Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 words
WOlfgang Tillmans n’a jamais eu l’intention de sortir de la musique et certainement pas de la jouer en live. C’est une chose intrigante à dire de la part du célèbre photographe allemand étant donné qu’il est en appel Zoom depuis son domicile berlinois pour discuter de son deuxième album, Build from Here, qui comprend en outre un morceau intitulé Grüne Linien qui a été enregistré en direct sur scène avec son groupe. Fragile, lors d’un festival à Fire Island en 2018. De même, vous pouvez comprendre pourquoi l’histoire musicale de Tillmans peut le faire réfléchir, comme il le dit, à faire de la musique « avec une intention publique directe ». Sa tête a été tournée par la rencontre avec la nouvelle scène romantique lors d’un voyage au Royaume-Uni pour améliorer son anglais. « La musique pop britannique de l’époque offrait un tel kaléidoscope, s’enthousiasme-t-il, combinant des choses qui n’allaient pas ensemble, d’origines complètement différentes : tant de choses se passaient en même temps, c’était libérateur ; juste le sentiment que vous aviez le droit de penser comme ça, c’est possible, vous pouvez le faire.
A son retour en Allemagne, il forme un duo de synthés dans sa ville natale de Remscheid. Mais son partenaire du duo « a disparu du jour au lendemain », quittant la ville au lendemain d’une relation difficile. Puis, en 1991, il propose de chanter avec un groupe alors qu’il était étudiant à Bournemouth. « Un échec catastrophique », dit Tillmans à propos de leur concert solitaire. « Lors des répétitions insuffisantes, les retours sont tombés en panne, je ne m’entendais pas et j’étais désaccordé, désaccordé, désynchronisé, tout simplement terrible. Une situation qui ne se reproduira plus.
Pourtant, il est difficile de penser à un autre artiste lauréat du prix Turner dont le travail est si lié à la pop. L’homme de 55 ans a emprunté des titres d’œuvres et d’expositions à des chansons, a été DJ dans des clubs et des festivals, et ses photographies sont accrochées au Berghain de Berlin : il est, annonce-t-il fièrement, la seule personne qui ait jamais été autorisée à photographier dans le club notoirement secret. Il a dit un jour qu’il n’aurait jamais pris un appareil photo sans l’acid house et son impact sur la culture de la jeunesse allemande : 30 ans plus tard, les photos qu’il a prises démontrent une étrange capacité à capturer l’atmosphère d’abandon du dancefloor.
«Je pense que cela vient vraiment du fait d’être l’un des fêtards», dit-il. « La caméra n’était pas pour moi la raison d’être là ; J’ai brièvement pris la responsabilité de témoigner de ce que j’ai vécu. Je n’aime pas être vu avec la caméra. C’est la même chose avec les portraits ; Je ne demande pas constamment aux gens : « Puis-je vous prendre en photo ? parce que je suis fondamentalement gêné de photographier des inconnus, d’interrompre la fluidité de l’instant. Je pense que la qualité de mon travail vient de ce seuil élevé de gêne. Je dois souffrir à un certain niveau de ne pas pouvoir prendre de photo, et la souffrance est telle que je me dis : non, je dois le faire maintenant.
Son retour à la musique n’était pas si urgent. Lorsque Tillmans a recommencé à créer des morceaux électroniques au milieu des années 2010 – inspiré en partie par le son du label américain Fade to Mind, qui abrite entre autres Kelela, Kingdom et Dawn Richard – il a choisi de les garder pour lui, les jouant occasionnellement pour amis. L’un d’eux était Frank Ocean, qui a suggéré qu’il pourrait essayer un des morceaux de Tillmans à un moment donné. Au lieu de cela, il a utilisé Device Control de Tillmans dans son intégralité comme morceau d’ouverture et de clôture de son album de 2016, Endless. Tillmans n’en avait aucune idée jusqu’au jour de la sortie de l’album. «C’est donc devenu très public», dit-il. « Au final, ma timidité n’était pas vraiment un problème. Personne n’a réellement dit : pourquoi fait-il de la musique ? Cela semblait tout à fait naturel.
S’ensuivent une série d’EP – l’EP 2016/1986 revisite certaines des musiques qu’il avait faites dans son duo adolescent synthpop – et un premier album, Moon in Earthlight, qui partage son titre avec une exposition en 2021. Tillmans n’est certainement pas le seul artiste visuel à s’être mis à faire de la musique mais il est, de loin, l’artiste visuel dont la musique a été le plus acclamée : outre la co-signature de Frank Ocean, ses morceaux ont été remixés par une sélection impressionnante de sommités du dancefloor, dont Honey Dijon, Roman Flügel, Total Freedom et Daniel Wang. En écoutant Build from Here, vous comprendrez pourquoi la musique de Tillmans a attiré l’attention : elle est remplie de mélodies magnifiquement tristes, d’atmosphères électroniques intrigantes, de chansons qui se situent quelque part entre la synthpop et la musique de club. Il est également enrichi d’enregistrements sur le terrain et de sons trouvés que Tillmans appelle « photographie audio ».
« La photographie n’a jamais été pour moi un but en soi », dit-il. « C’est pour moi un outil pour décrire la présence ou la sensation d’un objet ou d’une situation de vie. Je me sens touché et j’ai alors envie de faire une photo pour en parler. Je me sens parfois attiré par les sons, alors j’ai commencé dans les années 2010 à enregistrer des choses plus activement, y voyant d’une manière ou d’une autre cette sorte de poésie acoustique. J’ai observé que les musiciens disent toujours : ‘Oh, faisons une autre prise’, c’est très naturel pour eux. La photographie, dit-il, est différente. « Même les choses que j’avais installées en studio, je ne pouvais pas prendre la même photo le lendemain ; certains ingrédients échappent à des paramètres notables. Je suppose que c’est ça le travail avec le son et la musique, autant qu’avec le visuel et les images – laisser autant d’énergie originale intacte et non altérée et d’un autre côté cadrer techniquement les choses et être aussi conscient que possible et permettre ce jeu de contrôle et de hasard.
Ce que la musique de Tillmans n’a pas, c’est l’ironie des sourcils arqués qui accompagne souvent les artistes visuels qui se lancent dans la pop – Martin Creed criant « va te faire foutre » sur un accompagnement indépendant chaotique, ou le ricanement narquois de la « pantomime alt-rock/pop » de David Shrigley. « Problème à Brighton. « Parce que j’ai tellement de respect pour la musique et les musiciens, il serait ridicule de faire pression pour quelque chose qui n’est pas bon », dit-il, « ou c’était juste une position ironique, ou comme une ressacation de mes rêveries d’université, qui C’est l’autre chose qui arrive lorsqu’un artiste visuel vit ce moment de rock star. Je considère Blue Monday de New Order comme l’une des plus grandes œuvres d’art de la fin du XXe siècle, vous savez ? Il n’est pas nécessaire que ce soit une œuvre musicale ou un art sonore, c’est juste de l’art.
Ses récentes expositions ont intégré les deux. En 2014, il ouvre une « salle de lecture » de musique dans sa galerie berlinoise Between Bridges, inaugurant avec une exposition consacrée aux pionniers du sample house pré-acide Colourbox : il répète l’idée lors d’expositions ultérieures à Munich et à la Tate Modern de Londres. « Le but de Between Bridges a toujours été de montrer un art qui n’était pas entièrement représenté et de parler de la valeur de l’art. Certains artistes ont été oubliés parce qu’ils n’ont pas limité leurs éditions et que leur art n’est donc pas devenu cher, donc il n’est pas autant valorisé. J’ai trouvé que ces disques Colourbox étaient des œuvres d’art étonnantes ; pas seulement la pochette, mais ce qu’il y a dans les grooves. Et juste parce qu’ils coûtent 10 £, il n’y a pas d’espace qui leur est dédié.
Quant à sa propre musique, il n’est pas sûr de ce que l’avenir lui réserve, même si ce qui frappe dans Build from Here est sa note d’optimisme quant à l’avenir : elle est partout, du titre délicat et sans rythme à Moroder- de We Are Not Going Back. esque pulse, à la nouvelle vague motorik de French Lesson, qui ne cesse de répéter la phrase «soutiens demain» – supportons demain.
C’est intrigant, étant donné que la dernière partie du livre rétrospectif 2021 Wolfgang Tillmans : A Reader semblait tellement consumée par la colère : face au Brexit, à la montée de Trump et du parti d’extrême droite AfD en Allemagne, aux attaques contre les droits LGBTQ+. . Oh non, dit-il : il reste « optimiste de nature, mais pas de manière naïve. Il faut être réaliste ; les adversités auxquelles les autres générations ont été confrontées étaient au moins aussi multiples et aussi fortes que celles auxquelles le monde est confronté aujourd’hui ; les luttes que les générations précédentes ont menées pour obtenir les libertés civiles dont nous jouissons aujourd’hui. Je ne veux pas changer de place avec eux, c’est pourquoi je reste foncièrement optimiste.»
C’est la même attitude qu’il avait au début de sa carrière, lorsqu’il photographiait les clubbers allemands dans le sillage de l’acid house. « Le début des années 90, quand on regarde en arrière, n’était pas uniquement celui de la paix et de l’après-guerre froide. La guerre en Yougoslavie faisait rage et de nombreux redressements économiques étaient en cours. Il y avait donc de l’optimisme, mais un optimisme sobre et sombre. Ce n’était pas un « hourra », c’était une appréhension enthousiaste pour l’avenir.