google Keith Haring et contrairement à d’autres artistes – Picasso, par exemple, ou Tracey Emin – vous êtes aussi susceptible de trouver des publicités que de l’art. Les publicités suggèrent un sweat-shirt d’Abercrombie & Fitch avec l’illustration de Haring sur le devant pour 60 £. Une bague de Pandora avec les personnages dansants de Haring autour du design pour 125 £. Ou un T-shirt Uniqlo, avec deux chiffres et un cœur, pour 14,90 £.
Ce n’est qu’une fraction des articles que vous pouvez maintenant acheter en affichant les œuvres d’art de Haring. La Fondation Keith Haring – l’organisation responsable de son imagerie depuis sa mort en 1990 – s’est associée à une pléthore de marques ces derniers mois, dont H&M, Primark et Bershka, des collaborations qui font suite à son partenariat avec Uniqlo, qui a débuté en 2003. Plus de 30 des années après sa mort, les bébés rampants, les chiens qui aboient et les personnages dansants de Haring sont omniprésents.
La valeur commerciale est depuis longtemps un principe central du travail de Haring. Mais le nombre de ces nouvelles collaborations va-t-il trop loin et compromet-il son héritage ? Son art a-t-il été réduit à des logos glorifiés ? Avons-nous atteint le pic Haring ?
Haring est né en Pennsylvanie et a déménagé à New York pour étudier l’art en 1978. Deux ans plus tard, il a commencé ses dessins de métro ; l’artiste et son travail sont devenus un spectacle familier pour les navetteurs de la ville. Sa renommée a grandi au cours de la décennie – il a fait l’objet de 40 articles en 1986, est apparu dans plus de 50 expositions personnelles au cours de sa vie et a créé plus de 50 œuvres d’art publiques. Au cours de sa propre vie, Haring avait peu de scrupules à propos du travail commercial. Il a travaillé avec Absolut, Fiorucci et Swatch, bien qu’il ait également refusé certaines marques, notamment des accords avec du fromage Kraft et des camions Dodge. Fondamentalement, en 1986, il a ouvert Pop Shop, un magasin sur Lafayette Street à New York, et a vendu des T-shirts, des jouets, des affiches et des badges à des prix abordables.
Haring est décédé d’une maladie liée au sida à l’âge de 31 ans, mais il a laissé derrière lui un travail important et une vie qui a fait de lui un héros pour beaucoup. Il a fait campagne contre le racisme, la toxicomanie (voir sa célèbre fresque murale Crack Is Wack) et pour l’organisation de lutte contre le sida Act Up. Il a créé sa fondation en 1989 pour accorder des subventions aux organisations de lutte contre le sida et à celles qui travaillent avec des enfants défavorisés. Les collaborations continuent de générer des revenus pour ces causes ; l’année dernière, la fondation a accordé des subventions d’une valeur comprise entre 7 et 8 millions de dollars.
Certaines collaborations ont néanmoins été repoussées par les fans. En octobre, PinkNews a publié un article mettant en évidence les réponses aux plus récentes d’entre elles sur les réseaux sociaux. « Keith Haring collabore avec Pandora, Primark, Casetify… que se passe-t-il ? » a écrit un utilisateur de Twitter, tandis que d’autres se sont plaints que la sexualité de Haring avait été retirée de la publicité autour de la collection Pandora. «Des marques hétéros qui s’approprient et méprisent encore une fois le travail des artistes de mes communautés, pour fouetter quelques boucles d’oreilles. Absolument enragé », était un commentaire.
Gil Vazquez, directeur exécutif de la fondation, est bien conscient de ces critiques. « Nous sommes souvent accusés de ne pas mettre en évidence la lutte de Keith contre le VIH dans notre programme de licence et cela est souvent considéré comme l’effacement non seulement de sa lutte, mais de la lutte de ceux qui se sont battus et sont morts », dit-il dans un e-mail. « C’est une réalité à laquelle nous, la Fondation Haring, n’hésitons pas. » Il ajoute que, comme il s’agit de projets commerciaux, ils s’accompagnent de préoccupations différentes : « Nous ne pensons pas qu’il soit juste d’obliger une marque à raconter une histoire qui n’a pas de sens pour elle. Cela étant dit, nous serions ravis d’avoir l’opportunité de travailler avec une marque qui Est-ce que Je veux raconter une histoire sur la lutte contre le VIH/sida dans les années 80 et 90 en utilisant l’imagerie Haring.
La possibilité d’acheter Haring à des prix accessibles est, selon Vazquez, un élément crucial pour rester fidèle à l’héritage de l’artiste. La fondation s’associe à Artestar, la société qui sert d’intermédiaire entre les artistes et les marques, sur ces collaborations (Artestar gère également des artistes comme Jean-Michel Basquiat, Herb Ritts et Mickalene Thomas), et se concentre sur les marques abordables. « La mode rapide a parfois mauvaise presse à cause des préoccupations écologiques mais, pour nous, c’est penser à l’accès », explique Vazquez.
Philippa Grogan, consultante en développement durable pour Eco-Age, dit qu’elle comprend que ces collaborations sont conformes à la pensée de Haring – « Ils plaisent aux masses, tout comme il le voulait » – mais l’essentiel reste que toute la mode rapide a un impact négatif sur l’environnement. « Lorsque les marques lancent de nouvelles collections, elles contribuent à la croissance, [not] découpler la mode de la surconsommation », dit-elle.
Grogan ajoute que l’engagement de la fondation envers les œuvres caritatives pour enfants pourrait être sapé en travaillant avec des entreprises de mode rapide. « Je sais pertinemment que certaines de ces marques ne peuvent pas garantir des chaînes d’approvisionnement exemptes de travail des enfants », dit-elle. La fondation répond à cela en disant que chaque accord de licence stipule qu’une marque garantit que les produits fabriqués grâce à la collaboration ne seront pas fabriqués dans un endroit qui utilise des conditions de travail inhumaines, le travail des enfants ou le travail forcé.
L’étreinte commerciale de Haring est venue bien avant que nous commencions à réfléchir à l’impact humain et environnemental de ce que nous achetions. Il s’est en partie inspiré d’Andy Warhol, géant de l’art à son époque et enfant du consumérisme d’après-guerre. Bien que l’éthique de Haring n’ait pas été remise en question, il y a eu des critiques et un rejet du monde de l’art. Robert Hughes l’a appelé « Keith Boring » et a décrit son travail comme « d’une simplicité amusante ».
Darren Pih, qui a organisé la rétrospective Haring de Tate Liverpool en 2019, dit qu’il est facile de considérer Haring comme purement commercial. Mais, soutient-il, son travail est plus avisé que cela, en partie à cause de son engagement dans l’activisme. « Son travail avait deux bords », dit Pih. « Il critiquait le marché, le capitalisme et les inégalités. Mais aussi, pour des choses comme le Pop Shop, vous pouvez voir qu’il y voyait un moyen d’atteindre un public plus large.
Les produits vendus dans Pop Shop parlaient souvent de causes qui lui tenaient à cœur ; ils comportaient des slogans pour Act Up ou des messages anti-apartheid. Emily Dinsdale, écrivain d’art chez Dazed, dit que c’est crucial. « Il n’était pas très attaché à la commercialisation de son travail, il se souciait davantage de sensibiliser le public », dit-elle. « Dans un sens, vous pourriez décrire son travail comme une propagande pour la compassion et l’égalité. » Harrison Tenzer, responsable de la stratégie numérique pour les enchères, l’art moderne et contemporain (Amériques) chez Sothebys, a travaillé sur la vente aux enchères Dear Keith de la collection personnelle de l’artiste en 2020. Il dit que la façon dont Haring a vécu sa vie résonne dans son héritage. « Son rôle de militant est probablement l’élément le plus fort de son expérience vécue. Cela ajoute au cachet, faute d’un meilleur terme, autour de son œuvre, car son art est très authentique pour lui et sa vision, et il se sent comme un artiste qui a vraiment vécu dans sa propre moralité.
Si les critiques ont été narquois de son vivant, Haring a – à titre posthume, au moins – eu le dernier mot. La demande pour ses œuvres est telle qu’un bébé qu’il a dessiné sur le mur de sa chambre dans sa maison d’enfance a été vendu en septembre, un acte que le critique d’art du Guardian, Jonathan Jones, a qualifié de « brutal », car il a été « arraché de son offre, contexte intime et original pour devenir une marchandise du monde de l’art ». De tels extrêmes prennent tout leur sens quand on découvre qu’en 2017, une toile Haring a été vendue 5 M£ chez Sotheby’s.
Tenzer dit que le marché s’est développé au cours des cinq dernières années, car les collectionneurs ont digéré Haring et ses contemporains. « Il y a un intérêt croissant pour cette époque et cette génération d’artistes new-yorkais. Il chevauche tant de domaines différents – le street art, le prêt-à-porter ainsi que la pratique des beaux-arts – [and] Je pense que cette génération de collectionneurs est très à l’aise avec tout ça.
En fin de compte, c’est peut-être la simplicité du travail de Haring qui lui permet d’exister dans de multiples contextes : dans la rue principale, sur le mur de la galerie, chez les collectionneurs. Dinsdale soutient que le « message d’amour et d’acceptation » derrière ces symboles les élève – où qu’ils soient. « Peut-être en tant que dessin sur un t-shirt Uniqlo, son travail risque de devenir plus un signe du capital culturel du porteur de t-shirt qu’autre chose », dit-elle. « Mais j’aime à penser que le langage visuel de Keith Haring, composé de chiens dansants et de bébés radieux, est suffisamment puissant pour communiquer quelque chose de son intention initiale, où que vous le rencontriez. »
Même Grogan pense que ces articles ont un avantage sur la plupart des articles de mode rapide. « J’espère que ces modèles sont si cool que les gens les porteront plus longtemps », dit-elle, « parce que les matériaux à partir desquels ils sont fabriqués – des mélanges de coton – ne vont nulle part. »