Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 words
Un long voyage d’une journée vers la nuit s’épaule sur scène : hirsute, aux pieds lourds, une créature du siècle dernier. Pourtant, braillant prophétiquement. Eugene O’Neill a écrit la pièce entre 1939 et 1941 comme un acte de « vieux chagrin, écrit dans les larmes et le sang ». Il ne voulait pas que la pièce soit jouée mais sa troisième épouse, contre son gré, autorisa une production posthume en 1956. L’œuvre brutement autobiographique met en scène une mère accro à la morphine, un père fasciné par ses souvenirs d’acteur classique, un tuberculeux et un fils alcoolique; la douleur peut être mesurée par le fait qu’un bébé mort s’appelle Eugène. Il fournit également une image inoubliable d’une mère américaine : un « démon de la drogue » dans un fauteuil à bascule.
La production de Jeremy Herrin est soignée, se rassemble lentement – et dure trois heures et demie. Les scènes d’ouverture sont sourdes, moins angoissées qu’inquiètes ; Le design en planches à clin de couleur marine de Lizzie Clachan est austère et confiné. Le grand bruit de la corne de brume en pleine mer, note dominante d’une famille à la dérive, n’est qu’un murmure spectral et le dialogue vacille souvent ; quand le courant s’allume, c’est d’abord dans les monologues. Les confessions solos sont le moteur de la pièce mais elles gagnent en intensité avec un plus grand sentiment de famille – de dysfonctionnement héréditaire et inéluctable – qu’il n’y en a ici. Les blessures semblent graves et non mortelles – comme elles le devraient.
Pourtant, oh, la pure force de l’écriture et du jeu d’acteur : quel autre dramaturge aurait pu proposer la description de « gens du brouillard » pour des personnages si éloignés de la réalité et les uns des autres, rêvant si hébétés du passé ? Laurie Kynaston et Daryl McCormack viennent s’affronter de manière convaincante en tant que deux frères mal à l’aise. Louisa Harland, de Filles de Derryqui était si fort récemment dans Américain d’Ulster, brille comme la servante qui voit la vérité et lui rit au nez. Pourtant, le cœur du drame réside dans les parents. Brian Cox, en bretelles et en manches de chemise, est fort et bluffant, bon sur les notes du vieux jambon, mais trop prompt à s’enflammer dès le début : son propre voyage semble insuffisamment long, et les échos de son Succession rôle trop évident (il y a même une phrase sur le fait d’être piégé dans un rôle familier). Pourtant Patricia Clarkson apporte une subtilité exceptionnelle au rôle de la mère : perdue, manipulatrice, menteuse. Délicatement vague, elle entre soudain en véhémence. Elle offre un moment à couper le souffle à la fin de la pièce, que O’Neill considère comme « la plus grande scène que j’aie jamais écrite ». Pour livrer la dernière phrase – un moment de rayonnement onirique – elle s’assoit au bord de la scène et relève les jambes. C’est comme si elle était redevenue jeune.
Harold Pinter a écrit L’amant et La collection pour la télévision, au début des années 1960. Ils auraient pu être écrits pour contraster avec le drame d’O’Neill. Courts, dépourvus d’explications, animés par des échanges vifs et non par des monologues, ils fournissent, de manière taquine, un argument pour être légèrement désorienté au théâtre.
Les jeux sexuels sont ce qui se passe principalement. Pas comme dans l’herbe de la pampa et les poupées gonflables (même si certains tam-tams sont étrangement suggestifs). Il s’agit du clin d’œil et de l’intimidation, de l’encouragement joyeux et de la déception écrasante que les couples s’infligent mutuellement, non seulement pour se réveiller à l’heure du coucher, mais aussi pour découvrir qui ils sont.
Ce sont plus que des pièces d’époque, mais Lindsay Posner réalise avec le souci d’une reconstruction parfaite de l’époque. À juste titre, puisque les intrigues de Pinter, bien que réputées pour leur tension verbale, sont également parsemées d’indices visuels : une paire de talons hauts offerte est cruciale. La phrase d’ouverture de la soirée – « Est-ce que votre amant vient aujourd’hui ? – dépend, pour son effet, d’être torpillé dans un salon tout à fait respectable. Le décor et les costumes de Peter McKintosh sont impeccables. Dans L’amant un couple jouant à un double jeu dispose d’un canapé avec deux appuis-tête et deux boîtes à cigarettes. Dans La collection Claudie Blakley est – quoi de mieux pour les déguisements – une créatrice de mode, en bob Mary Quantish et tunique aux imprimés géométriques. Il y a des touches de Hockney dans un vase de tulipes.
Blakley utilise la râpe distinctive de sa voix comme la langue d’un chat, caressante mais pas douce. Elle est également excellente dans ce qu’on pourrait appeler le moment d’Angela Rayner, où elle croise les jambes et fait croire à tout le public qu’il entend la susurration de ses bas. Mathew Horne de Gavin et Stacey (« Gavin est dedans ! » a crié une femme excitée sur son téléphone à l’extérieur du théâtre) est également très bon : d’un ton neutre, illisible. Et David Morrissey entre dans un nouveau registre audacieux. Il arrive dans un costume trois pièces, parlant comme si ses paroles étaient également sous gilet ; le sourire sur son visage pourrait être celui d’un présentateur de nouvelles transmettant le calme alors qu’il s’apprête à annoncer une catastrophe. Il s’effondre lentement dans la perplexité. Avec des blagues en route. Il y a moins de menace que d’habitude chez Pinter : ici le dramaturge met le ressort en énigme.
April De Angelis, auteure il y a 30 ans du Vivace Créatures du théâtre sur les actrices anglaises du XVIIe siècle, a découvert un autre sujet théâtral riche en Sarah Siddons pour sa nouvelle pièce, La Divine Mme S. Peinte par Joshua Reynolds dans le rôle de la muse tragique en 1784 et que William Hazlitt a déclaré qu’elle suscitait moins l’admiration que l’émerveillement, Siddons était une artiste innovante et une célébrité prise au piège d’être une mère qui travaille à une époque où les actrices étaient régulièrement piétinées. par leurs patrons, et les femmes qui résistaient à la gentillesse étaient considérées comme folles. À quelle heure cela pouvait-il être ?
Le casting de Rachael Stirling dans le rôle de Siddons met le feu à la production capricieuse d’Anna Mackmin. Stirling attire le public vers elle sans être moite. Son esprit est instinctif, non seulement dans la manière de prononcer ses lignes, mais dans la façon dont elle se tient et se déplace, avec une spirale gracieuse. Il lui est difficile de démontrer le nouveau naturalisme du jeu de Siddons, qui semble moins facile à l’ère des murmures et des contractions télévisées, mais qui constitue un contraste frappant avec le style ritualisé du XVIIIe siècle démontré avec panache par Dominic Rowan. Alors que le frère de Siddons, John Philip Kemble, directeur de théâtre et acteur, Rowan yodels ses voyelles et, les jambes bandées et les bras levés, a l’air d’être coincé dans un match d’escrime perpétuel.
Malgré d’agréables épisodes de dynamisme dans les coulisses, les recherches de De Angelis peuvent trop souvent être entendues derrière l’action. La poétesse et dramaturge Joanna Baillie (1762-1851) risque de se perdre dans le tourbillon des déceptions des femmes. Une plaque commémorative se trouve à proximité du théâtre. Présenté de manière convaincante comme ayant été trompé de la simple renommée de dramaturge «énervé» (De Angelis s’amuse intelligemment avec les anachronismes), Baillie est le personnage le plus intéressant sur scène. Incarné par Eva Feiler avec une fascinante intensité rassemblée, son corps semble n’être qu’un réceptacle provisoire pour les mots qui doivent jaillir d’elle.
Notes par étoiles (sur cinq)
Un long voyage d’une journée vers la nuit ★★★
L’Amant/La Collection ★★★★
La Divine Mme S ★★★