jeC’est un patchwork de couleurs et d’artisanat, ses carrés de 20 cm célébrant les productions des années 1980 – Annie, Cats, Chess, Carousel, Les Misérables, Macbeth, Me and My Girl, Oh! Calcutta!, Starlight Express. Un carré, pour la comédie musicale The Rink, est signé par les stars Liza Minnelli et Chita Rivera.
Mais la courtepointe du Sida, parmi plus d’un millier d’objets et de photographies exposés au Musée de Broadway à New York, est aussi un linceul de deuil. Il a été fabriqué à la main par des équipes de garde-robe de diverses productions pour exprimer le chagrin et le soutien d’une génération d’artistes dévastée par l’épidémie de VIH.
La courtepointe vous arrête net parce que le musée, qui a ouvert le mois dernier juste à côté de Times Square avec des billets chronométrés à partir de 39 $, a un ton plus doux qu’amer, plus Mary Poppins que Sweeney Todd, claironnant des statistiques optimistes – 14,77 millions de personnes ont assisté à un spectacle de Broadway en la saison 2018-19 – plutôt que de déplorer le prix élevé des billets ou un public dominé par les touristes.
Un peu plus d’un an après l’ouverture de l’Academy Museum of Motion Pictures à Los Angeles, le théâtre américain a désormais son propre sanctuaire. « C’est un peu fou qu’il n’y en ait pas eu un », déclare la cofondatrice Julie Boardman, 40 ans. « Broadway a une si longue histoire et le fait qu’il n’y avait pas un endroit qui célèbre Broadway et les gens qui le font dans Times Square est époustouflant.
Mais derrière le faste, regardez bien et il y a des rappels que Broadway – composé maintenant de 41 théâtres – est un trouper avec les cicatrices de bataille pour le prouver. Sa chanson flambeau pourrait être I’m Still Here de la comédie musicale Follies de Stephen Sondheim – cuivrée, stoïque, altérée, lasse du monde, à la voix de whisky, indestructible.
Le sida a frappé sa communauté plus durement que la plupart des autres dans les années 1980 et au début des années 1990. « Vous alliez en répétition et avant de pouvoir accéder aux avant-premières, des amis, des collègues et des collègues auraient disparu », lit-on dans une citation anonyme du musée. « Les gens sont tombés malades et ont atterri à l’hôpital. Certains sortiraient, beaucoup d’autres non.
Cela a coïncidé avec une invasion britannique : des comédies musicales telles que Starlight Express en 1987 et Le Fantôme de l’Opéra en 1988. Le récent film documentaire On Broadway montre que c’était une cause de ressentiment parmi les gens de Broadway à leur moment de vulnérabilité maximale.
Lorsque la grande pièce américaine sur la survie au sida est arrivée sous la forme de Angels in America de Tony Kushner, elle a d’abord pris son envol au National Theatre de Londres en 1992 avant d’être transférée à Broadway l’année suivante. Il a fallu encore quelques années pour que la comédie musicale Rent de Jonathan Larson, inspirée de l’opéra La Bohème mais troquant la tuberculose contre le sida, prenne d’assaut Broadway en 1996. (Rent est célébré ici par une salle qui recrée une partie de l’East Village, complétée par le costume de Mark et des accessoires tels qu’un projecteur de film et un téléphone public.)
Il y avait eu d’autres crises, comme le détaille la « salle des cartes » du musée. La Grande Dépression des années 1930 a contraint de nombreux théâtres à fermer ou à être transformés en cinémas. La crise financière de New York dans les années 1970 a vu Times Square devenir notoire pour la prostitution, les crimes violents et les agressions – faire la queue pour les retours était une entreprise risquée. Les ventes de billets ont chuté dans un monde désormais familier de films tels que Mean Streets et Taxi Driver.
Mais comme le note le musée, les maires ont utilisé des lois de domaine éminentes pour condamner et prendre le contrôle des bâtiments décrépits et des lois de rezonage pour chasser le commerce du sexe. Le maire Rudy Giuliani a réussi à convaincre Disney de signer un bail de 99 ans sur le New Amsterdam Theatre sur la 42e rue, l’ancienne maison des Ziegfeld’s Follies qui était tombée en ruine. Il est devenu la maison du Roi Lion pendant près de neuf ans.
Pendant ce temps, une organisation à but non lucratif, The New 42nd Street, a supervisé le réaménagement de sept autres lieux négligés, attirant des hôtels, des restaurants et des détaillants dans la région. Le Broadway d’aujourd’hui est plus propre, plus sûr et plus touristique. Il y en a peut-être qui manquent malgré eux la version plus tranchante et plus granuleuse.
La calamité a de nouveau frappé le 12 mars 2020 lorsque Broadway s’est éteint à cause de la pandémie de coronavirus et a subi, à plus de 15 mois, la plus longue fermeture de son histoire. Il a provisoirement rouvert le 26 juin 2021 avec Springsteen à Broadway, mais plusieurs productions ne sont jamais revenues.
La pandémie a également fermé un pub irlandais dans un emplacement privilégié à quelques pas de Times Square. En août de l’année dernière, le bail a été acquis par Julie Boardman, une productrice primée par Tony, Diane Nicoletti, fondatrice d’une agence de marketing qui a créé des « expériences de fans », notamment pour Game of Thrones. Ils ont entrepris de le transformer en un musée s’étendant sur 26 000 pieds carrés sur quatre étages (ils refusent de révéler combien tout cela a coûté).
« Nous avons eu l’idée il y a plus de cinq ans et nous y avons travaillé et nous avons déterminé quelle était l’histoire que nous pourrions raconter », a déclaré Boardman. « Nous avons concentré cette idée sur le fait que nous nous appuyons sur les épaules de ceux qui nous ont précédés. Si les gens n’avaient pas été pionniers, innovés et pris des risques, nous n’aurions pas la forme d’art que nous avons aujourd’hui. Les Hamiltons et les Wickeds: rien de tout cela n’aurait été possible si toutes ces personnes n’avaient pas été essayées et expérimentées auparavant.
Le musée est organisé de manière chronologique et met en lumière plus de 500 productions individuelles du XVIIIe siècle à nos jours (les premiers théâtres ont pris racine dans ce que l’on appelle aujourd’hui le Financial District et Chinatown avant que l’industrie ne se déplace vers le nord).
Après les galeries qui marquent l’influence des artistes européens, du ménestrel et du vaudeville, il y a des salles individuelles créées par des scénographes consacrées aux spectacles phares de Broadway. Il s’agit d’une déclaration provocatrice sur ceux qui sont éligibles pour « le canon » et ceux qui ne le sont pas. C’est également la preuve que, contrairement à Londres, la forme d’art emblématique de New York est la comédie musicale plutôt que la pièce de théâtre.
Entrez dans une salle consacrée au Show Boat de 1927 et vous entendez Paul Robeson chanter Ol’ Man River ; continuez et le son est mixé avec le son de Oh, What a Beautiful Mornin’ from Oklahoma! La chambre de ce dernier présente du faux maïs debout et des photos de la production originale de 1943. Le parolier Alan Jay Lerner a décrit plus tard Oklahoma! comme « l’un des rares jalons réels, authentiques, de 14 carats et de vrai bleu jamais appelés jalons ».
De denses panneaux de texte reconnaissent les nuits de miracles et d’émerveillement sur la scène d’après-guerre : la mort d’un commis voyageur d’Arthur Miller, A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams, Long Day’s Journey Into Night d’Eugene O’Neill et bien d’autres. Il y a des histoires bienvenues et longtemps négligées du théâtre noir de cette période. Mais ne vous attendez pas à voir les notes de scène secrètes de Miller ou la machine à écrire préférée de Lorraine Hansberry. Les comédies musicales défilent.
Une salle dédiée à West Side Story recrée Doc’s Drugstore dans des détails d’époque impressionnants : une caisse enregistreuse, des publicités épinglées sur un panneau d’affichage, du cacao Hershey et des dizaines d’autres produits sur les étagères, un casier à cigares frais, de grands pots de bonbons, un mur- téléphone payant à cadran monté, un juke-box avec des titres manuscrits : Jet Song ; Ce soir; Cool; Je me sens jolie; Bon sang, officier Krupke et ainsi de suite.
Mais l’objet vedette est une veste bleue et jaune des Jets qui a été portée par l’acteur Don Grilley, qui a succédé à Larry Kert, à l’origine du rôle de Tony lorsque le spectacle a commencé à Broadway en 1957. La veste a été donnée au musée par La veuve de Grilley après avoir été accrochée dans un placard pendant des décennies.
La chronologie continue avec Fiddler on the Roof, Hello, Dolly ! (les télégrammes reçus par l’actrice principale Carol Channing sont affichés), Cabaret, Hair, Company (les visiteurs peuvent monter sur le plateau de la récente production mettant en vedette Katrina Lenk), The Wiz (« Stephen Sondheim a avoué que The Wiz était son émission préférée, parce que ‘c’est le seul spectacle qui vous fait vous sentir mieux quand vous en sortez que quand vous y êtes entré.' »)
Parmi les autres points forts, citons les costumes originaux et le modèle de décor original de Robin Wagner pour A Chorus Line de 1975, la robe rouge indubitable d’Annie de 1977, le costume porté par Meryl Streep lors de ses débuts à Broadway dans Trelawny of the ‘Wells’ au Lincoln Center en 1975 et un installation de lustre de l’artiste allemand Ulli Böhmelmann composée de 13 917 cristaux en l’honneur du Fantôme de l’opéra de 1988.
Il y a aussi une perruque portée par Patti LuPone dans Evita, des masques du Roi Lion, des marionnettes d’Avenue Q, une reconstitution du bureau de Max Bialystock dans The Producers, des bottes à talons rouges jusqu’aux genoux de Kinky Boots, la dernière chemise et le bras moulé portés par Sam Primack dans Dear Evan Hansen plus tôt cette année, un modèle de plateau de 5 pieds de large pour Wicked (dont 300 spectateurs assis) et une paire de bottes portées par Lin-Manuel Miranda à Hamilton en 2015.
La carrière de Boardman en tant que producteur deux fois récompensé par un Tony Award a certainement aidé à rassembler le matériel, dont la plupart sont prêtés par des artistes, des producteurs et des organisations. Une rencontre fortuite dans la rue avec le producteur d’Hadestown dans la rue a assuré le costume d’un acteur partant. Son co-fondateur et vieil ami de l’université, Nicoletti, a un favori personnel qui remonte à beaucoup plus loin.
La femme de 40 ans déclare : « J’adore les robes Ziegfeld Follies du début des années 1900 que Disney Theatrical nous prête depuis le New Amsterdam. Ils ont été essentiellement trouvés dans le théâtre qui était décrépit et ceux-ci ont duré pendant tout ce temps. Ceux-ci sont assez magnifiques compte tenu de leur âge, mais aussi de leur beauté, de leur couleur et de leur opulence. Lorsque vous voyez des photos en noir et blanc, vous ne réalisez pas ce qu’elles sont vraiment.”
Le dernier étage du musée comprend une exposition spéciale sur Al Hirschfeld, un caricaturiste réputé pour ses portraits en noir et blanc de stars de Broadway telles que Streep, Sondheim, Minnelli, Julie Andrews, John Leguizamo et Barbra Streisand. Mais l’exposition permanente s’intitule The Making of a Broadway Show, conçue dans les moindres détails par David Rockwell pour emmener les visiteurs dans les coulisses pour un aperçu du travail des régisseurs ; dramaturges; professionnels de l’éclairage, de la projection et du son ; et agents de marketing, de presse et de publicité.
Boardman commente : « Il y a une place pour toi à Broadway si c’est là que tu veux travailler et que tu n’as pas besoin d’être acteur. Il y a tellement d’endroits où vous pourriez travailler, comme dans les coulisses.
«Mais aussi, en parcourant la chronologie, vous obtenez ce véritable sens du mentorat, comme passer le flambeau de créatif à créatif. Il y a tellement de gens qui ont touché Broadway mais il y a beaucoup de mentorat qui y est associé. Une génération inspire la suivante, inspire la suivante, mais nous faisons toujours de nouveaux pas de géant créatifs.”