nous regardons simplement ce qui est devant nous et commençons à remarquer des détails accessoires qui seraient autrement négligés.
Mais au bout d’un moment, après avoir été bercé dans cet état légèrement hypnotisé, on remarque des choses inquiétantes un peu décalées, symptômes d’un hors-champ inavoué. C’est l’opposé très polaire d’une peur du saut. La proportion et la perspective sont ce qui est en question. Les longues, longues périodes sans incident qui entourent l’événement principal ne sont généralement pas accueillies comme cela et les choses importantes ne sont généralement pas laissées sans signalisation, et pourtant c’est sans doute une représentation plus fidèle de notre expérience vécue et non éditée.
Jeanne Dielman, c’est aussi un film qui remonte au film Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda en 1962 – qui fait la liste au n°14 – dans son examen quasi en temps réel de la vie privée d’une femme, ainsi qu’à Belle de Jour de Buñuel de 1967 , avec son éclat d’étrangeté onirique dans une normalité apparente. Elle rejoint également des films tels que The Hours of the Day de Jaime Rosales de 2003 et Hidden de Michael Haneke de 2005, dans la mesure où il s’agit de déni, de la capacité bourgeoise prospère de perpétuer et d’ignorer la souffrance et la violence, que cette violence soit causé par ou infligé à vous. C’est un poème de stoïcisme et de peur et de douleur et une sorte de survie.
Ailleurs dans la liste, il est rafraîchissant de voir des films plus récents (enfin) répertoriés : l’histoire d’amour délicieusement malheureuse de Wong Kar-Wai In the Mood for Love (2000) au No 5, Beau Travail (1998) de Claire Denis au No 7 et Mulholland Dr (2001) de David Lynch au n° 8. Ingmar Bergman’s Persona (1966) est là au n° 18 mais son puissant The Seventh Seal (1957) – une fois un shoo-in pour des listes comme celle-ci – ne fait pas le coupé, et les grands poids lourds européens comme Fellini et Antonioni sont absents. Un de mes petits soucis est que, comme toujours, la comédie est à peu près mal vue, bien que Singin’ in the Rain (1952) se classe n°10, avec son insistance héroïque sur l’importance de les faire rire.
Mais quelle exaltation de voir le magnifique travail d’Akerman être reconnu comme ça.